Tuesday, January 03, 2017

Repaso al 2016

2016, el año de Trump, de las Olimpiadas de Río de Janeiro, de la formación (a la tercera) de gobierno en España, del Nobel de Literatura de Bob Dylan y su "plantón" a la Fundación que otorga el premio, de la migración (otro año más) de los refugiados sirios, del "Pokemon Go", del Brexit, de los atentados (otro año más) por parte del Estado Islámico, del Mannequin Challenge, y sobre todo, si el 2016 será recordado por algo, será por la muerte de un sinfín de figuras importantes (David Bowie, Fidel Castro, Prince, Muhammad Ali, Bud Spencer, Anton Yelchin, Curtis Hanson, Gene Wilder, Leonard Cohen, Robert Vaughn, Johan Cruyff, Alan Rickman, George Michael, Carrie Fisher, Debbie Reynolds y un largo etcétera más). Hagamos un punto y aparte, y centrémonos en cosas más positivas que nos ha dejado el 2016.

TOP CINE
En lo referente al cine, creo que este 2016 cinematográficamente se puede definir como decepción, fueron muchos los títulos que se quedaron lejos de las expectativas creadas y la cartelera se llenó de films insustanciales y fallidos (Suicide Squad, Jason Bourne, Cazafantasmas, Batman v Superman, Independence Day: Contraataque, Warcraft, Dioses de Egipto y un largo etcétera más) y sólo unos pocos realmente sorprendieron (Dos buenos tiposRogue One, DeadpoolNo respires Capitán América: Civil War).
Mis películas preferidas de entre todas mis películas favoritas del 2016, se resumen en cuatro títulos, por orden fueron, Dos buenos tipos, Steve Jobs, Deadpool y Spotlight. Estos y el resto de los que considero fueron los mejores films del año, en la siguiente la lista:

Amanda Knox (Amanda Knox)
Un caso judicial real lleno de claroscuros, dudas, teorías, errores, presión mediática, extraños detectives y dos acusados que no parecen del todo inocentes. Un buen documental que da para un par de animadas discusiones.

Animales nocturnos (Nocturnal Animals)
La realidad que se esconde detrás de una ficción le sirve a Tom Ford para hablar sobre los errores del pasado, la desilusión, el fracaso y como canalizar el dolor. Y de paso lo hace en la película más estéticamente bella del año.

Buscando a Dory (Finding Dory)
No es un film tan inolvidable como la primera parte, pero desprende simpatía a cada fotograma. Dory se convierte por fuerza en uno de los personajes de Pixar más memorables.

Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane)
Una pequeña joya del cine fantástico, que vino para sorprendernos e intrigarnos este año. Atrapa tanto como los están sus tres protagonistas.

Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War)
Un año en el que todos los personajes de cómic parecieron enfrentarse (Batman y Superman, Daredevil y Punisher), Civil War fue la guerra de las guerras entre superhéroes y de paso, el mejor film superheroico del año. Y ese Spider-Man promete.

Comanchería (Hell or High Water)
Sus ásperas imágenes esconden un discurso sobre el mundo post-crisis, más cínico y crítico que el de muchas otras películas de denuncia social.

Creed (Creed)
Paso a paso, golpe a golpe, asalto a asalto, se convierte por derecho propio en la mejor secuela de Rocky.

Deadpool (Deadpool)
Creó mucho hype y después cumplió. Irreverente, violenta y divertida. Justo lo que necesitaba el cine de superhéroes.

Dos buenos tipos (The Nice Guys)
Mi película preferida del 2016. Y es que Shane Black no falla, y nos ofrece otra buddy movie memorable y divertidísima. No sé ni cuentas veces rompí a carcajadas a lo largo de la película y Ryan Gosling tuvo mucho que ver en ello.

Elle (Elle)
Verhoeven retuerce una historia ya de por si retorcida, haciendo gala de mucha mala leche, perversidad e irreverencia. Empieza con una violación, pero lo que viene después no te lo esperas.

Green room (Green Room)
Un cojonudo survival, violento, seco y directo, como debe ser.

Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge)
La historia realmente no arranca hasta que Duss se alista, pero a partir de ahí la película te golpea emocionalmente una y otra vez. Como se echaba de menos al Mel Gibson director...

La bruja (The VVitch)
La película de terror del año, sin sustos gratuitos, sólo una atmósfera enfermiza y palpable que va a más. Se mete bajo tu piel por mucho tiempo.

La doncella (Ah-ga-ssi)
Sexo, dolor, engaño y contra todo pronóstico, amor. Una cosa queda clara con la película de Chan-wook Park, nunca sabes lo que estás viendo.

La gran apuesta (The Big Short)
La crónica entre terrorífica e instructiva de la última gran crisis del nuevo siglo. Logra ser fascinante hablando de la codicia y la estupidez.

La invitación (The Invitation)
Un relato de terror casi minimalista que se cuece a fuego lento, pero que cuando explota, lo hace de verdad.

La llegada (Arrival)
Sci-fi adulta, emotiva e inteligente. Dentro de unos años será un clásico.

No respires (Don't Breathe)
Una inversión de roles en la clásica home invasion, que Fede Alvarez filma con absoluta precisión y nervio, dejándonos sin aliento desde el primer plano.

Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: Rogue One: A Star Wars Story)
La fuerza es intensa en ella, sobre todo en su parte final. Tiene dos o tres momentos que te provocan una ganas irrefrenables de ponerte a aplaudir como un loco. 

Sing Street (Sing Street)
Un homenaje a la música de los 80 llena de grandes canciones y de mucha tristeza feliz.

Spotlight (Spotlight)
Una historia que tenía que ser contada. Un drama duro, difícil, directo y sin efectismos. 

Star Trek: Más allá (Star Trek Beyond)
Llega a donde ninguna película del reboot había llegado antes, a capturar el espíritu de la serie original.

Steve Jobs (Steve Jobs)
Más allá de hablar del hombre detrás del mito, la película habla de un hombre imperfecto intentando alcanzar la perfección.

The neon demon (The Neon Demon)
La belleza y su canibalización de la sociedad según Winding Refn. Fascinante, extraña, efectista y no apta para todos los paladares.

Un monstruo viene a verme (A Monster Calls)
Un monstruo ficticio para enfrentar a uno real (el cáncer). Bayona sabe manejar bien las emociones y no deja que la película se le escape de las manos.

Zootrópolis (Zootopia)
Tan audaz como Nick y tan adorable como Judy, así es esta buddy movie animal y animada. Si fuera un poco menos predecible estaríamos ante otro gran clásico de Disney.


TOP SERIES
Mis cinco series favoritas del año han sido por orden, Stranger Things (nostalgia pura), Narcos (adictiva como pocas), Daredevil (el enfrentamiento entre Daredevil y Punisher nos trajo muchas alegrías), Game of Thrones (otro año más en lo más alto) y American Crime Story: The People v. O.J. Simpson (relato criminal realista y fascinante).
Y los dos mejores episodios de la temporada corresponden a "Battle of the Bastards" de Game of thrones y "The Good, the Bad, and the Dead" de Narcos, dos joyas de la televisión.
Y con el resto de las series la cosa quedó más o menos así. 11.22.63 fue una relativa decepción, mucho pedigrí, para al final resultar una serie convencional. Better Call Saul tuvo una gran segunda temporada, para mi gusto por debajo de la primera. La sexta temporada de The Walking Dead volvió a sorprender sobre todo con su espectacular arranque. Nexflix y Marvel nos dieron otra alegría con la estimable Luke Cage. Arrow ya comienza a mostrar síntomas de agotamiento. Por su parte The Flash le adelantó por la derecha a su serie hermana con su segunda temporada. Preacher funcionó por chocante e irreverente. The X-files que nunca debió regresar tras su abdución en 2002. Unbreakable Kimmy Schmidt aumentó (para bien) las dosis de locura con respecto a la primera temporada. Black mirror nos trajo su (brillante) ración de pesadillas tecnológicas. Y la larga espera por Westworld mereció la pena.
En la siguiente lista, los que para mí fueron los mejores episodios del año:

Agent Carter - 2x01 - "The Lady in the Lake"
Un cadáver congelado en la soleada California, así empieza el nuevo pulp, divertido e intrigante caso de la agente SSR.

American Crime Story: The People v. O.J. Simpson - 1x01 - "From the Ashes of Tragedy"
Ya sabemos como acabará esta historia, pero no podría empezar de una forma más fascinante.

American Crime Story: The People v. O.J. Simpson - 1x02 - "The Run of His Life"
Sabía que la fuga de O.J. tenía que dar pie a un gran episodio y así fue.

American Crime Story: The People v. O.J. Simpson - 1x06 - "Marcia, Marcia, Marcia"
Fue gracias a este episodio que Sarah Paulson ganó el Emmy.

Arrow - 4x07 - "Brotherhood"
Contiene algunas de las mejores escenas de acción del año en televisión.

Atlanta - 1x07 - "B.A.N."
La serie mejor funciona cuando más abraza la locura y este episodio fue muy loco, tanto como el personaje del trans-racial.

Better Call Saul - 2x09 - "Nailed"
La que ha liado Jimmy...

Better Call Saul - 2x10 - "Klick"
Es increíble hasta donde llega Chuck por hacer justicia... y por fastidiar su hermano. Además todo hacer pensar que Gus is coming.

Black Mirror - 3x01 - "Nosedive"
Le doy 5 estrellas.

Black Mirror - 3x03 - "Shut Up and Dance"
Más allá de obviar como podrían demostrar lo que el protagonista está viendo en su ordenador cuando lo graban desde la webcam, el episodio nos mete el miedo en el cuerpo con extrema facilidad. Cuidado con las cosas que haces por internet.

Daredevil - 2x03 - "New York's Finest"
Aunque parecía imposible superar aquella pelea en plano secuencia de la primera temporada, la de este episodio en las escaleras lo consigue.

Daredevil - 2x09 - "Seven Minutes in Heaven"
Matar a un montón de presos en la cárcel es lo que necesita Frank Castle para convertirse en mi personaje preferido de la temporada.

Game of thrones - 6x05 - "The Door"
Convertir "Hold the door" en "Hodor", es lo que que necesita el episodio para convertir un entrañable personaje secundario en uno mítico.

Game of thrones - 6x09 - "Battle of the Bastards"
Por episodios como éste, Juego de tronos es la serie de esta década. Puede que la batalla de los bastardos no sea la mejor batalla de la serie, pero no podía ser más sucia, angustiosa y espectacular (¡ese plano secuencia!). La épica por la épica, para dar forma a un gran episodio.

Game of thrones - 6x10 - " The Winds of Winter"
Cersei vuela con fuego verde el Templo de Baelor, Tommen se suicida, se revela el origen de Jon y Arya venga a su familia en Los Gemelos ¿El mejor final de temporada de todos los que lleva la serie? Posiblemente.

House of Cards - 4x02 - "Chapter 41"
La putadita de Francis a Claire es por fuerza uno de los mejores momentos que nos haya regalado la serie y de paso, colocó las fichas para el resto de la temporada.

House of Cards - 4x08 - "Chapter 47"
Tom comienza a atar todos los cabos. Comienza el fin de Francis.

House of Cards - 4x13 - "Chapter 52"
"Nosotros somos el terror" y tanto que sí Francis.

Love - 1x01 - "It Begins"
Esta historia de amor no podría empezar mejor, con Gus echando a perder su ménage à trois y con Mickey presentándose drogada en una iglesia.

Love - 1x05 - "The Date"
Worst date ever.

Love - 1x08 - "Closing Title Song"
Mickey resulta no ser tan dura, ni Gus es tan buen tipo Por un momento su historia de amor pareció irse al traste.

Luke Cage - 1x07 - "Manifest"
Pues resulta que Cottonmouth no era el gran villano de la temporada. Gran giro.

Narcos - Toda la temporada
Termina el arco argumental de Pablo Escobar, lo que ha sido uno de los grandes hitos de la historia de la televisión. Magistral desde el primer al último episodio. El ascenso y caída del narco de los narcos.

Preacher - 1x10 - "Call and Response"
No se me ocurre un final más cínico, fatalista y con más mala leche que éste.

Silicon Valley - 3x03 - "Meinertzhagen's Haversack"
Y Silicon Valley se convirtió en Ocean's eleven, pero por poco tiempo.

South Park - Toda la temporada
Si las elecciones de Estados Unidos ya fueron un absurdas de por si, imaginaos lo que pueden hacer Parker y Stone con ese material, pues la mejor y más divertida crítica al panorama actual que se haya podido ver el último año. Todo condensado en una única historia y dividida en 10 partes. Una gozada.

Stranger Things - Toda la temporada
Más que una serie, una película de 8 horas, esa es la sensación que me transmitió. Los Duffer Brothers demuestran ser unos alumnos aventajados de Spielberg y King, creando un clásico instantáneo, con un ejercicio de nostalgia bien entendida.

The Flash - 2x06 - "Enter Zoom"
Zoom: 1 - Flash: 0.

The Night Manager - 1x05 - "Episode #1.5"
Roper engaña a todo el mundo y deja a Jonathan pendiendo de un hilo. Se masca la tensión.

The Walking Dead - 6x01 - "First Time Again"
La mayor horda zombie jamás vista en la televisión. La temporada no podía empezar con más fuerza.

The Walking Dead - 6x02 - "JSS"
Y si el primer episodio fue uno de los más impactantes de la serie, el segundo no se quedó atrás, con esa masacre en Alexandria. Te deja helado.

The Walking Dead - 6x03 - "Thank You"
Los tres primeros episodios de la temporada supusieron una trilogía perfecta de tensión y muerte. Y ese tramposo final, nos hizo temer lo peor.

The Walking Dead - 6x09 - "No Way Out"
Un Rick con sed de venganza, inicia la masacre de las masacres. Este episodio es de los que te hacen arrancar a aplaudir como un loco. Y además tenemos muertes importantes, a Carl recibiendo un tiro y a Daryl con un bazooka. Yo no le pido más a un episodio de la serie.

The Walking Dead - 6x12 - "Not Tomorrow Yet"
El primer enfrentamiento entre la gente Alexandria y la banda de Negan, fue tan sangriento como esperábamos.

The X-Files - 10x03 - "Mulder and Scully Meet the Were-Monster"
Contra todo pronóstico, el mejor episodio de la temporada fue el chorrisodio, en línea de los mejores de la serie como, "Small Potatoes" o "Bad Blood". Las desventuras de un monstruo-hombre que nos hicieron partirnos de risa.

Unbreakable Kimmy Schmidt - 2x04 - "Kimmy Kidnaps Gretchen!"
En una serie tan loca como ésta, curiosamente el episodio que más me gustó de la temporada fue el menos loco y el más emotivo. Y es que Mikey fue el único que regresó...

Westworld - 1x10 - "The Bicameral Mind"
Todos los caminos conducían aquí y la verdad es que el final fue apoteósico. Sus 90 minutos se quedan cortos y nos dejan con ganas de mucho más.


TOP TRAILERS
El mejor trailer del año fue de Suicide Squad con la música de "Bohemian Rhapsody", tan bueno que nos hizo creer que estábamos ante una gran e irreverente película de superhéroes (cosa que no fue así). También destacaría el de Wonder Woman (cuyo segundo trailer denota un film espectacular), el primero de John Wick: Pacto de sangre (que nos dio justo lo que esperábamos) y el primero de Kong: Sull Island (o como convertir un proyecto intrascendente en un must see en toda regla). Todos los trailers con los que me quedo de este 2016 son los siguientes:

Calle Cloverfield 10: Trailer 1
Capitán América: Civil War: Trailer 2
Dos buenos tipos: Red band trailer 1
Guardians of the Galaxy Vol. 2: Trailer 2
John Wick: Pacto de sangre: Trailer 1 
Kong: Skull Island: Trailer 2 
La cura del bienestar: Trailer 1 / International trailer 
Moonlight: Trailer 1
Rogue One: Una historia de Star Wars: Teaser
Suicide Squad: Trailer 2
The Fate of the Furious: Trailer 1
The Mummy: Trailer 1
War for the Planet of the Apes: Trailer 1 
Wonder Woman: Trailer 2


TOP POSTERS
Star Trek: Más allá fue la película con los mejores posters del año, siendo el de estilo retro que encabeza el texto, mi preferido de la película y de todos los posters que vieron la luz en 2016. Pero no me olvido de otros carteles geniales como el de Rogue One con Darth Vader (de estilo clásico), el de Moonlight (de sencilla y genial composición) o los individuales de Escuadrón Suicida con los iconos de cada uno de sus personajes.

Alien: Covenant: Póster 1
Animales fantásticos y dónde encontrarlos: Póster 3 /
Animales nocturnos: Póster 1 / Póster 2 / Póster 3 / Póster 4
Buscando a Dory: Póster #2 / Póster #3 / Póster #4 / Póster #5 / Póster 15 / Póster 17 /
Carol: Póster 13 /
Doctor Extraño: Póster 1 / Póster 23 / Póster 24 / Póster 25 / Póster 26 / Póster 27 / Póster 29 /
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares: Póster 2 
El libro de la selva: Póster 5
Free fire: Póster 1
High-Rise: Póster 2Póster #4 
John Wick. Pacto de sangre: Póster 2
Kong: Skull Island: Póster 1 / Póster 2
Kubo y las dos cuerdas mágicas: Póster 15
La doncella: Póster 1
La La Land: Póster 2 / Póster 3 /
Logan: Póster 1
Marea negra: Póster 1
Moonlight: Póster 2
Orgullo + Prejuicio + Zombis: Póster 13
Peter y el dragón: Póster 1
Queen of Katwe: Póster 1
Rogue One: Una historia de Star Wars:  Póster IMAX 1 / Póster IMAX 2 / Póster 2 / Póster 14 / Póster 15 / Póster 19 /
Star Wars: El despertar de la fuerza: Póster 25 
The Birth of a Nation: Póster 1 
The Mummy: Póster 1
Transformers: The Last Knight: Póster 1
Vaiana: Póster 1
Wonder Woman: Póster 1

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Wednesday, December 14, 2016

Eduardo Manostijeras

"A veces aún bailo bajo la nieve."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una mujer encuentra en una mansión abandonada a un joven que tiene tijeras en lugar de manos, y sin pensárselo dos veces se lo lleva a su casa. La irrupción del joven en su familia y vecindario, cambiará la vida de todos para siempre.


UNA FABULA MODERNA
De un simple dibujo que Tim Burton hizo en su veintena, así nació Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990). "Sólo era una imagen que me gustaba," admitía el director. "Me vino inconscientemente y estaba ligada a un personaje que quiere tocar pero no puede, que es creativo y destructivo la vez. Esa clase de contradicciones puede crear una especie de ambivalencia."
Después de estrenar La gran aventura de Pee-wee (1985), Burton conoció a través de su mutuo agente, a la escritora Caroline Thompson (La familia Addams) y pronto conectaron. "Había leído su libro First born, que trataba de un aborto que volvía a vivir. Era bueno," admitía Burton. "El tema tenía mucho de sociología, pero también había muchos elementos fantásticos, lo cual estaba bien, y me gustó toda esa combinación. Estaba muy cerca del aire que quería darle a Eduardo Manostijeras."
"Tim tenía la imagen de este personaje y me dijo que no sabía que hacer con ella," declaraba Thompson. "Pero al minuto de describírmelo y decirme el nombre Eduardo Manostijeras, supe que hacer. Fue Tim quien tuvo la idea original de un chico con manos podadoras de setos y a mí se me ocurrió todo lo que podía hacer con ellas. Así que, fue la perfecta unión de nuestros talentos."
Burton le pagó a Thompson varios miles de dólares de su bolsillo para que escribiera el guión. La guionista escribió un tratamiento de guión de 70 páginas en tan solo 3 semanas. El primer enfoque de la película era el de un musical (el libreto incluso incluía las letras de las canciones), algo que cambió cuando Thompson escribió el guión definitivo. En esa primera versión del guión no existía el personaje de El Inventor. 
En 1986, Burton y Thompson se reunieron con el presidente de la Fox, quien quería trabajar con el director y les dio un poco de dinero para que pudieran llevar adelante el proyecto y que tuvieran control absoluto sobre el mismo. La película sería filmada bajo el amparo de esta productora dado el nulo interés demostrado por la Warner, major con la que Burton había realizado sus tres primeras películas.
El nombre de Johnny Depp surgió entre los posibles candidatos para protagonizar la película. Burton no conocía al actor, pese a la fama conseguida por éste con la serie Nuevos policías (1987-91), pero quedó con él en una cafetería y en ese primer encuentro, ya supo que había encontrado a su Edward.
"Lo que más me cautivo de él fueron los ojos, ya que al tratarse de un personaje que no habla realmente, debía expresar sus sentimientos en cada instante a través de la mirada," declaraba Burton. Según el director, Depp era el indicado para el papel, "porque parecía ser alguien que estaba como atrapado en esa cosa de Nuevos policías, pero no era él. Así que se sentía como el personaje, ¿sabes? Alguien que es percibido como una cosa y realmente es otra."
Pero el estudio quería a Tom Cruise para el papel. Burton se llegó a reunir con el protagonista de Al filo del mañana, pero Depp estaba destinado a ser Edward y el papel fue finalmente para él. "Lloré como un recién nacido," admitía Depp de su reacción al leer el guión. Por el camino también quedaron Robert Downey Jr., Gary Oldman y Jim Carrey, quienes fueron tanteados para el mismo papel.
El papel de Kim fue a parar a Winona Ryder, que era la pareja de Depp en aquel momento y que ya había trabajado con Burton en Bitelchús. La actriz tenía previsto participar en El padrino: Parte III (1990), pero prefirió abandonar el film de Coppola para participar en esta película. Según se dice, fue Depp quien la convenció de hacerlo.
Dianne Wiest fue la primera actriz en leer el guión y cuando aceptó participar en la película, hizo que otros actores se interesaran también por ella. Suyo fue el papel de Peg, una especie de madre adoptiva para Edward.
El papel de El inventor fue escrito expresamente para Vincent Price. El mítico actor y Burton se hicieron amigos desde que colaboraron juntos en el cortometraje del director Vincent (1982). Eduardo Manostijeras fue la última película en la que participó el actor.
El resto del reparto se completó con los nombres de Anthony Michael Hall (como Jim), Kathy Baker (en el papel de Joyce), Robert Oliveri (dando vida a Kevin), Conchata Ferrell (como Helen), Caroline Aaron (interpretando a Marge), O-Lan Jones (haciendo lo propio con Esmeralda) y el gran Alan Arkin (en la piel de Bill).

RODAJE
La fotografía principal tuvo lugar entre el 26 de marzo de 1990 y el 19 de julio del mismo año. El grueso de la película se rodó en Florida, más concretamente en la urbanización Land O'Lakes, la cual fue transformada por Bo Welch, para convertirla en el nuevo hogar de Edward. Sus interiores prácticamente se dejaron intactos y se pintaron los exteriores de cuarenta y cuatro casas con colores muy llamativos. "Diseñamos el vecindario para que parezca que se está viendo a través de los ojos de Edward," explicaba el diseñador. El vecindario se llenó también de setos con las más diversas formas, para representar las obras creadas por el protagonista.
Y por su parte, los decorados necesarios se construyeron en los "20th Century Fox Studios" de Los Angeles. Por ejemplo, allí se construyeron los interiores de la mansión.
El rodaje trascurrió de la forma más placentera sin dar pie a ningún tipo de incidente reseñable, más allá del momento en el que Depp, mientras rodaba la escena en la que corre de vuelta a su casa, cayó al suelo desfallecido debido a las temperaturas extremas y al traje de cuero.
Stan Winston fue el responsable de crear las manos de Edward, basándose en las ideas y bocetos de Burton. Winston también diseñó el maquillaje de su cara y la artista Ve Neill se encargó de convertirlo en realidad. El vestuario y maquillaje requerían de una hora y cuarenta y cinco minutos en aplicarse sobre Depp. Winston y Neill recibieron la única nominación al Oscar de la película, en la categoría de mejor maquillaje.
Como en la mayoría de las películas de Burton, Danny Elfman se encargó de componer la banda sonora. Según reconocía el ex-miembro de "Oingo-Boingo", éste fue su trabajo más personal y su partitura favorita de todas las que ha creado.
Partiendo de un presupuesto de 20 millones de dólares, la película tuvo un buen funcionamiento en taquilla, en los Estados Unidos recaudó 56.362.352 de dólares y en el resto del mundo otros 29.661.653 más. Nada mal para una pequeña y extraña película.
Además de la nominación al Oscar, la película recibió una nominación a los Globos de oro en la categoría de mejor actor de comedia o musical (Johnny Depp). Un premio BAFTA a mejor diseño de producción (Bo Welch). Un premio Saturn a la mejor película de fantasía. Y el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Tim Burton y Caroline Thompson).


VALORACIÓN
Eduardo Manostijeras es con diferencia uno de los mejores films de Tim Burton, dotado de toda su fuerza visual y reforzado por una historia extraña, humana y emotiva.
Y es que Edward es una de sus más brillantes creaciones. Me resulta fascinante el choque que se produce al introducir en la sociedad a un ser como Edward, que no ha tenido contacto con otras personas (más allá de su creador). De esa situación se extrae una lectura corrosiva y lucida sobre el hombre moderno. Al principio los vecinos de Edward se interesan por él, pero sólo porque es nuevo y diferente, y no tardan en intentar aprovecharse de su bondad y talento en su propio beneficio. Ese vecindario (una suerte de sociedad deformada) poco a poco va corrompiendo a Edward y su pureza, quien comete un allanamiento de morada, causa desperfectos en casa de Peg en un ataque de ira causado por Jim e incluso llega matar a éste para proteger a Kim. Su única salvación es regresar al hogar y estar lejos de ellos. Burton parece decirnos que no hay lugar para la bondad en el mundo moderno y que pronto se la intenta destruir.
Ese vecindario epicentro de la película, es un microcosmos de envidia, estupidez y egoísmo. Un grupo de personas sin nada mejor que hacer con sus vidas que hablar y conspirar sobre los demás. Y el más normal de todos ellos es un chico con tijeras en lugar de manos.
La película, al igual que su protagonista, no se apoya en las palabras, lo hace en las imágenes. Hay planos que son por si solos una obra de arte, como Peg entrando en el jardín de la mansión y encontrando setos de todas las formas y tamaños, el plano final de Edward en el ático rodeado de esculturas de hielo o el mimo con el que Burton filma los flashbacks protagonizados por Vincent Price.
La película sabe ganarnos y son muchos los momentos en los que nos hace suyos, desde aquel en el que tememos que los policías disparen a Edward por que confunden sus tijeras con armas, a Edward confesando que forzó la puerta de la casa de Jim sólo porque Kim se lo pidió, el momento en que está a punto de decir por televisión que quiere a Kim, aquel en el que le dice a ella que no puede abrazarla y sobre todo, la recordada escena en la que esculpe hielo creando nieve alrededor de Kim.
La historia es mucho más oscura de lo que se recuerda. Sirva como ejemplo la brutal escena en la que Edward mata a Jim, donde se hace uso de una sangre irrealmente roja. O ese instante de Edward acariciando a su creador cuando muere y como sin querer le raja la cara con sus tijeras, un momento triste y cruel al mismo tiempo.
Pero Burton no se olvida de llenar su relato de notas de humor, la mayoría protagonizados por Edward.
Depp realizó aquí su primera gran interpretación, sin apenas palabras, sólo con miradas y gestos crea un personaje inolvidable. Y es que Edward es un caramelo para cualquier actor, a lo largo de la película experimenta el amor, la muerte, el odio, la felicidad y el miedo. Además Edward conlleva una gran dualidad, es creador y destructor al mismo tiempo. No puede tocar a Kim, cuando intenta hacerlo (o a otras personas a las que quiere), termina haciéndole daño. Pero pese a sus limitaciones, consigue encontrar como ser útil y creativo. Esto lo convierte en un personaje único y terriblemente interesante.
Pocas pegas se le pueden poner a la película. Tal vez la única sea el personaje de Jim, el más unidimensional de todos, es simplemente el típico bully que sale con la chica de la que se enamora el protagonista. Además pasa de abusón a psicópata de una forma muy rápida, el personaje necesitaba de un poco más desarrollo. ¿Y de dónde saca la pistola de la escena final?
El increíble diseño de producción de la película es casi un personaje más, desde los setos que decoran el vecindario de Edward, a esas casas color pastel o terminando por la mansión gótica del Inventor.
Igualmente brillante es el trabajo de Winston y Neill haciendo real a Edward. La verdad es que no lo tenían nada fácil con un personaje tan complejo.
Y el apartado técnico se culmina con el trabajo de Danny Elfman, quien creó para ocasión una de sus mejores partituras.
Esta fabula te hace creer en la magia, que la nieve nace al tallar figuras de hielo, que los setos pueden tener vida propia y que un chico con tijeras donde debería tener manos puede encontrar el amor. Ese extraño inadaptado de pelo caótico llamado Tim Burton, se hizo un hueco en el cine, a base de talento, carisma y originalidad. Y esta obra maestra suya siempre nos hace bailar bajo la nieve cada vez que la vemos.

CURIOSIDADES
El pelo de Edward está basado en el de Robert Smith, cantante del grupo "The Cure".
En la versión original, Edward sólo dice 169 palabras en toda la película.
El vecindario en el que vive Edward está basado en Burbank (California), hogar natal de Tim Burton.
Johnny Depp llegó a perder cerca de 11 kilos para interpretar a Edward.
Drew Barrymore fue considerada para el papel de Kim Boggs.
Crispin Glover hizo pruebas para el papel de Jim. Años después sería el antagonista de Johnny Depp en otra película de Tim Burton, Alicia en el país de las maravillas (2010).
El niño rubio en el "Slip and Slide" visto al comienzo de la película es Nick Carter de los Backstreet Boys.


Johnny Depp protagonizó Pesadilla en Elm Street (1984), en la que Freddy Krueger tiene guantes con cuchillos.
El logo de la 20th Century Fox es mostrado nevando al comienzo de la película.
Está incluida en el libro "1001 películas que hay que ver antes de morir" de Steven Schneider.
El primer día de rodaje se filmó una secuencia con Edward en el hospital. Finalmente se decidió cortar esa escena, en parte porque no era necesaria y también porque el maquillaje de Edward no era el definitivo visto en la película. La escena no ha sido incluida en las versiones de vídeo doméstico.
El pelo de color rubio que muestra Winona Ryder, es su auténtico color de pelo.
Existen rumores que dicen que Michael Jackson fue considerado para el papel de Edward.
Cuando Peg ve en el espejo retrovisor el castillo de Edward por primera vez, el castillo es realmente una pequeña maqueta sostenida por un soporte.
La escena de la cama de agua fue una de las pocas escenas que no estaban en el guión original.
Primera película en la que trabajaron juntos Tim Burton y Johnny Depp, y a partir de la cual se convirtieron en buenos amigos.
Para meterse en su personaje, Johnny Depp rechazó cualquier tipo de sistema de refrigeración, incluso dentro de su traje de cuero.
Estaba previsto que le papel de Vincent Price fuera más largo, pero al estar enfermo de enfisema y Parkinson sus escenas fueron reducidas al mínimo.
El personaje de Peg está basado en la madre de Caroline Thompson, que solía llevar a desconocidos a su casa. El de Edward lo basó en su perro. Y los vecinos están basados en personas con las que creció cuando era una niña.
Burton le pidió a Robert Smith del grupo The Cure que compusiera la banda sonora de la película e incluso llegó a enviarle el guión. Por aquel entonces el cantante estaba trabajando en su álbum "Disintegration" y además no sabía quien era el director, así que rechazó la oferta.
Los setos de Edward no eran reales, se trataba de armazones de acero soldado envueltos en tela metálica y cubiertos con hierba artificial.
El equipo redujo el tamaño de las ventanas de las casas de la urbanización, para darles un toque más paranoico.
La canción "It's Not Unusual" de Tom Jones forma parte de la banda sonora, como también lo haría en Mars Attacks! (1996).

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Friday, December 02, 2016

Cortometrajes de culto: "Frankenweenie"

Victor Frankenstein pierde a su perro cuando es atropellado por un coche, negándose a dejar marchar a su amigo, el joven decidirá traerlo de vuelta a la vida, pero la gente de su vecindario no estará muy contenta con esa idea.


EL JOVENCITO FRANKENSTEIN
"Frankenweenie surgió de unos dibujos y de algunos sentimientos, y de pensar que podría ser buena, que quizá podríamos rodar un medio metraje," declaraba Tim Burton. "Tienes un perro al que quieres y la idea de mantenerle con vida fue el impulso para esta película."
Basándose en las ideas del director, el televisivo Lenny Ripp fue el encargado de dar forma al guión.
Y para su primer trabajo íntegramente en imagen real, Burton contó para los papeles principales con actores profesionales, como Shelley Duvall (El resplandor), Daniel Stern (Solo en casa) y Barret Oliver (La historia interminable), quienes dieron vida a la familia Frankenstein. Y además en el reparto tenemos a los directores Paul Bartel (La carrera de la muerte del año 2000) y Sofia Coppola (Lost in Translation) en pequeños papeles.
El plan de Disney era que Frankenweenie acompañase a Pinocho (1940) en su reestreno en salas de cine en 1984. Y para llevarlo a cabo, Burton contó con un presupuesto de 1 millón de dólares.
El cortometraje se filmó en una de las urbanizaciones de South Pasadena (California), similar a la que se crió el director. El rodaje aconteció sin incidentes y Burton quedó realmente contento con sus actores. "Todos fueron estupendos. [...]. Todos apoyaron el proyecto," afirmaba el director de Sleepy Hollow.
Pero una vez terminó el rodaje empezaron los problemas. Frankenweenie consiguió una calificación de no autorizada, por lo que no podía ser estrenada junto a una película infantil. "Fui al organismo que concede las calificaciones y les dije: '¿Qué tengo que hacer para que la califiquen para todos los públicos?', y ellos me dijeron: 'No se trata de cortar nada, es el tono general'," recordaba el director.
Según detallaba Burton en la revista "Starlog", "ellos se quejaron que la película era demasiado violenta. La única violencia en ella es cuando el perro es atropellado por un coche y eso sucede fuera de cámara."
Se hizo un pase de prueba proyectándola después de Pinocho y los niños se pusieron a llorar en algunas partes del corto. Visto el panorama, Disney tomó la decisión de, no solo no estrenarla junto con Pinocho, si no de guardarla en un cajón, tal y como habían hecho con su anterior corto, Vincent (1982), que fue archivada por Disney tras su pase en una sala de cine de Los Angeles durante dos semanas.
"Que Vincent Frankenweenie no fueron estrenadas ha sido una constante fuente de frustración para mí," admitía Burton. "Disney es la dueña de ambas películas. Incluso no puedo conseguir una copia de ellas. Esperaba que la gente de Disney encontraría un hueco para Frankenweenie con una de sus películas."
Finalmente Frankenweenie sí se estrenó en cines, pero sólo en Reino Unido acompañando a la película Baby, el secreto de una leyenda perdida (1985).
Las consecuencias para Burton por rodar Frankenweenie fueron que Disney le despidió, ya que consideraron que el director malgastaba los recursos de la empresa en trabajos es como éste, que no eran apropiados para el público más joven.
Conforme fueron pasando los años y la popularidad y prestigio de Burton fueron creciendo, la de Frankenweenie lo hizo con él. Y Disney no tuvo problema en estrenarla en vídeo en los Estados Unidos en 1992, antes del estreno de Batman vuelve. Y no sólo eso, la ironía es que tiempo después Burton volvió a trabajar para la casa del ratón con proyectos como, Pesadilla antes de Navidad (1993), Alicia en el país de las maravillas (2010) o Frankenweenie (2012), ésta última, adaptación cinematográfica del corto que aquí nos ocupa.

VALORACIÓN
Para mi, Frankenweenie siempre ha sido una película más de Burton, un pequeño gran clásico a la altura de muchos de sus films, lleno del ingenio e impronta de su director. Una mirada divertida y entrañable a las películas clásicas del Frankenstein de James Whale.
Y lo sorprendente del corto, es lo bien que encaja una historia tan clásica en el mundo moderno. El director lleva la historia del ser resucitado a las urbanizaciones de Norteamerica con suma sencillez, y como en otras ocasiones, da una visión oscura y nada reconfortante de la gente que las puebla.
Burton también nos habla a través de este pequeño Frankenstein, del dolor de perder a alguien querido y como haríamos lo que fuera necesario para recuperarlo, llevando esa idea hasta sus últimas consecuencias. Y el acierto del director es llenar una historia que podría haber sido de lo más oscura, de un tono amable y emotivo, consiguiendo que las emociones fluyan con facilidad y logrando que empaticemos rápidamente con el protagonista, y es que, ¿quién no ha perdido a una mascota a la que quería? Es un territorio conocido por todos.
Su factura técnica es perfecta para tratarse de un corto, y son geniales los decorados del cementerio de mascotas y del minigolf, con esos cielos pintados, que tienen un encanto especial. Así como el uso de ese maravilloso blanco y negro, que Burton respeta de las películas de Whale.
El director no se olvida del sentido del humor, y llena el relato de pequeñas notas de comedia que funcionan perfectamente, como Sparky encontrando a su novia, esa entrañable película casera "The Monster From Long Ago" dirigida por Victor, la falsa lluvia en la ventana por la que mira el desconsolado protagonista o como los vecinos reaccionan ante Sparky como si se tratara de un peligroso monstruo.
Aquí están las señas de identidad de Burton de forma muy temprana, el blanco y negro, la historia de un ser inadaptado, la muerte, los cementerios, los murciélagos o el gusto por los clásicos. Que no hace más que demostrar desde los inicios de su carrera, una autoría y personalidad cinematográfica única.
Este peludo monstruo de Frankenstein dio vida a la carrera de Burton, ya que tras su salida de Disney sólo sumaria éxitos. En la casa del ratón no encajaba, era un bicho raro como Sparky, pero una vez escapó de ese molino en llamas, se descubrió ante todos como el gran cineasta que es.
Y tanto le gustaba la historia a Burton, que llegaría a resucitarla 28 años después (en versión animada y extendida), demostrando el amor que sentía por su cachorro. Uno entrañable, emotivo y divertido, no son adjetivos que uno asociaría a una historia basada en Frankenstein, pero así de diferente es Frankenweenie.

CURIOSIDADES
Después de su estreno, Burton declaró que podría haber convertido el corto en un película de haber dispuesto de más días de rodaje. En 2012, la película conoció una adaptación cinematográfica con animación stop-motion.
Durante la escena en la que Victor resucita a Sparky, éste hace volar una cometa con la forma de un murciélago. Bien es sabido que Burton estrenaría años después Batman (1989) y Batman vuelve (1992).
Cuando Disney estrenó el corto en 1992, lo hizo con una versión censurada. No fue publicado en su versión original, hasta que fue incluido en el dvd de la película Pesadilla antes de Navidad (1993).
El corto tiene una de las primeras señas de identidad del universo de Tim Burton, los perros, que han poblado posteriores trabajos del director (Family Dog, Bitelchús, Eduardo ManostijerasMars attacks!Frankenweenie).
En el corto anterior de Burton, Vincent (1982), el protagonista también hace experimentos con su perro y lo convierte en un perro zombie.

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Wednesday, November 09, 2016

El corazón del ángel

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

El detective privado Harry Angel es contratado por un misterioso personaje, para encontrar a Johnny Favorite, un cantante desaparecido. Sus pesquisas lo llevan hasta Nueva Orleans, un lugar lleno de muerte y ritos vudú, que pondrá en juego su cordura y en peligro su propia alma.

ÁNGEL CAÍDO
Los orígenes de El corazón del ángel (Angel Heart, 1987) los encontramos en la genial novela de William Hjortsberg, "El ángel caído" publicada en 1978 (definida por Stephen King como un cruce entre Raymond Chandler y El exorcista). El diseñador de producción Richard Sylbert, amigo de Hjortsberg, le envió un manuscrito del libro al famoso productor Robert Evans. Paramount Pictures se hizo con los derechos de la novela y Evans ocupó el cargo de productor de la adaptación. El propio Hjortsberg se encargaría de escribir el guión, el cual debería ser dirigido por John Frankenheimer, pero tiempo después el director sería sustituido por Dick Richards. Por aquel entonces se consideró a Dustin Hoffman para protagonizarla. 
Los derechos de la Paramount terminaron expirando y fue entonces cuando Robert Redford se interesó por el proyecto. Hjortsberg escribió dos guiones para el actor, pero los ejecutivos de los estudios querían un final feliz. Finalmente Redford desistió del empeño.
Al director Alan Parker ya le habían ofrecido la novela poco después de su publicación, pero no fue hasta principios de 1985 que aceptó hacerse cargo del proyecto, después que el productor Elliot Kastner se lo ofreciera de nuevo. "Esto era una clásica historia de detectives de Raymond Chandler, pero también trataba de lo sobrenatural, por lo que en cierto modo, tenía dos géneros en uno," declaró el director. "La fusión de los dos fue lo que me intrigó." Parker decidió asumir él mismo la escritura del guión, el cual elaboró en su mayoría en Nueva York y lo terminó en bares de mala muerte de Nueva Orleans. El director envió el guión a Hjortsberg, quien le dio su aprobación.
Aunque es una adaptación bastante fiel, hay algunos cambios entre novela y película. El principal es donde ocurre la acción, en la novela todo acontece en Nueva York, mientras que Parker decidió situarla en Nueva Orleans al poco de comenzar la película. Según el director, la razón de este cambio fue debido a que ya se habían rodado demasiadas películas en Nueva York y quería un emplazamiento más fresco. Aunque según Hjortsberg, la idea de situar la historia en Nueva Orleans, le vino dada por una sugerencia de Brian De Palma y a su vez se la hizo llegar a Parker.
El director también cambió el título, de "El ángel caído" a El corazón del ángel. "En parte, porque ya había demasiados "ángeles caídos" y en cierta medida, por motivos egoístas, para darle a la película su propia identidad, separándola de sus orígenes literarios," admitía Parker.
Existen otras diferencias entre novela y película. El año en que acontece la historia pasó de 1959 a 1955 en la película. En la novela se incluye la visita de Angel a una feria de prodigios para conseguir información. La película eliminó el personaje de Walt Rigler, un periodista que le pasa información a Harry, pero fue de alguna forma sustituido por el personaje de Connie en la película. En la novela, Toots muere porque le cortan el pene y se lo meten en la boca. Se elude en la película el encuentro entre Margaret y Epiphany. En la novela, Harry investiga a Cyphre y asiste a una actuación suya cual predicador, que tiene lugar en una feria. La relación entre Angel y Epiphany está más desarrollada en la novela y es más profunda, ella incluso ayuda al detective en su investigación. En la novela, Angel recibe una gran paliza por parte de dos hombres (presuntamente de Ethan Krusemark) y acaba en el hospital, mientras que en la película simplemente lo asaltan sin mayores consecuencias. Angel presencia una misa negra en una antigua estación de metro abandonada, a la que asiste Ethan Krusemark y en la que se realiza una orgía y se comete un sacrificio ritual. Epiphany no tiene ningún hijo en la novela. Se deja claro en la novela que es Cyphre quien comete los crímenes, mientras que en la película es Angel el responsable de los mismos.
En septiembre de 1985 el guión estaba terminado y Parker y Kastner comenzaron la búsqueda de quien lo financiase. Mario Kassar y Andrew G. Vajna, dueños de la productora Carolco, fueron quienes demostraron un mayor interés por el proyecto y tras una cena en Roma acordaron hacerse cargo de él. Aunque la película sería co-producida por la productora británica Winkast Film Productions y también por la italiana Union. TriStar Pictures por su parte, se encargaría de su distribución en los Estados Unidos.
En enero de 1986, comenzó la pre-producción en Nueva York. Alan Marshall se sumó al proyecto en calidad de productor, como en la mayoría de films de Parker. También se sumaron otros habituales del director como, el editor Gerry Hambling, el director de fotografía Michael Seresin y el diseñador de producción Brian Morris.
Para componer la banda sonora, Parker recurrió a Trevor Jones, ya que le gustaba la partitura que el sudafricano había compuesto para El tren del infierno (1985). Jones grabó la banda sonora en los más que apropiados Angel Recording Studios, los cuales están localizados en una antigua iglesia de Islington (Londres).
Parker tenía una lista de actores deseados para interpretar a Harry Angel y se fue entrevistando con todos ellos. El primero fue Jack Nicholson, pero el actor no demostró demasiado interés en el proyecto. El papel le fue ofrecido a Al Pacino y Robert De Niro, este último le declaró a Parker que prefería el papel de Loius Cyphre. Pero sería el cuarto de la lista quien se llevaría el papel y no fue otro que Mickey Rourke. Cuando se reunió con él, el actor proféticamente le dijo que él era quien debía interpretar al personaje. El actor sugirió varias cosas para dar vida a Harry Angel, desde colocarse una nariz a lo Cyrano de Bergerac, teñirse el pelo de negro o sufrir una cojera. Parker le recomendó que simplemente se concentrase en actuar.
Desde el momento en que De Niro demostró interés por el papel de Loius Cyphre, para Parker era el único actor que podía interpretarlo. De todas formas, durante el tiempo que el actor estuvo pensándose en si aceptar o no el papel, Parker consideró a Marlon Brando, pero recibió una respuesta negativa, ya que el actor estaba temporalmente retirado de la actuación. Después de varios meses de insistirle a De Niro, de un par de reuniones y de la revisión minuciosa por parte del actor a cada detalle del guión, éste aceptó el papel, sólo a dos semanas de comenzar la fotografía principal.
Lisa Bonet siempre fue la favorita de Parker para el papel de Epiphany. Su participación en la película fue acompañada de una gran polémica. La actriz era una de las protagonistas de la popular serie La hora de Bill Cosby. Cuando le comentó a Cosby su interés por participar en la película, éste le dijo, "Lisa, esto se llama La hora de Bill Cosby, y se como funciona este negocio. Sé que vosotros los chicos pueden ser borrados así como así. He estado en este negocio el tiempo suficiente para saber eso. Y no hay razón por la cual no deberías estar trabajando. Y sal de mi camerino." Está claro que al actor no le gustó que Bonet se involucrase en la película, con sexo incestuoso, vudú, desnudos y temática demoníaca, los cuales no casaban con el espíritu conservador y familiar de la serie. De hecho, le gustó tan poco, que Bonet salió de la serie tras el estreno de la película. Dicen las malas lenguas que para no ganarse una demanda le dieron a Bonet su propia serie, Un mundo diferente, spin-off de La hora de Bill Cosby.
Y para el papel de Margaret Krusemark el director vio a muchas actrices, pero ninguna le convenció, al final se puso en contacto con Charlotte Rampling, que había sido sugerida por Rourke y la actriz aceptó participar la película.
Para los papeles de músicos, Parker utilizó a auténticos músicos de blues y jazz, los cuales carecían de experiencia como actores, pero que dieron una gran autenticidad a la película.

RODAJE
Con un presupuesto de 17 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 31 de marzo de 1986 y se extendió hasta el 20 de junio del mismo año. La película tuvo hasta 78 localizaciones diferentes, entre ellas, el Lower East Side, Coney Island y Harlem en Nueva York. Aunque el grueso del rodaje tuvo lugar en Nueva Orleans.
No existieron grandes problemas durante la filmación. Uno de los más destacados, fue el que se produjo al rodar la llegada en tren de Harry a Nueva Orleans, escena para la que se utilizó un viejo tren de los años cincuenta que no era realmente funcional y tuvo que ser empujado por otro tren más moderno para poder moverlo.
Y no fue fácil para Rourke filmar su escena de sexo con Lisa Bonet. El actor se encontró por primera vez en su carrera desnudo frente a la cámara y aunque cueste creerlo, viniendo del protagonista de Nueve semanas y media, era Bonet quien estaba menos nerviosa a la hora de rodar la escena, la actriz siempre se mostró fría y tranquila. Parker se quedó con el equipo mínimo para rodar la escena, sólo le acompañaron el director de fotografía, un operador de cámara y un asistente de cámara.
Se realizaron ensayos con los actores las semanas previas al inicio del rodaje. Entre otras escenas, Rourke y Liz Whitcraft hicieron lo propio con la escena en la que él la desnuda mientras charlan, el actor llegó a desnudar realmente a la actriz en cada ensayo, de esa forma se eliminó cualquier rastro de incomodidad y nerviosismo en el set.
Rourke hizo gala de una gran improvisación durante el rodaje, algo que chocaba, por ejemplo, con una actriz más clásica y disciplinada como Rampling.
El tener a dos actores de la talla de Rourke y De Niro, juntos en una misma película, estaba claro que iban a saltar chispas y la verdad es que no fue para menos, tal y como Parker relataba el rodaje de la primera escena que ambos actores compartieron juntos, "había pasado el fin de semana ensayando con De Niro y Mickey y estábamos listos para rodar su primera escena juntos en la sala 'Elks' de la Misión de Harlem. Rompiendo con mi práctica normal de rodar, filmé con dos cámaras simultáneamente en direcciones opuestas. De esta forma, si los dos empezaban a improvisar o a irse por la tangente, provocando en el otro un acción o reacción, una magia momentánea que uno inspira en el otro podría ser capturada por la cámara. Cuando empezamos estaba claro que este proceso no era sobre actuar, era similar a un par de boxeadores probándose el uno al otro, lentamente se rodearon, un jab improvisado aquí, un gancho de izquierda allá. Bob era meticuloso, sereno, encantador y generoso, pero tenía todo bajo control. Mickey estaba desarmado y era ingenuo, pero todas las veces las dio tan bien como las recibió. Para mí, como árbitro-espectador, era eléctrico observar y a veces un tanto desconcertante sobre que demonios estaban hablando, mientras corrían en círculos alrededor de mi guión."
Por su parte De Niro afrontó su papel con la profesionalidad que siempre le caracteriza, aunque según Parker, su interpretación durante el rodaje fue menos realista que la mostrada durante los ensayos. Aún así, el director reconocía que el actor, "Se puso muy espeluznante. Muchas de las pequeñas cosas en su personaje que al final suman el total de la interpretación vinieron de él. Piensa mucho sobre todo. Antes que hubiera dicho 'Sí', fue a través de cada línea y cada idea que tenía desde el punto de vista del personaje. Es muy difícil entrar en la cabeza de ese particular personaje, de la misma forma que sería entrar en la de Jake LaMotta, por ejemplo. Así que siempre sabíamos cuando Bob está cerca. Sentías su presencia. Alguien podría decir, 'Bob debe estar aquí', y te dabas la vuelta y allí estaba."
La película estaba terminada en febrero de 1987. Antes de su estreno, lo primero era pasar la criba de la censura de la MPAA. De entrada le otorgaron a la película una calificación "X", lo que impediría su estreno en salas comerciales. Además Parker tenía por contrato que entregar una película con calificación "R". La razón de la calificación "X" fue lo explícita que resultaba la escena de sexo entre Rourke y Bonet. El director luchó contra la MPAA para mantener su versión, pero al final cortó unos 7 segundos de dicha escena y la película obtuvo la calificación "R" deseada. En la mayoría de países de Europa la película se estrenó sin censura. Ahora sí que El corazón del ángel estaba lista para su estreno.
Éste tuvo lugar el 6 de marzo de 1987 y la película resultó un fracaso de taquilla. En los Estados Unidos recaudó sólo 17.185.632 de dólares. Pero el paso del tiempo ha convertido a la película en una obra de culto absoluto. Eso sí, la película tuvo éxito en aumentar la popularidad de Rourke. Adrian Lyne llegó a decir "Si Mickey hubiera muerto después de El corazón del ángel, habría sido más grande que James Dean." No era para menos, el actor estaba en la cúspide de su carrera, después vendría el descenso a los infiernos.

VALORACIÓN
El corazón del ángel funciona a dos niveles, como relato de detectives resulta intrigante y entretenido, y como historia sobrenatural es siempre fascinante y atmosférica. La película pasa de un género a otro con absoluta fluidez, sin resultar ese cambio nunca forzado. El carácter fantástico del relato poco a poco se va apoderando de la película y explota en la confesión que Ethan Krusemark le hace a Harry. En ese momento, la realidad en la que vive Harry Angel se desmorona, todo lo que creía cierto, no lo es, incluso lo que sabe sobre si mismo. El detective cae directamente en el infierno, en el que él mismo ha creado. Pero en este infierno no hay ríos de fuego y azufre, ni está lleno de demonios, sólo hay calles oscuras, pecados y muerte. Es el infierno en la tierra.
Harry cae en una espiral de locura que le supera. Los últimos 10 minutos de película son todo un tour de force para el espectador y el propio Harry, donde se incluye uno de los mayores giros argumentales de la historia del cine. No sólo se nos revela que Harry Angel es Johnny Favorite (y que de paso se acostó con su propia hija y que es el responsable de todas las muertes de la película) y de postre descubrimos que Louis Cyphre es el Diablo. Todo esto puede hacerle explotar la cabeza a cualquiera.
Hay pistas a lo largo del relato que nos revelan su final sorpresa, como Cyphre soltándole a Harry en su primer encuentro que cree haberle visto antes, el hecho que Harry y Favorite pertenecieran al ejército y ambos fueran heridos en servicio, Cyphre ofreciéndole un huevo a Harry (el cual simboliza el alma) y devorándolo después o Margaret Krusemark preguntándole al detective privado si canta.
En un segundo visionado la película no pierde ni un ápice de su interés, ya que aún sabiendo su giro final, la vemos de otra forma, desde otro punto de vista y apreciamos sus matices y su genialidad.
Todos los actores están fantásticos. Lisa Bonet sorprende con su madurez. De Niro resulta aterrador hasta comiendo un huevo y cuando quiere, dota al personaje de un macabro sentido del humor, como cuando le reprocha a Harry que diga tacos en una iglesia. El protagonista de El cabo del miedo compone al mejor diablo jamás visto en una pantalla de cine.
Pero es Rourke quien carga con el peso de la película sobre sus hombros, el protagonista de Manhattan Sur está fantástico, realizando uno de los mejores trabajos de su carrera. Éste es el mejor Rourke, la mejor versión de si mismo, el que era la nueva gran promesa del cine, que podría haber sido uno de los más grandes y fue simplemente grande. Brilla de forma espectacular en las escenas finales de la película, cuando su personaje comienza a revelar el misterio y se encuentra sobrepasado por los acontecimientos. Rourke nunca ha estado mejor.
Hay cosas que resultan efectistas como esa imagen final del hijo de Epiphany con los ojos demoníacos, por cierto, ¿qué hace el niño en la habitación? O esa imagen de la habitación llenándose de sangre mientras Harry y Epiphany tienen sexo, aunque podría excusarse, ya que viene a indicar que esa escena termina de forma sangrienta para ella, además Parker siempre intenta que queden difusas la líneas entre realidad y pesadilla. O tal vez la gran pregunta, ¿por qué el diablo juega con Harry sabiendo que es Johnny Favorite en todo momento? ¿Sólo mueve los hilos para eliminar a todo aquel que le ayudó a Harry en su plan de escapar de su pacto? ¿No es un poco enrevesado? Tal vez los caminos del demonio también son inescrutables.
Somos espectadores del viaje al infierno de este Fausto convertido en detective privado, desde la fría Nueva York a la calurosa Nueva Orleans (ciudades que muestran a la perfección el viaje al infierno del protagonista). A Harry Angel lo persiguen los pecados de su pasado y termina pagando por ellos.
También podemos ver la película como un estudio de la identidad, ¿cuánto nos conocemos a nosotros mismos? Harry Angel no busca sólo a Johnny Favorite, se busca a si mismo y al final descubre la oscuridad que reside en su alma.
Parker nos muestra un mundo en el que cualquiera vende su alma al demonio, ocurre detrás de cada esquina (como esa mujer degollada con la que abre la película o el hombre que se suicidó en la iglesia de Harlem). Es una visión del mundo desoladora y amoral. Pero sobre todo, El corazón del ángel es un ejercicio de estilo por parte de Parker, donde demuestra una vez más su poder con la cámara. El uso del montaje es fantástico (esos flashbacks a cada paso son más largos que revelan el verdadero pasado de Angel) y la fotografía monocromática le sienta como anillo al dedo a la historia. En definitiva, la película es la definición de la palabra atmosférico.
Parece que Alan Parker haya firmado un pacto con el diablo, ya que su película resulta a cada día más fascinante y cada vez es mejor apreciada por el público. Estamos ante una obra de culto, toda una joya de los ochenta, una joya oscura.

CURIOSIDADES
La interpretación de Robert De Niro se inspira en Martin Scorsese.
Fue la última de las siete películas que hicieron juntos los dos Alans (Alan Marshall y Alan Parker). Las otras fueron Bugsy Malone, nieto de Al Capone (1976), El expreso de medianoche (1978), Fama (1980), Después del amor (1982), Pink Floyd The Wall (1982) y Birdy (1984).
La fecha de nacimiento de Harry Angel es el 14 de febrero, la misma que la de Alan Parker, siendo además el día de San Valentín.
Las uñas de Loius Cyphre crecen a cada escena en la que aparece.
Durante los títulos de crédito finales vemos a Harry Angel bajando en un ascensor, que representa su descenso a los infiernos.


La canción "Girl of My Dreams" supuestamente de Johnny Favorite, es en realidad una canción de 1937 cantada por Kenny Sargent y Glen Gray and Casa Loma Orchestra. Parker la escogió después de escuchar cientos de canciones porque quería una canción de los 30, que fuera familiar sin que fuera reconocida a ningún artista en particular.
La secuencia de la celebración del fin de año en Times Square se rodó realmente en Nueva Orleans.
Vehículos de los 80 pueden ser vistos en el Nueva York de los 50.
Cuando Loius Cyphre echa sal a su huevo, Harry tira un poco sobre su hombro izquierdo, la superstición dice que esto ciega al diablo.
La frase "¡Qué terrible es la sabiduría cuando no trae ningún beneficio a los sabios!" es extraída del "Edipo Rey" de Sófocles.
En el primer encuentro entre Harry Angel y Margaret Krusemark, ella habla le pide a su doncella que les traiga té y después hablan brevemente en francés. Lo que le pregunta la doncella es, "¿Tengo que llevar las mejores tazas?" a lo que Krusemark responde, "No".
Como comentaba previamente, el cumpleaños de Johnny Favorite es el 14 de febrero, el mismo que el de Alan Parker. En la novela, es el 2 de junio, el mismo día que su autor William Hjortsberg.
Louis Cyphre lleva un anillo de estado de ánimo de color marrón, el cual representa la inquietud.
En un reportaje sobre la película de la revista Fangoria, se mostraba una fotografía del rodaje, que indicaba que se llegó a rodar la muerte de Herman Winesap, escena que se terminaría cortando. En ella se ve a Alan Parker al lado de un cuerpo decapitado de Winesap y rodeado de sangre. En la misma revista se mostraba otra escena eliminada en la que Harry tras asesinar a Toots ha escrito la palabra "Teloca" con sangre en la pared. Existen también imágenes de otras dos escenas, una que mostraría como Connie fue quemada viva y otra en la que a Epiphany le sucedió lo mismo.
Parker se trajo a Louis Falco, con quien había trabajado en Fama (1980), para coreografiase la ceremonia vudú de Lisa Bonet. En la escena también participó el cuerpo de baile del Dance Theater de Harlem.
Shirley Stoler fue inicialmente contratada para el papel de la mujer de Izzy, pero fue finalmente reemplazada por Judith Drake. Aún así la voz de Stoler puede escucharse cantando "I Cried For You".
El poema sobre Evangeline y su amante, sobre el que hay varias referencias a lo largo de la película es "Evangeline, A Tale of Acadie" de Henry Wadsworth Longfellow.
Antes de cada asesinato, Harry maneja un objeto relacionado con el crimen. El revolver que Fowler usa supuestamente para suicidarse, la daga con la que abren el pecho de Margaret, la navaja con la que matan a Toots Suite, el detective tira un cangrejo en la olla donde es ahogado Ethan Krusemark y su propia arma se utiliza para matar a Epiphany.
El verdadero apellido de Johnny Favorite es Liebling, que en alemán se puede traducir como "encanto", "querido" o "ángel" y su segundo significado es "favorito" (favorite).
La película recibió tres nominaciones a los premios Saturn, en las categorías de mejor actor secundario (Robert De Niro), mejor actriz secundaria (Lisa Bonet) y mejor guión (Alan Parker).
Cuando el productor Alan Marshall contactó por primera vez con Robert De Niro por teléfono, para que aceptara el papel en la película, el actor le preguntó, "¿Eres el tipo que produjo Birdy?" Cuando Marshall le contestó que lo era, De Niro se mostró de inmediato muy interesado.

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