Friday, December 02, 2016

Cortometrajes de culto: "Frankenweenie"

Victor Frankenstein pierde a su perro cuando es atropellado por un coche, negándose a dejar marchar a su amigo, el joven decidirá traerlo de vuelta a la vida, pero la gente de su vecindario no estará muy contenta con esa idea.


EL JOVENCITO FRANKENSTEIN
"Frankenweenie surgió de unos dibujos y de algunos sentimientos, y de pensar que podría ser buena, que quizá podríamos rodar un medio metraje," declaraba Tim Burton. "Tienes un perro al que quieres y la idea de mantenerle con vida fue el impulso para esta película."
Basándose en las ideas del director, el televisivo Lenny Ripp fue el encargado de dar forma al guión.
Y para su primer trabajo íntegramente en imagen real, Burton contó para los papeles principales con actores profesionales, como Shelley Duvall (El resplandor), Daniel Stern (Solo en casa) y Barret Oliver (La historia interminable), quienes dieron vida a la familia Frankenstein. Y además en el reparto tenemos a los directores Paul Bartel (La carrera de la muerte del año 2000) y Sofia Coppola (Lost in Translation) en pequeños papeles.
El plan de Disney era que Frankenweenie acompañase a Pinocho (1940) en su reestreno en salas de cine en 1984. Y para llevarlo a cabo, Burton contó con un presupuesto de 1 millón de dólares.
El cortometraje se filmó en una de las urbanizaciones de South Pasadena (California), similar a la que se crió el director. El rodaje aconteció sin incidentes y Burton quedó realmente contento con sus actores. "Todos fueron estupendos. [...]. Todos apoyaron el proyecto," afirmaba el director de Sleepy Hollow.
Pero una vez terminó el rodaje empezaron los problemas. Frankenweenie consiguió una calificación de no autorizada, por lo que no podía ser estrenada junto a una película infantil. "Fui al organismo que concede las calificaciones y les dije: '¿Qué tengo que hacer para que la califiquen para todos los públicos?', y ellos me dijeron: 'No se trata de cortar nada, es el tono general'," recordaba el director.
Según detallaba Burton en la revista "Starlog", "ellos se quejaron que la película era demasiado violenta. La única violencia en ella es cuando el perro es atropellado por un coche y eso sucede fuera de cámara."
Se hizo un pase de prueba proyectándola después de Pinocho y los niños se pusieron a llorar en algunas partes del corto. Visto el panorama, Disney tomó la decisión de, no solo no estrenarla junto con Pinocho, si no de guardarla en un cajón, tal y como habían hecho con su anterior corto, Vincent (1982), que fue archivada por Disney tras su pase en una sala de cine de Los Angeles durante dos semanas.
"Que Vincent Frankenweenie no fueron estrenadas ha sido una constante fuente de frustración para mí," admitía Burton. "Disney es la dueña de ambas películas. Incluso no puedo conseguir una copia de ellas. Esperaba que la gente de Disney encontraría un hueco para Frankenweenie con una de sus películas."
Finalmente Frankenweenie sí se estrenó en cines, pero sólo en Reino Unido acompañando a la película Baby, el secreto de una leyenda perdida (1985).
Las consecuencias para Burton por rodar Frankenweenie fueron que Disney le despidió, ya que consideraron que el director malgastaba los recursos de la empresa en trabajos es como éste, que no eran apropiados para el público más joven.
Conforme fueron pasando los años y la popularidad y prestigio de Burton fueron creciendo, la de Frankenweenie lo hizo con él. Y Disney no tuvo problema en estrenarla en vídeo en los Estados Unidos en 1992, antes del estreno de Batman vuelve. Y no sólo eso, la ironía es que tiempo después Burton volvió a trabajar para la casa del ratón con proyectos como, Pesadilla antes de Navidad (1993), Alicia en el país de las maravillas (2010) o Frankenweenie (2012), ésta última, adaptación cinematográfica del corto que aquí nos ocupa.

VALORACIÓN
Para mi, Frankenweenie siempre ha sido una película más de Burton, un pequeño gran clásico a la altura de muchos de sus films, lleno del ingenio e impronta de su director. Una mirada divertida y entrañable a las películas clásicas del Frankenstein de James Whale.
Y lo sorprendente del corto, es lo bien que encaja una historia tan clásica en el mundo moderno. El director lleva la historia del ser resucitado a las urbanizaciones de Norteamerica con suma sencillez, y como en otras ocasiones, da una visión oscura y nada reconfortante de la gente que las puebla.
Burton también nos habla a través de este pequeño Frankenstein, del dolor de perder a alguien querido y como haríamos lo que fuera necesario para recuperarlo, llevando esa idea hasta sus últimas consecuencias. Y el acierto del director es llenar una historia que podría haber sido de lo más oscura, de un tono amable y emotivo, consiguiendo que las emociones fluyan con facilidad y logrando que empaticemos rápidamente con el protagonista, y es que, ¿quién no ha perdido a una mascota a la que quería? Es un territorio conocido por todos.
Su factura técnica es perfecta para tratarse de un corto, y son geniales los decorados del cementerio de mascotas y del minigolf, con esos cielos pintados, que tienen un encanto especial. Así como el uso de ese maravilloso blanco y negro, que Burton respeta de las películas de Whale.
El director no se olvida del sentido del humor, y llena el relato de pequeñas notas de comedia que funcionan perfectamente, como Sparky encontrando a su novia, esa entrañable película casera "The Monster From Long Ago" dirigida por Victor, la falsa lluvia en la ventana por la que mira el desconsolado protagonista o como los vecinos reaccionan ante Sparky como si se tratara de un peligroso monstruo.
Aquí están las señas de identidad de Burton de forma muy temprana, el blanco y negro, la historia de un ser inadaptado, la muerte, los cementerios, los murciélagos o el gusto por los clásicos. Que no hace más que demostrar desde los inicios de su carrera, una autoría y personalidad cinematográfica única.
Este peludo monstruo de Frankenstein dio vida a la carrera de Burton, ya que tras su salida de Disney sólo sumaria éxitos. En la casa del ratón no encajaba, era un bicho raro como Sparky, pero una vez escapó de ese molino en llamas, se descubrió ante todos como el gran cineasta que es.
Y tanto le gustaba la historia a Burton, que llegaría a resucitarla 28 años después (en versión animada y extendida), demostrando el amor que sentía por su cachorro. Uno entrañable, emotivo y divertido, no son adjetivos que uno asociaría a una historia basada en Frankenstein, pero así de diferente es Frankenweenie.

CURIOSIDADES
Después de su estreno, Burton declaró que podría haber convertido el corto en un película de haber dispuesto de más días de rodaje. En 2012, la película conoció una adaptación cinematográfica con animación stop-motion.
Durante la escena en la que Victor resucita a Sparky, éste hace volar una cometa con la forma de un murciélago. Bien es sabido que Burton estrenaría años después Batman (1989) y Batman vuelve (1992).
Cuando Disney estrenó el corto en 1992, lo hizo con una versión censurada. No fue publicado en su versión original, hasta que fue incluido en el dvd de la película Pesadilla antes de Navidad (1993).
El corto tiene una de las primeras señas de identidad del universo de Tim Burton, los perros, que han poblado posteriores trabajos del director (Family Dog, Bitelchús, Eduardo ManostijerasMars attacks!Frankenweenie).
En el corto anterior de Burton, Vincent (1982), el protagonista también hace experimentos con su perro y lo convierte en un perro zombie.

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Wednesday, November 09, 2016

El corazón del ángel

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

El detective privado Harry Angel es contratado por un misterioso personaje, para encontrar a Johnny Favorite, un cantante desaparecido. Sus pesquisas lo llevan hasta Nueva Orleans, un lugar lleno de muerte y ritos vudú, que pondrá en juego su cordura y en peligro su propia alma.

ÁNGEL CAÍDO
Los orígenes de El corazón del ángel (Angel Heart, 1987) los encontramos en la genial novela de William Hjortsberg, "El ángel caído" publicada en 1978 (definida por Stephen King como un cruce entre Raymond Chandler y El exorcista). El diseñador de producción Richard Sylbert, amigo de Hjortsberg, le envió un manuscrito del libro al famoso productor Robert Evans. Paramount Pictures se hizo con los derechos de la novela y Evans ocupó el cargo de productor de la adaptación. El propio Hjortsberg se encargaría de escribir el guión, el cual debería ser dirigido por John Frankenheimer, pero tiempo después el director sería sustituido por Dick Richards. Por aquel entonces se consideró a Dustin Hoffman para protagonizarla. 
Los derechos de la Paramount terminaron expirando y fue entonces cuando Robert Redford se interesó por el proyecto. Hjortsberg escribió dos guiones para el actor, pero los ejecutivos de los estudios querían un final feliz. Finalmente Redford desistió del empeño.
Al director Alan Parker ya le habían ofrecido la novela poco después de su publicación, pero no fue hasta principios de 1985 que aceptó hacerse cargo del proyecto, después que el productor Elliot Kastner se lo ofreciera de nuevo. "Esto era una clásica historia de detectives de Raymond Chandler, pero también trataba de lo sobrenatural, por lo que en cierto modo, tenía dos géneros en uno," declaró el director. "La fusión de los dos fue lo que me intrigó." Parker decidió asumir él mismo la escritura del guión, el cual elaboró en su mayoría en Nueva York y lo terminó en bares de mala muerte de Nueva Orleans. El director envió el guión a Hjortsberg, quien le dio su aprobación.
Aunque es una adaptación bastante fiel, hay algunos cambios entre novela y película. El principal es donde ocurre la acción, en la novela todo acontece en Nueva York, mientras que Parker decidió situarla en Nueva Orleans al poco de comenzar la película. Según el director, la razón de este cambio fue debido a que ya se habían rodado demasiadas películas en Nueva York y quería un emplazamiento más fresco. Aunque según Hjortsberg, la idea de situar la historia en Nueva Orleans, le vino dada por una sugerencia de Brian De Palma y a su vez se la hizo llegar a Parker.
El director también cambió el título, de "El ángel caído" a El corazón del ángel. "En parte, porque ya había demasiados "ángeles caídos" y en cierta medida, por motivos egoístas, para darle a la película su propia identidad, separándola de sus orígenes literarios," admitía Parker.
Existen otras diferencias entre novela y película. El año en que acontece la historia pasó de 1959 a 1955 en la película. En la novela se incluye la visita de Angel a una feria de prodigios para conseguir información. La película eliminó el personaje de Walt Rigler, un periodista que le pasa información a Harry, pero fue de alguna forma sustituido por el personaje de Connie en la película. En la novela, Toots muere porque le cortan el pene y se lo meten en la boca. Se elude en la película el encuentro entre Margaret y Epiphany. En la novela, Harry investiga a Cyphre y asiste a una actuación suya cual predicador, que tiene lugar en una feria. La relación entre Angel y Epiphany está más desarrollada en la novela y es más profunda, ella incluso ayuda al detective en su investigación. En la novela, Angel recibe una gran paliza por parte de dos hombres (presuntamente de Ethan Krusemark) y acaba en el hospital, mientras que en la película simplemente lo asaltan sin mayores consecuencias. Angel presencia una misa negra en una antigua estación de metro abandonada, a la que asiste Ethan Krusemark y en la que se realiza una orgía y se comete un sacrificio ritual. Epiphany no tiene ningún hijo en la novela. Se deja claro en la novela que es Cyphre quien comete los crímenes, mientras que en la película es Angel el responsable de los mismos.
En septiembre de 1985 el guión estaba terminado y Parker y Kastner comenzaron la búsqueda de quien lo financiase. Mario Kassar y Andrew G. Vajna, dueños de la productora Carolco, fueron quienes demostraron un mayor interés por el proyecto y tras una cena en Roma acordaron hacerse cargo de él. Aunque la película sería co-producida por la productora británica Winkast Film Productions y también por la italiana Union. TriStar Pictures por su parte, se encargaría de su distribución en los Estados Unidos.
En enero de 1986, comenzó la pre-producción en Nueva York. Alan Marshall se sumó al proyecto en calidad de productor, como en la mayoría de films de Parker. También se sumaron otros habituales del director como, el editor Gerry Hambling, el director de fotografía Michael Seresin y el diseñador de producción Brian Morris.
Para componer la banda sonora, Parker recurrió a Trevor Jones, ya que le gustaba la partitura que el sudafricano había compuesto para El tren del infierno (1985). Jones grabó la banda sonora en los más que apropiados Angel Recording Studios, los cuales están localizados en una antigua iglesia de Islington (Londres).
Parker tenía una lista de actores deseados para interpretar a Harry Angel y se fue entrevistando con todos ellos. El primero fue Jack Nicholson, pero el actor no demostró demasiado interés en el proyecto. El papel le fue ofrecido a Al Pacino y Robert De Niro, este último le declaró a Parker que prefería el papel de Loius Cyphre. Pero sería el cuarto de la lista quien se llevaría el papel y no fue otro que Mickey Rourke. Cuando se reunió con él, el actor proféticamente le dijo que él era quien debía interpretar al personaje. El actor sugirió varias cosas para dar vida a Harry Angel, desde colocarse una nariz a lo Cyrano de Bergerac, teñirse el pelo de negro o sufrir una cojera. Parker le recomendó que simplemente se concentrase en actuar.
Desde el momento en que De Niro demostró interés por el papel de Loius Cyphre, para Parker era el único actor que podía interpretarlo. De todas formas, durante el tiempo que el actor estuvo pensándose en si aceptar o no el papel, Parker consideró a Marlon Brando, pero recibió una respuesta negativa, ya que el actor estaba temporalmente retirado de la actuación. Después de varios meses de insistirle a De Niro, de un par de reuniones y de la revisión minuciosa por parte del actor a cada detalle del guión, éste aceptó el papel, sólo a dos semanas de comenzar la fotografía principal.
Lisa Bonet siempre fue la favorita de Parker para el papel de Epiphany. Su participación en la película fue acompañada de una gran polémica. La actriz era una de las protagonistas de la popular serie La hora de Bill Cosby. Cuando le comentó a Cosby su interés por participar en la película, éste le dijo, "Lisa, esto se llama La hora de Bill Cosby, y se como funciona este negocio. Sé que vosotros los chicos pueden ser borrados así como así. He estado en este negocio el tiempo suficiente para saber eso. Y no hay razón por la cual no deberías estar trabajando. Y sal de mi camerino." Está claro que al actor no le gustó que Bonet se involucrase en la película, con sexo incestuoso, vudú, desnudos y temática demoníaca, los cuales no casaban con el espíritu conservador y familiar de la serie. De hecho, le gustó tan poco, que Bonet salió de la serie tras el estreno de la película. Dicen las malas lenguas que para no ganarse una demanda le dieron a Bonet su propia serie, Un mundo diferente, spin-off de La hora de Bill Cosby.
Y para el papel de Margaret Krusemark el director vio a muchas actrices, pero ninguna le convenció, al final se puso en contacto con Charlotte Rampling, que había sido sugerida por Rourke y la actriz aceptó participar la película.
Para los papeles de músicos, Parker utilizó a auténticos músicos de blues y jazz, los cuales carecían de experiencia como actores, pero que dieron una gran autenticidad a la película.

RODAJE
Con un presupuesto de 17 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 31 de marzo de 1986 y se extendió hasta el 20 de junio del mismo año. La película tuvo hasta 78 localizaciones diferentes, entre ellas, el Lower East Side, Coney Island y Harlem en Nueva York. Aunque el grueso del rodaje tuvo lugar en Nueva Orleans.
No existieron grandes problemas durante la filmación. Uno de los más destacados, fue el que se produjo al rodar la llegada en tren de Harry a Nueva Orleans, escena para la que se utilizó un viejo tren de los años cincuenta que no era realmente funcional y tuvo que ser empujado por otro tren más moderno para poder moverlo.
Y no fue fácil para Rourke filmar su escena de sexo con Lisa Bonet. El actor se encontró por primera vez en su carrera desnudo frente a la cámara y aunque cueste creerlo, viniendo del protagonista de Nueve semanas y media, era Bonet quien estaba menos nerviosa a la hora de rodar la escena, la actriz siempre se mostró fría y tranquila. Parker se quedó con el equipo mínimo para rodar la escena, sólo le acompañaron el director de fotografía, un operador de cámara y un asistente de cámara.
Se realizaron ensayos con los actores las semanas previas al inicio del rodaje. Entre otras escenas, Rourke y Liz Whitcraft hicieron lo propio con la escena en la que él la desnuda mientras charlan, el actor llegó a desnudar realmente a la actriz en cada ensayo, de esa forma se eliminó cualquier rastro de incomodidad y nerviosismo en el set.
Rourke hizo gala de una gran improvisación durante el rodaje, algo que chocaba, por ejemplo, con una actriz más clásica y disciplinada como Rampling.
El tener a dos actores de la talla de Rourke y De Niro, juntos en una misma película, estaba claro que iban a saltar chispas y la verdad es que no fue para menos, tal y como Parker relataba el rodaje de la primera escena que ambos actores compartieron juntos, "había pasado el fin de semana ensayando con De Niro y Mickey y estábamos listos para rodar su primera escena juntos en la sala 'Elks' de la Misión de Harlem. Rompiendo con mi práctica normal de rodar, filmé con dos cámaras simultáneamente en direcciones opuestas. De esta forma, si los dos empezaban a improvisar o a irse por la tangente, provocando en el otro un acción o reacción, una magia momentánea que uno inspira en el otro podría ser capturada por la cámara. Cuando empezamos estaba claro que este proceso no era sobre actuar, era similar a un par de boxeadores probándose el uno al otro, lentamente se rodearon, un jab improvisado aquí, un gancho de izquierda allá. Bob era meticuloso, sereno, encantador y generoso, pero tenía todo bajo control. Mickey estaba desarmado y era ingenuo, pero todas las veces las dio tan bien como las recibió. Para mí, como árbitro-espectador, era eléctrico observar y a veces un tanto desconcertante sobre que demonios estaban hablando, mientras corrían en círculos alrededor de mi guión."
Por su parte De Niro afrontó su papel con la profesionalidad que siempre le caracteriza, aunque según Parker, su interpretación durante el rodaje fue menos realista que la mostrada durante los ensayos. Aún así, el director reconocía que el actor, "Se puso muy espeluznante. Muchas de las pequeñas cosas en su personaje que al final suman el total de la interpretación vinieron de él. Piensa mucho sobre todo. Antes que hubiera dicho 'Sí', fue a través de cada línea y cada idea que tenía desde el punto de vista del personaje. Es muy difícil entrar en la cabeza de ese particular personaje, de la misma forma que sería entrar en la de Jake LaMotta, por ejemplo. Así que siempre sabíamos cuando Bob está cerca. Sentías su presencia. Alguien podría decir, 'Bob debe estar aquí', y te dabas la vuelta y allí estaba."
La película estaba terminada en febrero de 1987. Antes de su estreno, lo primero era pasar la criba de la censura de la MPAA. De entrada le otorgaron a la película una calificación "X", lo que impediría su estreno en salas comerciales. Además Parker tenía por contrato que entregar una película con calificación "R". La razón de la calificación "X" fue lo explícita que resultaba la escena de sexo entre Rourke y Bonet. El director luchó contra la MPAA para mantener su versión, pero al final cortó unos 7 segundos de dicha escena y la película obtuvo la calificación "R" deseada. En la mayoría de países de Europa la película se estrenó sin censura. Ahora sí que El corazón del ángel estaba lista para su estreno.
Éste tuvo lugar el 6 de marzo de 1987 y la película resultó un fracaso de taquilla. En los Estados Unidos recaudó sólo 17.185.632 de dólares. Pero el paso del tiempo ha convertido a la película en una obra de culto absoluto. Eso sí, la película tuvo éxito en aumentar la popularidad de Rourke. Adrian Lyne llegó a decir "Si Mickey hubiera muerto después de El corazón del ángel, habría sido más grande que James Dean." No era para menos, el actor estaba en la cúspide de su carrera, después vendría el descenso a los infiernos.

VALORACIÓN
El corazón del ángel funciona a dos niveles, como relato de detectives resulta intrigante y entretenido, y como historia sobrenatural es siempre fascinante y atmosférica. La película pasa de un género a otro con absoluta fluidez, sin resultar ese cambio nunca forzado. El carácter fantástico del relato poco a poco se va apoderando de la película y explota en la confesión que Ethan Krusemark le hace a Harry. En ese momento, la realidad en la que vive Harry Angel se desmorona, todo lo que creía cierto, no lo es, incluso lo que sabe sobre si mismo. El detective cae directamente en el infierno, en el que él mismo ha creado. Pero en este infierno no hay ríos de fuego y azufre, ni está lleno de demonios, sólo hay calles oscuras, pecados y muerte. Es el infierno en la tierra.
Harry cae en una espiral de locura que le supera. Los últimos 10 minutos de película son todo un tour de force para el espectador y el propio Harry, donde se incluye uno de los mayores giros argumentales de la historia del cine. No sólo se nos revela que Harry Angel es Johnny Favorite (y que de paso se acostó con su propia hija y que es el responsable de todas las muertes de la película) y de postre descubrimos que Louis Cyphre es el Diablo. Todo esto puede hacerle explotar la cabeza a cualquiera.
Hay pistas a lo largo del relato que nos revelan su final sorpresa, como Cyphre soltándole a Harry en su primer encuentro que cree haberle visto antes, el hecho que Harry y Favorite pertenecieran al ejército y ambos fueran heridos en servicio, Cyphre ofreciéndole un huevo a Harry (el cual simboliza el alma) y devorándolo después o Margaret Krusemark preguntándole al detective privado si canta.
En un segundo visionado la película no pierde ni un ápice de su interés, ya que aún sabiendo su giro final, la vemos de otra forma, desde otro punto de vista y apreciamos sus matices y su genialidad.
Todos los actores están fantásticos. Lisa Bonet sorprende con su madurez. De Niro resulta aterrador hasta comiendo un huevo y cuando quiere, dota al personaje de un macabro sentido del humor, como cuando le reprocha a Harry que diga tacos en una iglesia. El protagonista de El cabo del miedo compone al mejor diablo jamás visto en una pantalla de cine.
Pero es Rourke quien carga con el peso de la película sobre sus hombros, el protagonista de Manhattan Sur está fantástico, realizando uno de los mejores trabajos de su carrera. Éste es el mejor Rourke, la mejor versión de si mismo, el que era la nueva gran promesa del cine, que podría haber sido uno de los más grandes y fue simplemente grande. Brilla de forma espectacular en las escenas finales de la película, cuando su personaje comienza a revelar el misterio y se encuentra sobrepasado por los acontecimientos. Rourke nunca ha estado mejor.
Hay cosas que resultan efectistas como esa imagen final del hijo de Epiphany con los ojos demoníacos, por cierto, ¿qué hace el niño en la habitación? O esa imagen de la habitación llenándose de sangre mientras Harry y Epiphany tienen sexo, aunque podría excusarse, ya que viene a indicar que esa escena termina de forma sangrienta para ella, además Parker siempre intenta que queden difusas la líneas entre realidad y pesadilla. O tal vez la gran pregunta, ¿por qué el diablo juega con Harry sabiendo que es Johnny Favorite en todo momento? ¿Sólo mueve los hilos para eliminar a todo aquel que le ayudó a Harry en su plan de escapar de su pacto? ¿No es un poco enrevesado? Tal vez los caminos del demonio también son inescrutables.
Somos espectadores del viaje al infierno de este Fausto convertido en detective privado, desde la fría Nueva York a la calurosa Nueva Orleans (ciudades que muestran a la perfección el viaje al infierno del protagonista). A Harry Angel lo persiguen los pecados de su pasado y termina pagando por ellos.
También podemos ver la película como un estudio de la identidad, ¿cuánto nos conocemos a nosotros mismos? Harry Angel no busca sólo a Johnny Favorite, se busca a si mismo y al final descubre la oscuridad que reside en su alma.
Parker nos muestra un mundo en el que cualquiera vende su alma al demonio, ocurre detrás de cada esquina (como esa mujer degollada con la que abre la película o el hombre que se suicidó en la iglesia de Harlem). Es una visión del mundo desoladora y amoral. Pero sobre todo, El corazón del ángel es un ejercicio de estilo por parte de Parker, donde demuestra una vez más su poder con la cámara. El uso del montaje es fantástico (esos flashbacks a cada paso son más largos que revelan el verdadero pasado de Angel) y la fotografía monocromática le sienta como anillo al dedo a la historia. En definitiva, la película es la definición de la palabra atmosférico.
Parece que Alan Parker haya firmado un pacto con el diablo, ya que su película resulta a cada día más fascinante y cada vez es mejor apreciada por el público. Estamos ante una obra de culto, toda una joya de los ochenta, una joya oscura.

CURIOSIDADES
La interpretación de Robert De Niro se inspira en Martin Scorsese.
Fue la última de las siete películas que hicieron juntos los dos Alans (Alan Marshall y Alan Parker). Las otras fueron Bugsy Malone, nieto de Al Capone (1976), El expreso de medianoche (1978), Fama (1980), Después del amor (1982), Pink Floyd The Wall (1982) y Birdy (1984).
La fecha de nacimiento de Harry Angel es el 14 de febrero, la misma que la de Alan Parker, siendo además el día de San Valentín.
Las uñas de Loius Cyphre crecen a cada escena en la que aparece.
Durante los títulos de crédito finales vemos a Harry Angel bajando en un ascensor, que representa su descenso a los infiernos.


La canción "Girl of My Dreams" supuestamente de Johnny Favorite, es en realidad una canción de 1937 cantada por Kenny Sargent y Glen Gray and Casa Loma Orchestra. Parker la escogió después de escuchar cientos de canciones porque quería una canción de los 30, que fuera familiar sin que fuera reconocida a ningún artista en particular.
La secuencia de la celebración del fin de año en Times Square se rodó realmente en Nueva Orleans.
Vehículos de los 80 pueden ser vistos en el Nueva York de los 50.
Cuando Loius Cyphre echa sal a su huevo, Harry tira un poco sobre su hombro izquierdo, la superstición dice que esto ciega al diablo.
La frase "¡Qué terrible es la sabiduría cuando no trae ningún beneficio a los sabios!" es extraída del "Edipo Rey" de Sófocles.
En el primer encuentro entre Harry Angel y Margaret Krusemark, ella habla le pide a su doncella que les traiga té y después hablan brevemente en francés. Lo que le pregunta la doncella es, "¿Tengo que llevar las mejores tazas?" a lo que Krusemark responde, "No".
Como comentaba previamente, el cumpleaños de Johnny Favorite es el 14 de febrero, el mismo que el de Alan Parker. En la novela, es el 2 de junio, el mismo día que su autor William Hjortsberg.
Louis Cyphre lleva un anillo de estado de ánimo de color marrón, el cual representa la inquietud.
En un reportaje sobre la película de la revista Fangoria, se mostraba una fotografía del rodaje, que indicaba que se llegó a rodar la muerte de Herman Winesap, escena que se terminaría cortando. En ella se ve a Alan Parker al lado de un cuerpo decapitado de Winesap y rodeado de sangre. En la misma revista se mostraba otra escena eliminada en la que Harry tras asesinar a Toots ha escrito la palabra "Teloca" con sangre en la pared. Existen también imágenes de otras dos escenas, una que mostraría como Connie fue quemada viva y otra en la que a Epiphany le sucedió lo mismo.
Parker se trajo a Louis Falco, con quien había trabajado en Fama (1980), para coreografiase la ceremonia vudú de Lisa Bonet. En la escena también participó el cuerpo de baile del Dance Theater de Harlem.
Shirley Stoler fue inicialmente contratada para el papel de la mujer de Izzy, pero fue finalmente reemplazada por Judith Drake. Aún así la voz de Stoler puede escucharse cantando "I Cried For You".
El poema sobre Evangeline y su amante, sobre el que hay varias referencias a lo largo de la película es "Evangeline, A Tale of Acadie" de Henry Wadsworth Longfellow.
Antes de cada asesinato, Harry maneja un objeto relacionado con el crimen. El revolver que Fowler usa supuestamente para suicidarse, la daga con la que abren el pecho de Margaret, la navaja con la que matan a Toots Suite, el detective tira un cangrejo en la olla donde es ahogado Ethan Krusemark y su propia arma se utiliza para matar a Epiphany.
El verdadero apellido de Johnny Favorite es Liebling, que en alemán se puede traducir como "encanto", "querido" o "ángel" y su segundo significado es "favorito" (favorite).
La película recibió tres nominaciones a los premios Saturn, en las categorías de mejor actor secundario (Robert De Niro), mejor actriz secundaria (Lisa Bonet) y mejor guión (Alan Parker).
Cuando el productor Alan Marshall contactó por primera vez con Robert De Niro por teléfono, para que aceptara el papel en la película, el actor le preguntó, "¿Eres el tipo que produjo Birdy?" Cuando Marshall le contestó que lo era, De Niro se mostró de inmediato muy interesado.

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Monday, October 24, 2016

Los difíciles comienzos (III)

Tercera edición de esta sección en la que descubriremos como fueron los debuts de diferentes estrellas del cine. Puede que hayas visto las películas, pero es muy probable que su presencia se te pasara por alto. Diez comienzos de carreras de estrellas nada estelares:

1. Bette Midler: Hawaii (1966)
En una escena de la película, Max von Sydow da un discurso a los pasajeros del barco que viaja rumbo a Hawái, entre esas mareadas personas, podemos encontrar a Bette Midler, en una minúscula participación (es la mujer que está a la izquierda de la segunda fila). La actriz llegó a filmar más escenas, incluso con diálogo, pero al final fueron cortadas. De todos modos, su trabajo en la película le sirvió para impulsar su carrera, ya que con el dinero que ganó con ella, pudo viajar a Nueva York, donde su carrera despegaría tiempo después. No está nada mal por unos pocos segundos en pantalla.

2. Carl Weathers: Harry el fuerte (1973)
El futuro Apollo Creed tuvo su primer papel en la segunda parte de Harry, el sucio. Cuesta llegar a verlo, pero si uno está atento, puede encontrarlo en un par de planos, como uno de los manifestantes que al comienzo de la película, increpan al mafioso que se ha salido con la suya en un juicio.

3. Charles Grodin: 20.000 leguas de viaje submarino (1954)
La participación de Grodin en este clásico de Disney es un visto y no visto, tan sólo 3 segundos de pantalla, durante la escena del ataque del Nautilus al barco en el que viaja Kirk Douglas. Grodin es el chico del tambor, que anuncia el zafarrancho de combate.

4. Jeff Bridges: Libertad bajo palabra (1951)
Aquí tenemos el debut más primerizo de la lista, el gran Jeff Bridges tuvo su primer papel con tan solo 6 meses. Es el bebé que en la escena final en la estación, es utilizado por los personajes de Lizabeth Scott y Dennis O'Keefe para hacerse pasar por una familia y así esquivar las sospechas de unos policías. Según contaría el actor años después, debía llorar en la escena y para conseguirlo, su madre sugirió que le pellizcaran. De hecho, es su propia madre (Dorothy Dean Bridges) quien interpreta dicho papel y su hermano Beau Bridges hace lo propio en la misma escena.

5. Kenneth Branagh: Carros de fuego (1981)
Antes de convertirse en uno de los cineastas británicos más prestigiosos del cine reciente, Branagh tuvo su debut en esta película ganadora del Oscar. Es uno de los estudiantes de Cambridge en la escena en la que los protagonistas buscan a que actividad apuntarse. A Branagh se le puede ver al fondo de la escena durante unos segundos, aunque hay que estar muy atento porque pasa totalmente desapercibido. En la imagen es el que está a la derecha de Ben Cross con los brazos cruzados.

6. Kirsten Dunst: Historias de Nueva York (1989)
A la protagonista de Spider-Man se la pudo ver por primera vez en una pantalla de cine en esta película de segmentos con Nueva York como epicentro, dirigida a tres bandas por Allen, Scorsese y Coppola. Kirsten participó en el que dirigió Woody Allen, de título "Oedipus Wrecks". Interpreta a la hija de seis años de Mia Farrow y aparece en un par de escenas de forma muy fugaz. Es la niña sentada a la derecha de Farrow en la imagen.

7. Laura Dern: Los traficantes (1973)
Otro caso de una actriz que debuta en una película de sus padres. Laura Dern apareció por primera vez delante de una cámara, en esta película en la que su madre (Diane Ladd) tenía un papel. Y por supuesto Laura hace de su hija. Se la puede ver en tres momentos puntuales de la película y siempre al lado de su madre.

8. Marisa Tomei: El vengador tóxico (1984)
La ganadora de un Oscar por Mi primo Vinny debutó en esta película de serie Z de la productora Troma. Tiene un papel minúsculo de apenas unos 6 segundos, que consiste en gritar al ver al Vengador Tóxico tras salir de la ducha. Su aparición es tan rápida y la actriz está tan joven, que cuesta reconocerla. Está claro que la carrera de Tomei fue sólo hacia arriba.

9. Rodney Dangerfield: Atraco perfecto (1956)
El protagonista de Regreso a la escuela y El club de los chalados, debutó en esta obra maestra de Stanley Kubrick. El cómico es uno de los extras en la escena de la pelea en el hipódromo. Antes de comenzar la pelea se encuentra al final de la barra del bar y una vez ésta comienza se le puede ver más claramente observando la escena entre la gente. En la imagen es el segundo hombre contando desde la derecha.

10. Vin Diesel: Despertares (1990)
Antes de ser Dominic Toretto, Riddick o XXX, Diesel debutó como actor en esta película protagonizada por Robin Williams y Robert De Niro. A Diesel (con pelo) se le ve fugazmente en dos planos, que duran apenas unos segundos, como un ordenanza del hospital en el que se encuentra recluido De Niro. Su comienzo en el cine fue rápido, pero no furioso.

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Tuesday, October 04, 2016

El diablo sobre ruedas

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

David Mann es un hombre de negocios, que viaja por carretera para reunirse con un cliente. Durante el trayecto se cruza con un enorme camión, que comenzará a perseguirle sin razón alguna. De esa forma empieza un peligroso juego entre el gato y el ratón.

DUELO
Aunque técnicamente el debut como director de Steven Spielberg fue con Loca evasión (1974), espiritualmente su primer film es El diablo sobre ruedas (Duel, 1971), sin importar que es una película para televisión, dados sus grandes logros artísticos. Tras llamar la atención con su cortometraje Amblin' (1968), Spielberg firmó un contrato por 7 años con la Universal, bajo la cual dirigiría episodios de diferentes series de televisión como Galería nocturna (1969-73), Audacia es el juego (1968-71) o Colombo (1971-2003). Sería bajo la misma productora que se gestaría el desarrollo de su primera película.
El diablo sobre ruedas se basa en un relato corto del gran Richard Matheson, quien se inspiró para escribirlo en un acontecimiento real, que vivió en sus propias carnes el 22 de noviembre de 1963 (el día del asesinato de Kennedy), cuando regresaba en coche con su amigo Jerry Sohl de jugar al golf, ambos se vieron perseguidos por un enorme camión, quien según Matheson, "quería matarnos." Después de salirse de la carretera, el camión siguió su camino, pero de ese extraño suceso Matheson extrajo la base de una historia. Inicialmente quiso escribirla como un guión para televisión, pero tras el rechazo de varios estudios, decidió convertirla en un relato.
El cuento de Matheson fue publicado en la revista Playboy de abril de 1971. Nora Tyson, secretaria Spielberg, lo leyó y después se lo mostró al director, diciéndole que ignorara las fotografías y leyera la historia. Sobra decir que el relato entusiasmó al joven director.
Según admitía el director de Parque Jurásico, "había sido un fan del trabajo de Richard Matheson antes de El diablo sobre ruedas y como seguidor reverente de The Twilight Zone, sabía de las brillantes contribuciones de Richard a esa serie, incluyendo “Nightmare at 20,000 Feet.” Mientras esperaba una excelente y apasionante narrativa, nada me había preparado para la despiadada fuerza implacable que encontré. El aspecto más aterrador de la historia para mí, y un recurso escalofriante usado en el guión de El diablo sobre ruedas también, era el hecho que este camionero maníaco no se ve en toda la historia. Limitándolo a un brazo agitado por la ventanilla o un par de botas vistas bajo el camión. Richard envolvió este Grendel [troll] del atasco de tráfico en misterio y empujó al propio camión al frente como el antagonista de la historia. Igualmente inquietante era la elección del coche de Mann entre todos los que había en la carretera, un capricho escalofriante, incluso en la sociedad llena de furia al volante de hoy."
Nora Tyson descubrió que había un proyecto entre la ABC y Universal de convertir el relato de Matheson en una película para televisión dentro del programa "Movie of the Week", en el que se emitían películas hechas expresamente para televisión. La película incluso ya contaba con un guión del propio Matheson. Spielberg no perdió el tiempo y se reunió con George Eckstein. productor al cargo del proyecto. Eckstein le pidió al joven director que llevase a la reunión alguno de sus trabajos como director para proyectarlo. Spielberg escogió su episodio de Colombo, "Murder by the Book", que aún no había sido emitido. Tras ver el episodio, Eckstein supo que había encontrado a su director. Llamó a Spielberg y le entregó el guión que había escrito Matheson. Tras un par de reuniones, y con Eckstein encantado por el entusiasmo de Spielberg, le dio las riendas del proyecto. El diablo sobre ruedas se ponía en marcha.
Hubo un momento en el que se barajó la posibilidad de rodar la película para el cine, con Gregory Peck como protagonista, pero al final siguió adelante el proyecto de adaptación para la televisión.
Spielberg escogió a Dennis Weaver para dar vida al protagonista, David Mann. Inicialmente el actor rechazó el papel, aunque terminaría aceptándolo en el último momento, de hecho, firmó su contrato la noche antes de empezar el rodaje. Él mismo bromearía diciendo, "debo ser el único actor de la historia que le dijo 'no' a Spielberg."  El director estaba encantado de trabajar con él, ya que lo admiraba principalmente por su memorable interpretación en Sed de mal (1958).
El papel del camionero sin rostro, recayó en Carey Loftin, un especialista que ha participado en grandes escenas de conducción de películas como Bullitt (1968), Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981) o En busca del arca perdida (1981).
Loftin reunió siete camiones diferentes para que Spielberg escogiese el que protagonizaría la película, de este peculiar casting, Spielberg se decidió por el Peterbilt, porque su cabina parecía una cara. Uno de los retos para Spielberg fue, "convertir a un camión en Godzilla."
Por su parte, para el vehículo de Mann se escogió un Plymouth Valiant de color rojo. Spielberg quería que el coche del protagonista fuera de ese color, para que así destacase con el entorno desértico. Para la película se llegaron a usar tres coches de ese modelo. El que fuera un Valiant (valiente) no creo que fuero fruto de la casualidad.

DAVID CONTRA GOLIATH
Toda la película se rodó en exteriores, en diversas localizaciones de California como, Soledad Canyon, Lancaster, Acton, Agua Dulce, Palmdale, Arcadia o Los Angeles (la escena de los títulos de crédito iniciales). La fotografía principal tuvo lugar entre el 13 de septiembre y el 4 de octubre de 1971, llegando a filmarse en tan solo trece días, tres más de los previstos.
Fue un rodaje muy rápido y no había tiempo que perder, Spielberg planificó toda la película con storyboards, lo que le ayudó durante el rodaje, que no estuvo exento de dificultades.
Weaver rodó algunas escenas de conducción peligrosas, pero fue sustituido por el especialista Dave Van Sickel para los momentos más complicados. Weaver rodó personalmente la escena en la que el camión se lleva por delante la cabina de teléfonos en la que se encuentra. La escena se filmó una sola vez.
En el guión original, el camión terminaba explotando cuando llegaba al fondo del barranco. "Me pareció que era demasiado fácil," recordaba Spielberg, quien consideró que era una idea mucho más interesante, que el camión tuviera una muerte más agonizante. "Querías verlo retorcerse lentamente, una muerte cruel," explicaba el director. De modo que decidió cambiar el final, haciendo que cayese por el barranco filmado a cámara lenta mientras se va destrozando por la caída, pero esto no gustó a los ejecutivos de la ABC y Universal cuando vieron la película y quisieron obligar a Spielberg a cumplir su contrato, donde figuraba que el camión debía explotar. Finalmente Eckstein les convenció para que mantuvieran el final de Spielberg.
Dicha secuencia se hizo en una sola toma, básicamente porque sólo disponían de un único camión. Se filmó el último día de rodaje, el 4 de octubre de 1971. Spielberg colocó seis cámaras para capturar el momento. El mecanismo que debía mantener al camión en línea recta en su camino hacia el barranco, se averió antes de rodar la escena, por lo que Carey Loftin decidió conducir él mismo el camión hasta el barranco y saltar en el último segundo. "Las tijeras en mi sala de montaje cortaron justo cuando el culo de Carey sale del fotograma," admitía Spielberg. "Estaba al comienzo del plano. Saltando por su vida." Spielberg decidió filmar la escena con seis cámaras simultaneas, pero cuando fueron a ver los dailies descubrieron que las cinco primeras no lo habían filmado, sólo la sexta había capturado el momento del camión cayendo por el barranco.
El presupuesto alcanzó finalmente los 450.000 dólares. Y como decía antes, el rodaje se prolongó tres días más de lo previsto, principalmente porque Spielberg sólo podía visionar los dailies cada tres días y tenía que desplazarse varios kilómetros para hacerlo. La Universal puso a cuatro montadores a editar la película, ya que el rodaje finalizó a tres semanas de la fecha de emisión prevista.
La película posee varios monólogos interiores del protagonista, que nos hacen saber lo que está pensando y fueron una imposición de la ABC. Según reconocía Spielberg, si volviera a hacer la película, "la haría un poco más dura y sacaría toda la narración, todos los monólogos internos de Dennis Weaver y probablemente gran parte del diálogo... Me opuse a la mayoría del diálogo que la cadena de televisión impuso al programa. Forzaron al productor George Eckstein, y al guionista Richard Matheson, a añadir la narración interna de Dennis Weaver para que la audiencia entendiera sus miedos más profundos. No creo que eso fuera necesario."
El diablo sobre ruedas se emitió el 13 de noviembre de 1971 y fue todo un éxito. Tanto, que la Universal se planteó estrenarla en salas de cine en territorios extranjeros, pero como su duración era de tan sólo 74 minutos, insuficiente para su distribución en salas de cine, la productora llamó a Spielberg para que filmara escenas adicionales durante el plazo de dos días, hasta alcanzar una duración de 90 minutos. Las nuevas escenas, escritas por Spielberg y Eckstein, fueron cuatro, el momento en que el camión empuja el Plymouth a las vías del tren, la escena de bus escolar, la llamada telefónica de David a su mujer y la escena de apertura, donde el coche sale del garaje y conduce fuera de la ciudad.
Y en el apartado de premios no le fue nada mal. Fue nominada al Globo de Oro en la categoría de mejor película hecha para televisión. Ganó un Emmy a la mejor edición de sonido. Y ganó también el Gran Premio del Festival de Avoriaz.


VALORACIÓN

El diablo sobre ruedas es la mejor y más influyente película para televisión que se haya realizado, y el apelativo para televisión no le hace justicia. Estamos ante una gran obra, que con el paso del tiempo se ha convertido en un clásico.
Se pueden ver influencias de El diablo sobre ruedas en films posteriores como, Asesino invisible (1977), Breakdown (1997), Jeepers Creeperes (2001) o Nunca juegues con extraños (2001). La imagen del camión persiguiendo de forma incansable a su victima se ha convertido en icónica.
El tema principal de la película es el proceso de un hombre recuperando su virilidad y la posición que tiene en su familia. Hay pistas que nos llevan a pensar en ello. Empezando por su apellido, que no es por casualidad Mann (que suena similar a hombre). Pasando por el programa de radio que escucha el protagonista al principio de la película, en el que un hombre duda si es el verdadero cabeza de familia. El "En mi casa no," que Mann responde al hombre de la gasolinera, que le dice "Usted manda". O la conversación que tiene con su mujer donde hablan sobre como él eludió una confrontación con otro hombre. Para recuperar su hombría Mann lucha contra el camión, una figura de por si asociada a la masculinidad.
Pero lo brillante es que Spielberg y Matheson convierten al camión en un personaje más, al mantener a su conductor siempre en las sombras, dándole así entidad propia al vehículo. El camión se transforma en el reflejo de los miedos del protagonista, los cuales no dejan de perseguirle y no conseguirá superarlos hasta que les haga frente. Mann reacciona cuando ve su vida en peligro y todo se reduce a matar o morir. Para enfrentarse a su enemigo tiene que regresar a un estado casi primitivo, y luchar por su supervivencia como si un hombre de las cavernas se tratase. Ese grado de salvajismo que alcanza un personaje tan acomodado y retraído, hace todavía más interesante a la película.
El diablo sobre ruedas es cine puro, se omiten prácticamente los diálogos y se centra en contar su historia apoyándose principalmente en las imágenes, esa es una de las razones por lo que la película es tan grande.
Y es además un gran relato de acción y suspense. Del primer caso tenemos una persecución interminable durante 90 minutos, que no da respiro al espectador. Y del segundo, vivimos una pesadilla constante, que carece de explicación y eso es lo que la hace tan terrorífica. Matheson es un maestro en introducir lo irreal y lo fantástico es nuestra realidad y aquí lo hace de forma ejemplar y muy sutil.
La película contiene excelentes set pieces, como ese gran momento de suspense que acontece en el bar de carretera, donde se juega hábilmente con las sospechas de Mann por saber la identidad de su perseguidor y se hace un acertado uso de la voz en off (el mismo con el que Spielberg no estaba de acuerdo), para descubrir al final que el camionero no es ninguno de ellos y que se encuentra en el camión, manteniendo así la máxima de la película de nunca mostrar su cara.
También es genial esa aterradora escena en la que el camión empuja al Valiant contra un tren en marcha, ante la impotencia de Mann. No hay que olvidar la escena del bus escolar, en la que el protagonista no consigue ayudar a sus ocupantes, pero para su frustración, el camión sí lo hace, haciendo hincapié en la castración de Mann. O el que es posiblemente el momento más memorable de la película, aquel en el que el camión y el coche caen por el barranco, que resulta realmente espectacular.
Lo único que se le puede recriminar argumentalmente a la película es el porqué Mann viendo el peligro que corre su vida, no decide dar la vuelta y volver a su casa para alejarse de su perseguidor, pero contra todo pronóstico decide seguir adelante.
Y la mayor pega de El diablo sobre ruedas está en su acabo formal (y en su banda sonora que recuerda demasiado a la de Psicosis), que es un poco tosco y donde se perciben bastantes errores, pero por otro lado es de lo más comprensible, dada la rapidez de su rodaje y su bajo presupuesto. Hay que reconocer que Spielberg hizo auténticas maravillas con las limitaciones que tuvo. Es asombroso que un director tan joven, de tan solo 24 años, pudiera realizar una película así y con tan tantas cosas en su contra. No hace más que demostrar el talento de un director, que sólo unos años después explotaría totalmente y nos daría muchas más alegrías. Y es que antes de Atrápame si puedes, antes de E.T., el extraterrestre, antes de Tiburón, incluso antes de hacer cine, Spielberg ya había rodado su primera obra maestra.

CURIOSIDADES
Al camionero nunca se le ve la cara, salvo un breve instante al principio de la película, a través de la ventanilla del camión, cuando David Mann le adelanta.
David Mann y Mrs. Mann son los únicos personajes de la película con nombres.
Hasta la fecha, ésta es una de la tres películas de Spielberg cuya banda sonora no está compuesta por John Williams, las otras dos son El color púrpura (1985) y El puente de los espías (2015).
Cuando Carey Loftin, que interpreta al camionero, le preguntó a Spielberg la motivación de su personaje para atormentar a David Mann, Spielberg le respondió, "Eres un sucio, vil y un mal hijo de perra." A lo que Loftin respondió, "Chico, has contratado al hombre adecuado."
El "Chuck's Cafe" todavía existe a día de hoy, aunque ahora se trata de un restaurante francés.
Como en muchas otras películas de Spielberg, se incluye un plano marca de la casa, una imagen reflejada en un espejo retrovisor, en este caso, la del camión yendo a por David Mann. Algo que el director repetiría en E.T., el extraterrestre (1982), Parque Jurásico (1993) o Inteligencia Artificial (2001).
La actriz Lucille Benson, que interpreta a la mujer de la gasolinera del "Snakerama", repetiría un papel similar en la película de Spielberg, 1941 (1979) y en la misma gasolinera. Y la pareja de ancianos en coche volvería a trabajar con el director en Encuentro en la tercera fase (1977), haciendo también de pareja.
Parker Brothers comercializó un juego de mesa basado en la película, el cual no se vendió muy bien.
Steven Spielberg dijo que las matrículas que lleva el camión en su parachoques delantero, sugieren que el camionero es un asesino en serie, que persiguió a otros conductores en otros estados.
Algunas de las escenas de la película fueron usadas en la serie La Masa (1978-82), en el episodio "Never Give a Trucker an Even Break" (temporada 1, episodio 9). Spielberg quedó muy descontento por el uso del metraje de su película y ante la imposibilidad de demandar a la Universal, ya que era la dueña de su película y de la serie, Spielberg incluyó desde entonces una clausula en sus contratos, que protege a sus películas de ser utilizadas como imágenes de archivo.
Spielberg declaró que para él, la película era un Solo ante el peligro sobre ruedas.
Cuando el camión cae por el barranco suena como un rugido cual bestia, años después George Eckstein admitiría que el sonido era el de la Criatura de la Laguna Negra, de la película La mujer y el monstruo (1954). Spielberg decidió añadir ese efecto sonoro para reforzar la idea de lo sobrenatural del camión y su conductor.
Durante la persecución final, David Mann se topa con un coche, que cree es de policía, para descubrir que se trata de un vehículo para servicios de exterminio de plagas. El nombre de la compañía es Grebleips, que viene a ser Spielberg al revés.
En la escena en la que David Mann llama por teléfono desde la cabina de la gasolinera del "Snakerama" puede verse claramente a Spielberg reflejado en ella.
Para una mayor seguridad con el camión, éste disponía de un sistema de "hombre muerto", gracias al cual el motor se apagaba si se reducía presión en el volante.
La respuesta "En mi casa no," que Mann da al hombre de la gasolinera, no estaba en el guión original.
Cuando la Universal quiso rodar la escenas adicionales, consiguió varios camiones para poder rodarlas, ya que el original había sido destruido al caer por el barranco. De los camiones de reemplazo, sólo uno ha sobrevivido hasta nuestros días.

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