Tuesday, May 01, 2018

La historia interminable

"¡Hija de la Luna!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Bastian comienza a leer un libro titulado "La historia interminable", el cual tiene lugar en Fantasía y narra las aventuras de Atreyu, quien debe encontrar la cura de la Emperatriz Infantil. Aunque Bastian no lo sabe, las aventuras de Atreyu serán las suyas propias.

EL GUIÓN INTERMINABLE
El alemán Michael Ende publicó en 1979 su popular y genial novela de fantasía "La historia interminable", la cual se convirtió en todo un best-seller, siendo traducida a más de 36 idiomas y con más de 17 millones de ejemplares vendidos. En mayo de 1980, el productor Dieter Geissler (Jaque al asesino) se hizo con los derechos cinematográficos, pagándole a Ende 150.000 marcos alemanes (aproximadamente 50.000 dólares). En el acuerdo se establecía que Ende sería un asesor de la producción.
El primer director asignado al proyecto fue Hans W. Geissendörfer, quien terminó dejándolo tras trabajar un tiempo en el guión. Geissler se lo ofreció entonces a su ayudante Christian Schneider, quien al igual que Geissendörfer, pronto abandonó la producción.
Tras esos intentos frustrados de adaptación y dándose cuenta de su magnitud y coste, Geissler revendió los derechos al productor Bernd Eichinger (El nombre de la rosa), quien bajo su productora Neue Constantin Film, llevó adelante el proyecto, convirtiéndolo en toda una superproducción. Aún así, Geissler mantuvo su crédito como productor de la película.
El proyecto pasó al director Helmut Dietl (Schtonk), quien escribió el guión con Ende y que juntos terminaron en la primavera de 1982. El libreto era del gusto del escritor, pero no fue suficiente para sacar el proyecto adelante, ya que Dietl terminó apeándose del mismo.
Tras la salida de Dietl, tuvieron que buscar un reemplazo y la película cayó en las manos de Wolfgang Petersen (Enemigo mío), quien por fin conseguiría sacarla adelante. "Estaba buscando algo ligero, cálido y positivo después de tres años de trabajo en Das boot," recordaba Petersen. "Me puse muy contento cuando me dieron esa novela. Me gustó mucho. Era exactamente el material adecuado para mí en aquel momento." Además el director quería hacer algo que pudiera gustar a su hijo de 12 años.
Petersen intentó escribir el guión con Ende, pero pronto empezaron los problemas. Petersen viajó varias veces a Roma, donde vivía el escritor, para trabajar con él en diferentes ideas para el libreto, pero después de un tiempo, el director se dio cuenta de que no podían trabajar juntos. Convertir el libro en película no era una tarea sencilla, ya que según Petersen, "tienes que hacerlo más internacional, para una audiencia mundial. Es algo grande y caro de hacer. Tienes que simplificar cosas y cortar personajes. Además el estilo no podía ser demasiado oscuro. Necesitas un gran público. No era una película de Disney, pero quisimos ir en esa dirección de un gran entretenimiento familiar. A Michael Ende no le gustó la idea."
Al final Petersen dejó a un lado el guión escrito con Ende y elaboró uno nuevo con la ayuda de Herman Weigel, sin el conocimiento de Ende. Se tomó la decisión más importante a la hora de adaptar el libro, rodar sólo su primera mitad. "Si hubiera hecho todo el libro, no habría tenido una película porque es demasiado," admitía Petersen. "El gran error de Dune fue que trataron de hacer todo en una única película y es tan confuso que ya no es una auténtica historia. Es tan complejo que no entiendes lo que está pasando. Ese habría sido exactamente error con "La historia interminable" porque suceden muchas cosas en ese libro. Hay una ruptura natural. Ese momento cuando Bastian vuela hacia su propia Fantasía es exactamente la mitad del libro. En la segunda parte, seguimos las aventuras de Bastian en su creación de Fantasía."
Para hacer los últimos retoques en el guión contrataron al script doctor John Hill (Un vaquero sin rumbo).
Los desacuerdos entre Ende y los productores, llegaron a su fin en marzo de 1983, cuando el escritor leyó una copia del nuevo guión, que le decepcionó absolutamente, según él lo habían convertido en un "cómic de fantasía", en una historia comercial de estilo americano. Ende se desentendió definitivamente del proyecto e incluso quiso evitar que rodasen la película mediante una demanda, algo imposible a esas alturas de la producción, y los productores amenazaron con hacerle pagar una gran suma por las posibles perdidas ocasionadas, por lo que el escritor finalmente se echó atrás.
Y fueron muchos los cambios respecto al libro. En la película Bastian no es el chico gordito del libro. Todo lo que sucede en la película antes de la entrada de Bastian en la librería del señor Coreander, no existe en el libro. En la película, se eliminaron los personajes de Blubb el fuego fatuo y el de Ygrámul el múltiple (un enjambre que adopta la forma de una araña). En el libro, Carion es un centauro negro, mientras que en la película tiene forma humana. Este personaje en el libro, va en busca de Atreyu para encomendarle la misión de encontrar la cura para la Emperatriz Infantil, en la película es Atreyu quien viaja hasta a "Torre de Marfil" para ello. Ártax puede hablar en el libro. En la película, se omitió la escena de los troles de la corteza. En el libro, es Morla quien le dice a Atreyu que su misión es darle un nuevo nombre a la Emperatriz Infantil. En la película, Fújur aparece por primera vez para salvar a Atreyu en el "Pantano de la tristeza", en el libro es Atreyu quien encuentra la dragón atrapado en una telaraña de Ygrámul el múltiple. El "Oráculo del sur" es una voz que se comunica mediante rimas en el libro, y en la película son dos esfinges de color azul. En la película, no se muestra la batalla entre los cuatro gigantes de los vientos. En la película, se omitió toda la trama de la búsqueda del Viejo de la Montaña Errante por parte de la Emperatriz Infantil. La escena de Bastian montado en Fujúr en el mundo real y dando un susto de muerte a los matones, no aparece en el libro. Y el reencuentro y reconciliación entre Bastian y su padre del libro, es descartado en la película.
Viendo la magnitud de la película y pese a ser una producción alemana, decidieron rodarla en inglés para poder llegar a un mayor número de mercados. Y eso que la novela no había sido un éxito en Estados Unidos.
El presupuesto de la película ascendió a 60 millones de marcos alemanes (al cambio, 27 millones de dólares de la época) y se convirtió, por aquel entonces, en la película más cara de la historia de Alemania (y en la más cara jamás producida fuera de Estados Unidos y de la Unión Soviética). La película fue financiada por varias productoras alemanas (entre ellas Dieter Geissler Filmproduktion, Neue Constantin Film y Bavaria Studios) y por la Warner Bros., que puso un tercio de su presupuesto.
Para el papel de Bastian contrataron al por aquel entonces ascendente Barret Oliver (Cocoon), quien consiguió el papel frente a otros 200 aspirantes. Y eso que en otoño de 1982, en su primera audición, fue inicialmente rechazado por parecer demasiado joven. En marzo de 1983, lo llamaron para hacer una nueva prueba con Petersen, y a la segunda fue la vencida.
Noah Hathaway, de tan solo 12 años, consiguió el papel de Atreyu gracias a su madre, quien vio el anuncio para el casting de la película en un periódico, aunque no se mencionaba el título de la misma. Sus padres hablaron con el agente del joven actor e hicieron una cinta de vídeo con su prueba, la cual enviaron a Alemania. Y surgió efecto, Hathaway fue llamado para que volará a Munich para realizar una prueba de pantalla, un paso previo a conseguir el papel.
El tercer personaje principal de la película, el de la Emperatriz Infantil, recayó en la iraní Tami Stronach, en su debut como actriz. Stronach llegó a la producción por casualidad, mientras tomaba clases de actuación en San Francisco, una de las agentes de casting de la película era amiga de su profesora y tras verla en una de las clases, le ofreció que se presentara al casting. Sólo tenía 10 años cuando hizo la prueba para el papel y 11 cuando rodó la película.
El resto del reparto se compuso por Gerald McRaney (como el padre de Bastian), Deep Roy (en el papel de Teeny Weeny), Moses Gunn (quien interpretó a Cairon), Thomas Hill (como Carl Conrad Coreander, el dueño de la librería), Sydney Bromley y Patricia Hayes (dando vida a los gnomos Engywook y Urgl) y Alan Oppenheimer (quien puso voz a Fujur, Comepiedras, Gmork y al narrador).

CREANDO FANTASÍA
La fotografía principal comenzó el 14 de marzo de 1983, terminando en noviembre del mismo año. Se rodó principalmente en los Bavaria Studios de Munich (Alemania), donde se construyeron todos los decorados de la película. Las escenas correspondientes a Bastian se rodaron en Vancouver (Canadá), salvo las del ático del colegio que tuvieron lugar en estudio. Y en Almería (España) se rodaron dos secuencias, la de Atreyu siendo arrastrado hasta una playa, que se filmó en la Playa de Mónsul y la de Atreyu montando a su caballo se rodó en el Desierto de Tabernas.
Fue un rodaje largo y muy complejo. Sólo la escena de "Los pantanos de la tristeza" requirió de un mes para rodarse, el mismo tiempo que la del encuentro de Atreyu y la tortuga Morla. Que el rodaje tuviera lugar durante el verano más caluroso en Alemania en 25 años, no ayudó a la producción, de hecho, una de las estatuas de la Torre de Marfil se llegó a derretir. Y en el lado opuesto, el frío causó otros contratiempos, por ejemplo, las puertas del estudio debían permanecer cerradas para que las bajas temperaturas no causaran daños a los fondos azules usados para los matte paintings, en una ocasión, antes que hubiera empezado el rodaje, dejaron las puertas abiertas y se formó un enorme agujero en uno de los fondos.
Primero se rodaron la escenas con Noah Hathaway y después las de Barret Oliver, quienes prácticamente no coincidieron en el rodaje.
Para rodar la escena de "Los pantanos de la tristeza" tuvieron que entrenar a los dos caballos que utilizaron para la escena durante siete semanas, para evitar que tuvieran miedo a la hora de hundirlos en el barro. Cuando completaron la escena después de un mes de rodaje, todo el equipo lo celebró enzarzándose en una enorme lucha en el barro.
El personaje de Atreyu es de color verde en el libro y ese era el diseño original del personaje en la película. Antes de empezar a rodar hicieron una prueba con Noah Hathaway y lo pintaron de verde, pero tal y como el actor recordaba se descartó porque, "no funcionó. No era creíble. ¡Parecía un hongo!" 
Antes de empezar el rodaje, Hathaway entrenó para montar a caballo y dar el pego como un experto jinete. En una de esas sesiones, el caballo cayó encima del actor provocándole la rotura de un par de vertebras. Hathaway se pasó 2 meses en un hospital y terminó con varios tornillos de titanio en su espalda. Tal vez, para compensarle le regalaron a Artax al acabar el rodaje, pero dado los costes de su transporte, la consabida cuarentena y la esterilización del animal, tuvo que dejarlo en Alemania.
No fue el único momento en el que Hathaway lo pasó mal durante la producción. Rodando la escena del "Los pantanos de la tristeza" su pierna se quedó atrapada en un elevador y fue arrastrado bajo el agua, el actor estaba sin conocimiento cuando lo sacaron a la superficie. Además, durante su pelea con Gmork, una de las garras de la bestia le golpeó en la cara con tanta fuerza que lo tiró al suelo. Al final decidieron rodar sólo una toma, por miedo a que se hiciera daño.
Y si no hubiera tenido percances suficientes, Hathaway también tuvo problemas con los productores. "No terminaron de pagarme mi sueldo," recordaba amargamente el actor. "Estaba en un país extranjero, así que estaba bastante jodido sin la SAG vigilando mi espalda. Me negué a hacer la segunda parte. Querían que renunciara a mis derechos y a todo lo que me debían, pero no quería hacerlo."
Para Hathaway el rodaje no fue de lo más placentero, pero tampoco se lo puso fácil al director. Según Petersen el actor tenía un problema de actitud, el cual venía por parte de sus padres, "hacían muchas demandas y estaban tratando esencialmente de chantajear a la producción," declaró el director. Incluso Brian Johnson dijo que el actor, "era un grano en el culo". Por el contrario Petersen se llevó de maravilla con Oliver (todo el mundo lo cubrió de alabanzas) y Stronach.
Trabajar con niños no es fácil. Por ejemplo, a Stronach se le cayeron dos dientes de leche durante el rodaje, por lo que tuvieron que crearle unas prótesis dentales. Pero después comenzaron a salirle los nuevos dientes, por eso su dentadura es diferente en la primera escena en la que aparece que en la segunda.
Brian Johnson (El Imperio contraataca) fue contratado como director de efectos especiales porque en Alemania tenían poca experiencia con efectos especiales prácticos y necesitaban a una persona con su veteranía. Johnson estuvo dos años trabajando en la película y tuvo a su cargo a un equipo de 30 técnicos, todos británicos. Además dirigió todo el material aéreo y las secuencias de vuelo.
La ILM se encargó de los compuestos ópticos y de parte de los matte painting. Y el resto del mattes fueron subcontratados al gran Jim Danforth de "Effects Associates".
Para dar cabida a una producción con efectos especiales tan complejos se tuvieron que gastar 6 millones de marcos en modernizar los Bavaria Studios. Johnson mandó construir una enorme pantalla azul, una de las más grandes del mundo, para algunas tomas de efectos visuales.
El mayor reto para Johnson fue representar la nada, ya que no era más que una fuerza invisible. Para mostrar su poder construyeron decorados que podía girar 90º, tanto a tamaño real como en miniaturas y a los cuales estaban ancladas las cámaras. De esa forma cuando Atreyu está agarrado a un árbol y parece estar arrastrado por el aire, en realidad estaba colgado boca abajo. Y para aumentar la ilusión, el equipo dejaba caer cosas delante de la cámara. Los cámaras por su parte, estaban sujetos con cinturones de seguridad.
Y el otro gran reto fue dar vida a Fújur, el famoso dragón de la película. Se usaron dos modelos del dragón diferentes. Uno medía sólo 40 centímetros de longitud y necesitaron de 6 meses para crearlo. Este modelo se utilizó sólo para las escenas de vuelo. El segundo modelo, construido por Guiseppe Tortura, medía más de 15 metros de largo, contaba con una cabeza que pesaba 100 kilos y su piel contenía sobre 10.000 escamas y 100 kilos de lana de angora. "Tenía que hablar, así que manipulamos la boca para conseguir gran variedad de expresiones de él," explicaba Johnson. "El movimiento de los ojos y de ciertas partes de ella????? fueron controladas por radio y el resto fue hecho con cables. El dragón podría hacer de todo desde sonreír, gruñir, jadear y soplar, a llorar." Ocultos bajo el suelo estaban los cerca de 20 titiriteros que movían al dragón, "uno era el responsable de la nariz, otro de los ojos y otro de la boca," recordaba Petersen. La cara del dragón fue creada por Colin Arthur, quien tuvo, "libertad absoluta para interpretar las ilustraciones e ideas del libro de Michael Ende como creí conveniente," declaró el artista.
Por limitaciones presupuestarias, dos grandes escenas escritas en el guión y pertenecientes al libro, no llegaron a filmarse. La primera era la introducción original de Fújur, el cual era rescatado por Atreyu de Ygrámul el múltiple. Y era originalmente en esta escena, donde los personajes de Fantasía oían el grito de Bastian. Se cambió, siendo el dragón quien rescata a Atreyu en el "Pantano de la tristeza" y el grito de Bastian pasó a la escena de Morla.
La segunda escena eliminada fue el encuentro de Atreyu y Fújur con los cuatro gigantes de los vientos. En la película se cambió, para dar paso a la escena en la que la nada hace que Atreyu se caiga de Fújur y acabe en la playa.
Petersen se acercó a su amigo Steven Spielberg y le consultó si podía mostrarle la película antes de su estreno en los Estados Unidos, para que le diera su opinión sobre si ésta necesitaba un ritmo diferente para el público americano. "Así que él la vio y dijo que tenía algunas sugerencias realmente interesantes para algunos recortes," recordaba Petersen. "Para darle un poco más de ritmo y de rapidez."
Siguiendo las indicaciones de Spielberg, se hizo un nuevo montaje para la que sería la versión internacional, la cual resultó ser 7 minutos más corta que la alemana. "Eran pequeños fragmentos, partes y piezas aquí y allá," explicaba Petersen. "Nada mayor. Nada como 'cortar toda la secuencia'. Era simplemente un clase de pulido. Un tema de ritmo, unos pocos segundos aquí, unas pocas cosas allá."
Los principales cambios se encuentran durante los título de crédito iniciales (sobre un fondo negro en la alemana y con imágenes de Fantasía en la internacional), el desayuno de Bastian con su padre (unos 50 segundos más largo en la versión alemana) y la escena en la que Bastian sube al desván del colegio (en la versión alemana el niño primero revisa de forma más concienzuda el lugar y después hace acto de presencia el jardinero del colegio, quien carga con un montón de madera y cae al suelo al tropezar con una colchoneta, una vez se marcha, el niño se sienta en la colchoneta para leer el libro).
Como agradecimiento a Spielberg, Petersen le regaló el auryn original utilizado en la película. El cual Spielberg aún conserva a día de hoy en su oficina.
El montaje no fue el único cambio de la película para su versión internacional, la música también sufrió modificaciones. La versión alemana sólo contó con la (excelente) partitura orquestal compuesta por Klaus Doldinger, mientras que para la internacional se contrató a Giorgio Moroder para darle un toque más pop a la misma, siendo el resultado final, una banda sonora instrumental con arreglos electrónicos. Además en la versión internacional se incluyó la mítica canción "The Neverending Story" compuesta por Moroder (música) y Keith Forsey (letras), la cual fue cantada por Limahl y que ha quedado unida para siempre a la película. La canción fue todo un éxito, siendo número 1 en países como España, Noruega y Suecia.
Ende vio la película unos días antes de su estreno y sólo gracias a un veredicto judicial. "Estaba horrorizado," recordaba el escritor. "Habían cambiado todo el sentido de la historia. Fantasía reaparece sin la fuerza creativa de Bastian. Para mi esa era la esencia del libro." 
En abril de 1984, coincidiendo con el estreno de la película, Ende realizó una rueda de prensa para distanciarse de lo que llamó, "esa repugnante película" y pidió que retiraran su nombre de los créditos iniciales (sólo se le nombra al final de la película). El escritor también trató que el estudio cambiara el título de la película, algo a lo que se negaron.
Esa guerra abierta no le puso las cosas fáciles a la película, ni a sus responsables, pero aun así cuando se estrenó fue todo un éxito. La película debutó en las salas de cine el 6 de abril de 1984 en Alemania Occidental y fue un éxito apoteósico (5 millones de alemanes vieron la película y recaudó cerca de 20 millones de dólares en su país de origen). En los Estados Unidos debutó el 20 de julio de 1984 y recaudó unos correctos 20.158.808 de dólares. En España fue un éxito atronador. La recaudación final a nivel mundial ascendió a unos impresionantes 100 millones de dólares.
Warner Bros. tenía previsto que Supergirl (1984) fuera su blockbuster del verano, pero finalmente decidió no estrenarla (lo haría Tri-Star Pictures), y de pronto, La historia interminable se convirtió en su superproducción del verano. Pero la estrenaron una semana antes de que comenzaran los Juegos Olímpicos, que aquel año se celebraban en Los Ángeles, y esa fue una de las principales razones por las que no recaudó más dinero en América. "Las Olimpiadas mataron todo el negocio de la película," recordaba Petersen. Aunque el director también admitía que, "tal vez La historia interminable era demasiado dulce, demasiado europea para ellos. Igual también era un poco sofisticada. ¿Una película sobre un niño leyendo un libro? Tal vez no fuera tan perfecto para el temperamento americano."
Dado el éxito de la película se pensó en hacer una secuela. Pero Petersen nunca quiso formar parte de ella. Y pronto Dieter Geissler se vio en vuelto en una batalla legal con Michael Ende, quien presentó una demanda por incumplimiento de contrato, pero esa es otra historia...

VALORACIÓN
La historia interminable es una de las mejores películas infantiles del cine de los ochenta, y de paso una de las mejores películas de fantasía que jamás se hayan filmado. La desbordante imaginación que desprende hace que la nuestra se dispare con ella.
Como dice el librero, cuando lees una novela puedes convertirte en el Capitán Nemo, y ese mismo efecto causa esta película, ya que nos convertimos en Bastian y vivimos sus aventuras, y cuando acaba la película somos nosotros quienes gritamos a los cielos, "Hija de la Luna".
El juego entre la realidad y la fantasía está realmente bien conseguido, sobre todo por el paralelismo que se crea entre Bastian y Atreyu gracias a sencillos detalles, como la imagen de un indio grabado en la mochila de Bastian, a ambos personajes parando a comer al mismo tiempo, el grito del joven lector que se oye en Fantasía, y todo culmina en ese momento en que Atreyu ve a Bastian reflejado en el espejo, demostrando que en el fondo son el mismo personaje. Y es que es Bastian quien puede salvar a la Emperatriz y a toda Fantasía y no Atreyu, él es el joven guerrero, sólo que no lo sabe.
La película mantiene el espíritu de la novela de Ende, hablando sobre la fuerza infinita de la imaginación y la pasión por la lectura. Es cierto que es más comercial y realiza ciertos cambios respecto a la novela, pero la hace atractiva y cercana para el público más joven transmitiendo una serie de mensajes y valores que no deberían ser olvidados.
Nunca he visto la versión alemana, crecí con la internacional y está hecha con el material con el que se fabrican los sueños. Ya desde los títulos de crédito con las imágenes de la nada y con la canción de Limahl sonando, estoy dentro de la película.
Y después se suceden escenas que ya son parte de mi infancia, Atreyu enfrentándose a las esfinges del "Oráculo del sur", a Bastian escapando de los matones que le persiguen, la muerte de Artax en "Los pantanos de la tristeza", la introducción del Comepiedras en su bicicleta, Fújur al rescate de Atreyu, y la aparición de la tortuga Morla.
Lo genial de la película es que trata al publico juvenil como personas inteligentes, sin escatimarle momentos dramáticos (la muerte de Artax) o terroríficos (la aparición final de Gmork), estamos ante una producción infantil diferente, como las que ya no se hacen.
Vale que igual los tonos pop de la banda sonora hayan quedado un poco desfasados, pero para alguien crecido en los ochenta son como un viaje en el tiempo a aquella década. Y los efectos especiales (excelentes para la época) y el diseño de producción tienen un encanto especial, se nota el mimo puesto en ellos.
Petersen filma con su buena mano de siempre y poca pega se le puede poner, ya que creó una película inolvidable, consiguiendo que sea entretenido ver a un niño leer un libro, y eso no lo hace cualquiera. Y crea con la cámara momentos fantásticos, seguramente mi preferido es cuando la Emperatriz Infantil rompe la cuarta pared para decirle a Bastian (y a todos nosotros) que crea en la fantasía.
La película nos dice que no dejemos de creer y de soñar, que por mucho que crezcamos impidamos que "La nada" (la falta de imaginación) haga acto de presencia en nuestras vidas. Y para que viva la fantasía no debemos pedir miles de deseos, solamente es necesario ver esta maravilla que es La historia interminable.

CURIOSIDADES
Patricia Hayes, Sidney Bromley y Deep Roy fueron contratados por una sugerencia de Brian Johnson.
La película conoció dos secuelas, La historia interminable 2: El siguiente capítulo (1990) y La historia interminable III: Las aventuras de Bastian (1994). En la primera Jonathan Brandis dio vida a Bastian y en la segunda fue Jason James Richter
En los Deutscher Filmpreis (los Oscars de Alemania) ganó el premio al mejor diseño de producción (Rolf Zehetbauer). Fue su única nominación.
Ganó el premio Saturn a la mejor interpretación por un joven actor (Noah Hathaway). Y fue nominada en las categorías de mejor película de fantasía y mejor música (Klaus Doldinger y Giorgio Moroder).
Noah Hathaway sólo leyó el libro una vez había rodado la película, ya que por aquel entonces no estaba disponible en inglés.
Las imágenes de la nada se crearon vertiendo emulsiones de pintura en un tanque acrílico de agua.
El mundo de La historia interminable llamado en la novela original Phantásien, fue traducido al inglés en su versión literaria como Fantastica, mientras que en la película recibió el nombre de Fantasia.
Noah Hathaway fue uno de los protagonistas de la serie Galáctica, estrella de combate (1978-79). Barret Oliver participó en el episodio "Spaceball" de la serie Galáctica 1980 (1980), continuación de la anterior.
La voz del actor Deep Roy (Teeny Weeny) fue doblada.
Al igual que con Ende, Petersen también tuvo problemas con el escritor de la novela en la que se basaba Das boot a la hora de adaptarla.
Aunque no se llega a apreciar, el Duende Nocturno suelta un taco en la escena inicial cuando el Comerrocas aparece en su bicicleta.
En Bavaria Filmplatz, el parque temático de los Bavaria Studios en Munich, se puede montar al auténtico Fújur utilizado en la película.
Según los responsables de la película, las nubes de tormenta no son realmente "La nada", sólo indican su presencia, ya que "La nada" es una fuerza invisible.
Dos grupos tomaron su nombre de personajes creados por Michael Ende, el español Vestusta Morla (de la tortuga gigante) y la estadounidense Atreyu (del pequeño guerrero).

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Tuesday, April 03, 2018

Snatch

-"¿Algo que declarar?"
-"Sí, no vayas a Inglaterra."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de delincuentes de Londres tratan de conseguir un diamante, mientras sus caminos se van entrecruzando entre combates de boxeo, robos, asesinatos, apuestas ilegales y cerdos.

DIAMANTES
Tras el éxito de Lock and stock (1998), Guy Ritchie se lanzó a la dirección de su segunda película, la cual se encontraría en las mismas coordenadas cinematográficas que su ópera prima. "Hice la segunda película porque tenía tantas historias mientras hice la primera, que pensé que habría sido un crimen no aprovecharse de eso," declaraba Ritchie. Y es que el director tenía un gran interés en realizar, "una película en la misma línea. Por esa razón, y para un director que quiere consolidarse y hacer su siguiente película con estrellas más grandes, era el siguiente paso a dar."  
Con un guión propio de Ritchie, el cual le llevó sólo 3 meses escribirlo, nació Snatch (Snatch, 2000), conocida originalmente como "Diamonds".
La película contó con un presupuesto mayor que Lock and Stock (6 millones de libras frente a las 960.000 de aquella). Y SKA Films (productora de Guy Ritchie y Matthew Vaughn) y Columbia Pictures serían las encargadas de financiar la película. Siendo Vaughn el productor asignado a la misma.
Tiene tanto en común con su primera película que el director admitió que, "en un punto, estuve cerca de usar el reparto completo de Lock and stock otra vez." Aunque al final dio cabida a nuevos (e internacionales) actores, pese a que no fue fácil reunirlos. "Nos llevó mucho tiempo encontrar las caras correctas, tuvimos que ver a cientos," declaraba Vaughn. Y el tiempo mereció la pena porque reunieron un reparto fantástico.
Para el papel del Turco, Ritchie volvió a contar con su amigo Jason Statham, tras trabajar juntos en Lock and stock. El actor cobró un cheque de 15.000 libras por su participación en la película. Inicialmente era un pequeño papel, pero durante el proceso de producción fue teniendo más protagonismo y durante la post-producción se convirtió en el narrador de la película.
El papel de Mickey O'Neil estaba previsto que lo interpretase Vinnie Jones, pero terminaría recayendo en Brad Pitt. El protagonista de Doce monos contactó con Ritchie después de ver Lock and Stock, y le dijo que quería participar en su siguiente película, así se hizo con el papel de Mickey. El actor era muy diferente al personaje grande, gordo y de aspecto griego que Ritchie había escrito, pero según éste, "funcionó mágicamente porque era realmente lo opuesto." Fue idea del actor el lenguaje incomprensible de Mickey, el cual tomó del personaje de Benicio Del Toro en Sospechosos habituales. "Estaba a 3 días de empezar con esto y entré en pánico. No podía imaginar lo que suponía debía hacer y lo saqué de Benicio. [...] Fue el primero que hizo bien el ser incomprensible y así, pidiéndoselo prestado, sí que salió adelante y funcionó para nosotros," recordaba Pitt. Y según contaba Statham, para prepararse para el papel el actor fue a campamentos de gitanos y pasó tiempo con ellos para saber como vivían.
Y hablando de Benicio Del Toro, el puertorriqueño sería quien daría vida a Franky Cuatro-Dedos. El actor sólo trabajó en la película durante dos semanas.
El papel de Brick Top se le ofreció originalmente a Sean Connery. Al actor escocés le gustó el guión y tuvo interés en ver Lock and stock, por lo que Vaughn arregló una proyección para el actor. Tras ver la película, Connery dijo que le gustaba, pero soltó un, "no vais a poder pagarme," y así rechazó participar en Snatch. Dave Courtney también rechazó el papel y terminaron contratando a Alan Ford.
El papel de Avi le fue ofrecido a Dennis Farina, cuando el actor recibió el guión vio de nuevo Lock and stock y de inmediato aceptó el papel.
Ade, quien iba a ser uno de los guardas de seguridad de la producción, fue convencido por Ritchie para que asumiera el papel de Tyrone, siendo su debut en el cine.
El resto de actores de extenso reparto lo componen, Vinnie Jones (Tony), Rade Serbedzija (Boris el navaja), Mike Reid (Doug el cerebro), Robbie Gee (Vinny), Lennie James (Sol), Ewen Bremner (Mullet), Jason Flemyng (Darren), William Beck (Neil) y Andy Beckwith (Errol).

RODAJE
El rodaje comenzó el 18 de octubre de 1999 y terminó el 12 de diciembre del mismo año, teniendo lugar en diferentes localizaciones de Londres. Sólo se alejaron un poco para rodar las escenas de la casa de Boris, las cuales tuvieron lugar en Perivale, a las afueras de Londres. Por su parte, las escenas de interior se rodaron los Pinewood Studios.
Las diferencias entre americanos e ingleses produjo problemas de entendimiento durante el rodaje, ya que aunque compartan un mismo idioma, existen diferencias entre ambos. "No tenía ni idea de lo que estaban diciendo," admitía Farina. Aun así, reinó un gran ambiente durante la filmación entre todos los implicados.
Tanto es así, que Ritchie impuso una serie de multas de broma en el set para que reinase el buen ambiente y el orden. Había multas desde por llegar tarde, por ser aburrido, por tomar una siesta en el set y hasta por quejarse. "Me multaron con 50 libras porque mi móvil sonó, aunque no estaba trabajando en ese momento," comentaba Statham.
El único que realmente causó problemas fue el  perro. "Estaba loco," declaraba Dennis Farina. En la escena en la que Avi y Tony van a por el diamante a la tienda de Vincent y Sol, el perro atacó realmente a los actores, pero Ritchie decidió seguir rodando. En otra escena, aquella en la que el perro se vuelve loco dentro del coche con Vincent, Sol y Tyrone, mordió en la entrepierna a Lennie James, aunque no le causó ninguna lesión grave. Después de esa escena fue reemplazado por otro perro.
Y no fue el único percance que sufrió Lennie James, el actor se golpeó a si mismo en la entrepierna con una escopeta en la escena del atraco a la casa de apuestas, cuando trata de hacer un agujero en la pared, pero el actor continuó la escena como si nada. Ese momento se mantuvo en el montaje final de la película.
Originalmente Snatch no tenía un verdadero final. "Lo estaba forzando y forzando, y entonces decidí dejarlo pasar y remediarlo cuando estuviera editando," contaba el director. Ritchie necesito dos días para rodar nuevas tomas y así darle un final adecuado a la historia.
Ritchie dejó el montaje de la película en manos de su editor y éste creo una primera versión de tres horas, el cual no gustó al director. "No me pareció entretenido en lo más mínimo," declaraba Ritchie. El director despidió al montador y dos semanas después contrató a Jon Harris (Kingsman: Servicio secreto) que fue recortando la película. "Seguía tratando de mantener [todas las historias] allí, pero la película me obligaba a deshacerme de ellas," admitía el director, así la película terminó con una duración de una hora y cuarenta y cuatro minutos. Según Ritchie, "cuanto más rápida se convirtía, mejor era."
La banda sonora es uno de los puntos fuertes de la película y está llena de grandes temas como, "Golden Brown" de The Stranglers, "Angel" de Massive Attack o "Fuckin' in the Bushe" de Oasis. Y uno de ellos es "Lucky Star" de Madonna, pareja de Ritchie por aquel entonces. Inicialmente el director quería usar "Rivers of Babylon" de Boney M., pero le pidieron una gran cantidad de dinero por ella, y al final escogió ese tema de Madonna. Ritchie admitió que terminó pagando el doble por "Lucky Star" de lo que hubiera pagado por "Rivers of Babylon", nada menos que 1 millón de dólares.
La Columbia tuvo problemas con el título de la película, que puede traducirse como coño. El co-vicepresidente de la 'Columbia TriStar Motion Picture Group' declaró que, "tuvimos un debate muy serio sobre si cambiarlo por "Snatched" por miedo a la vulgaridad." Al final prevaleció el título original ante la negativa de Ritchie a cambiarlo.
Antes de su estreno, la película fue investigada por la "Sociedad Real para la Prevención de la Crueldad contra los Animales" (RSPCA), ya que sospechaban que varios perros y liebres habían sido maltratados durante el rodaje. Y en el caso de las liebres, creían que varias habían muerto atacadas por perros al rodar la escena de la cacería. Sin la aprobación de la RSPCA la película no podía ser estrenada, por lo que los productores tuvieron que demostrar ante una comisión de censura que ningún animal fuera maltratado durante el rodaje, pero al no haber pruebas de dicho maltrato todo el asunto quedó cerrado y la película pudo estrenarse en cines.
Pero no fue el único problema legal en el que se vio envuelta Snatch, sólo unas semanas después, los escritores Cass Pennant y Neil Bowers demandaron a Ritchie, Vaughn y su productora SKA Films, porque según ellos aportaron la inspiración para el personaje de Mickey y habían utilizado una historia sobre peleas ilegales ideado por ellos. Consideraban insuficientes las 2.000 libras que recibieron como asesores de la película (cuyo trabajo al parecer, no había sido tenido en cuenta por la producción) y reclamaron un pago de 50.000 libras. 
La première de la película tuvo lugar en Reino Unido el 23 de agosto del 2000, para pasar a la distribución en salas el 1 de septiembre del mismo año. Recaudó en tierras británicas 12.137.698 de libras. Por su parte, el estreno en los Estados Unidos fue el 6 de diciembre del 2000 de forma limitada, para conocer una distribución masiva en salas el 19 de enero de 2001. En Norteamérica recaudó 30.328.156 de dólares. Siendo la recaudación final a nivel mundial de 83.557.872 de dólares. En resumidas cuentas, todo un éxito.

ESCENAS ELIMINADAS
En la versión en DVD se incluyen seis escenas cortadas del montaje final. Son las siguientes:
1. Turco y Tommy van a un pub para hablar con "El ladrillo". Aunque la escena le gustaba a Ritchie, decidió finalmente cortarla.


2. Sol, Vinny y Tyrone tratan que Franky Cuatro-Dedos abra su maletín, antes que Boris venga a recogerlo. Franky consigue abrirlo y coge de su interior el revolver que Boris le dio. Torpemente se cae de la silla en la que está sentado y cuando va a disparar a Tyrone, el revolver resulta no tener balas. Ritchie la eliminó porque según él no aportaba nada a la historia.


3. Errol y John hablan con Mullet para tratar de descubrir quien trató de robar en la casa de apuestas. Ritchie decidió eliminarla porque ralentizaba la película y fue sustituida por la escena del vídeo de seguridad que descubre a los responsables del atraco.


4. Tony y Avi van al pub de "El ladrillo" para reunirse con él. Errol les causa problemas y Tony tiene que desenvainar una espada para poner a los secuaces de "El ladrillo" a raya. Fue la primera escena que rodó Dennis Farina.


5. "El ladrillo" trata de venderle a Avi el diamante que le dieron Sol y Vinny. Después de examinarlo Avi se da cuanta que es falso y lo rompe tirándolo contra una pared. Por su parte, Sol y Vinny están atrapados en la oficina de "El ladrillo" y tratan de escapar. Y Tony y Errol tienen otro confrontamiento, que termina con el primero meando sobre el segundo.


6. Sol y Vinny van al campamento de gitanos para tratar de encontrar al perro, pero Mickey les dice que el perro no está allí.

VALORACIÓN
A finales de los 90, Guy Ritchie se inventó un género nuevo, al que sólo pertenecen tres películas, Lock and stock (1998), Snatch (2000) y RocknRolla (2008), y que podríamos denominar como "comedia coral criminal londinense". Y dentro de este universo particular es cuando mejor ha funcionado su cine, fuera de esas tres películas, el director nunca ha brillado de igual forma.
Ritchie es un director muy dotado visualmente, sólo hay que ver la pelea final de Mickey para darse cuenta de su gran dominio con la cámara. La película es un recital continuo de lo que es dirección, la cual bebe mucho del mundo del videoclip y de la publicidad. Sólo en los seis primeros minutos de película tenemos tres momentos que nos dejan con la boca abierta. La introducción de los atracadores disfrazados de judíos seguidos mediante cámaras de seguridad, el propio atraco en si (todo un chute de adrenalina) y la presentación de todos los personajes mediante encadenados mientras suena "Diamond" de Klint. Y es sólo el comienzo, porque después la película no decae ni un segundo. Y es que aquí Ritchie firmó su mejor trabajo como director.
Ritchie creó una película con las mismas coordenadas cinematográficas que Lock and stock, pero perfeccionando lo puesto en práctica en aquella (excelente) película.
Todas las escenas están siempre apoyadas por un gran uso del montaje, una seña de identidad del cine de Ritchie. Es toda una gozada ver como se construyen algunas escenas. Como ese genial momento en que se cuenta un accidente de coche desde tres puntos de vistas diferentes y entremezclados. O la explicación del Turco sobre las carreras de liebres contada en diferentes localizaciones, pero creando una narración continua.
Y no sólo la puesta es escena de Ritchie está llena de ideas originales e inventivas, es que además su guión no se queda atrás comparado con su trabajo detrás de las cámaras. El libreto está lleno de grandes frases y diálogos (como el monólogo de "El ladrillo" sobre como deshacerse de un cadáver). El director crea además personajes carismáticos, que están interpretados por actores carismáticos. Statham ya empezaba a entrever la estrella que llegaría a ser. Nadie como Farina podría soltar un, "Tengo acidez Tony, haz algo gordo," como él lo hace. Vinnie Jones nunca ha estado mejor como actor. Benicio del Toro sólo necesita unos minutos de pantalla para hacer memorable a su personaje. Alan Ford resulta odioso en cada una de sus odiosas apariciones. Y Brad Pitt se convierte en todo un robaescenas.
Por su parte, el apartado musical está la altura del resto de la película, con temas muy bien escogidos, que encajan como un guante con las imágenes a las que acompañan.
La película se sumaba a una nueva ola del cine que trataba de buscar caminos visuales y narrativos para contar una historia, del mismo modo que hicieron Reservoir dogs (1992) y Memento (2000).
Pero es la combinación de humor y violencia lo que hace especial a la película, pocas veces ambos elementos han encajado mejor en una pantalla de cine. Los momentos cómicos se suceden uno tras otro, haciendo que nos partamos de risa sin importar la brutalidad impregna a la película, ya sea a base de ese gag recurrente del perro haciendo los sonidos del muñeco que se tragó, el atraco frustrado de Vinny y Sol a la casa de apuestas, ver a Tyrone tratando de aparcar un coche o a Tony intentando matar repetidamente a Boris sin conseguirlo.
Una de las cosas que más me gustan de la película es que no tiene un verdadero final, siendo éste abierto y circular al mismo tiempo. Y otra es que es de lo más impredecible,  nadie ve venir que Mickey vaya a dejar ko al primer boxeador de "El ladrillo" con su primer puñetazo o que Avi mate sin querer a Tony. Además guarda otra gran idea, que todos los personajes de la película son negativos (hasta el perro), todos son delincuentes, no hay cabida en el mundo de Snatch para la gente buena.
Snatch ametralla al espectador con imágenes e ideas, haciendo que sus 104 minutos de duración pasen tan rápido como un combate de Mickey. Su mayor pretensión es hacer pasar al público un rato divertido mostrando los bajos fondos londinenses, algo que consigue con creces. Ritchie consolidó las bases de su cine y su universo cinematográfico con su segunda película. Aquí creó una obra salvajemente divertida e hilarantemente violenta, toda una genialidad, y es que Snatch es un diamante en bruto.

CURIOSIDADES
La palabra "fuck" es dicha 163 veces.
Prácticamente todas las muertes de la película tienen lugar fuera de cámara.
El body count de la película asciende a 26 muertos.
"Snatch" significa robo, pero también puede traducirse como coño, de modo que cuando la película se estrenó en Gran Bretaña los carteles indicaban: "Snatch opening wide this fall", lo que podría traducirse por "Coño abriéndose por todas partes este otoño".
Se puede ver un póster de The Warriors (1979) en una pared en la escena de la muerte de Tony.
La banda de hardcore "Cold War from Orange County, California" utiliza varias frases de la película en varias canciones de su disco "From Russia With Love".
El pub donde Tony es abordado por Sol, Vinny y Tyrone es el pub "The Winchester" de la película Shaun of the Dead (2004). 
Boris saca un cuchillo de carnicero de su cinturón, al igual que Soap en Lock and stock.
Guy Ritchie tiene un cameo, se le puede ver en la escena en la que se introduce a Doug el cerebro, es el hombre que está leyendo el periódico al fondo del bar.

Dado que el personaje de Mickey no es demasiado limpio, Brad Pitt decidió lavarse poco durante el rodaje.
El hombre al que Vinnie Jones golpea en la cabeza con la puerta de un coche es Tom Delmar, el coordinador de especialistas y director de las peleas de la película, quien se ofreció voluntario para la escena.
Franky Cuatro-Dedos cambia cuatro veces de vestuario mientras habla con Avi por teléfono.
Durante los títulos de crédito, los ladrones discuten sobre la Virgen María, esto es una referencia a la famosa conversación de Reservoir Dogs (1992) sobre el "Like a Virgin" de Madonna.
El director de fotografía de la película, Tim Maurice-Jones, tiene un cameo en la película, es el hombre que es golpeado varias veces en la cabeza por Franky Cuatro-Dedos en el atraco. En Lock and stock tuvo otro cameo, donde corría una suerte similar, era el hombre al que Barry ahoga al principio de la película.
Vinnie Jones trata de abrir al perro con un cuchillo para conseguir el diamante que se ha tragado y en 60 segundos (2000) trata de hacer lo mismo con un perro que se ha tragado la llaves de un coche.
La pelea entre Mickey y Bomber Harris, en la que el segundo golpea al primero antes que suene la campana, entonces Mickey observa la sangre en su guante y después deja K.O. a Harris de un puñetazo, es idéntica a otra que tuvo lugar entre los boxeadores Lenny "The Guv'nor" McClean y "Mad Gypsy" Bradshaw. McClean tuvo un papel en Lock and stock y murió en 1998.

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Saturday, March 03, 2018

Robot jox

"Choca y fulmina."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras la Tercera Guerra Mundial, las dos grandes potencias del mundo resuelven sus disputas mediante combates entre robots gigantes. Aquiles, el mejor luchador del Mercado, se ve implicado en un accidente durante un combate, que le cuesta la vida a cientos de personas. El luchador decide dejar de luchar, pero deberá volver al campo de batalla antes de lo esperado.


ROBOT VS ROBOT

"Soy un gran fan de los juguetes de Transformers, así como de Macross y otros animes de robots gigantes. Estuve esperando por una película japonesa en imagen real que fuera realizada ofreciendo este concepto asombroso, pero nunca sucedió. Así que decidí hacerla yo mismo," recordaba Stuart Gordon sobre el origen de Robot jox (Robot Jox, 1989).
El director tenía un contrato por tres películas con Empire Pictures (las dos primeras habían sido Re-Sonator y Dolls) y convenció a Charles Band, presidente de la misma, para financiar su película sobre mechas. Estaba claro que la película sería la mayor producción de la productora.
"La llamé "Robojox", jox viene de "fighterjox", una expresión popularizada en Top Gun," explicaba Gordon. "El argumento vino de "La Ilíada" de Homero [...] y se vuelve a contar la historia del gran guerrero Aquiles quien rechaza luchar, pero es forzado a salir al campo de batalla cuando su amante roba su armadura y es asesinado luchando en su lugar."
Lo primero que hicieron fue rodar la escena de apertura, la cual sería utilizada para tratar de vender el proyecto y conseguir así dinero para financiarlo. Para ello llamaron al experto en stop-motion, Dave Allen (El secreto de la pirámide, Nuestros maravillosos aliados). Tardaron seis meses en completar la escena y ésta quedó perfecta.
Ron Cobb (AlienEn busca del arca perdida) fue el encargado de diseñar a los robots gigantes que poblarían la película. "Queríamos una versión no japonesa de un robot transformer, que es muy, muy inteligente tecnológicamente hablando," declaraba el diseñador. "No íbamos a hacer que se convirtieran en semi-camiones o algo así, pero íbamos a tener que separarlos y operarlos en diferentes funciones y modos. [...] Estaba muy intrigado en diseñar las cabinas y como los movimientos interactivos del cuerpo eran traducidos por telemanipuladores al robot entero. Traté de pensar en una razón para la transformación. Si pudiera traducirse en diferentes modos de lucha, eso podría tener sentido." Y bajo esa premisa crearon los espectaculares mechas vistos en la película y dieron pie a sus transformaciones. Una vez Cobb tuvo que abandonar la producción debido a otros compromisos, Steve Burg continuó con su trabajo.
Se comenzaron a construir los decorados en los estudios que la Empire tenía en Roma. Allí se erigieron a escala real los pies gigantes de los robots y sus cabinas de control, obra del diseñador de producción Giovanni Natalucci.
En paralelo Gordon desarrollaba el guión, y aunque su colaborador habitual, el guionista Dennis Paoli escribió varios borradores, al final Gordon llamó al escritor Joe Haldeman, autor del clásico "La guerra interminable". Gordon le envió el tratamiento que había escrito, el cual Hadelman tomó como punto de partida. El escritor llegó a escribir hasta seis borradores del guión. Y aunque Hadelman tiene un buen recuerdo de trabajar con Gordon, su relación no fue todo lo buena que cabría desear y tuvieron varios enfrentamientos durante la realización de la película. "La mayoría tenía que ver con el tono de la película," explicaba Gordon. "Imaginé una audiencia de chicos de 10 años y Joe estaba escribiendo para una audiencia adulta. Mi esperanza ha sido siempre que ambas edades pudieran disfrutar la película." 
Por su parte Haldeman explicaba que, "trataba de transformar la ciencia en algo razonable, Stuart trataba de transformarla en material de dibujos de los sábados por la mañana. Trataba de hacer personajes creíbles y razonables, y Stuart seguía insistiendo en ofrecer clichés y caricaturas. Era especialmente molesto porque era una historia sobre soldados y yo era la única persona que había sido uno."
Tras entregar su guión, Handelman recibió un nuevo guión reescrito por otra persona, el escritor sorprendido y decepcionado por la calidad del mismo, escribió una carta a Gordon explicándole porque no debería utilizarlo. El escritor no supo nada más, hasta lo que lo llamaron en diciembre de 1986, diciéndole que estaba en lo cierto y que querían que él escribiese el guión final. Sólo unas semanas después Hadelman se encontraba en Roma trabajando en el guión, el cual escribió desde cero palabra por palabra.


RODAJE

En febrero de 1987 comenzó el rodaje en Roma, partiendo de un presupuesto de 10 millones de dólares, aunque Gordon siempre ha mantenido que fueron sólo 6.
Y una vez los robots estaban listos, faltaban los actores que los acompañarían dentro y fuera, y los papeles recayeron en Gary Graham (como el protagonista Aquiles), Anne-Marie Johnson (dando vida a Atenas), Paul Koslo (como Alexander, el villano de la función), Michael Alldredge (en el papel de Tex Conway), Robert Sampson (encargado de interpretar al Comisionado Jameson), Danny Kamekona (en la piel del Dr. Matsumoto), Hilary Mason (quien interpretó a la Profesora Laplace) y Jeffrey Combs (realizando un pequeño cameo como favor a Gordon).
Siguiendo con la leyenda de Aquiles, Atenas tenía que robar la armadura de Aquiles, por lo que ambos debían tener la misma altura, según sus curriculums Anne-Marie Johnson y Gary Graham medían 1,8 metros, pero cuando juntaron a los actores, ella era más alta, descubriéndose que Graham había mentido en su altura y medía realmente 1,78 metros. Después de aquello, el actor fue conocido en el rodaje como Gary "Shorty" Graham.
Ambos actores no hicieron buenas migas desde el principio. Durante una cena descubrieron que tenían creencias políticas diferentes, ella era de inclinación marcadamente liberal y él era un feroz conservador. Gordon creyó que ese odio ayudaría a sus primeras escenas, donde ambos personajes no se llevan bien. Graham y Johnson fueron auténticos profesionales y no dejaron que sus diferencias afectasen al rodaje.
Johnson, por su parte, tuvo que raparse el pelo para dar vida a su personaje y tuvo que entrenar con luchadores profesionales, ya que se encargó de realizar la mayoría de sus escenas de lucha y de riesgo.
La secuencia más difícil de rodar con los actores fue la "Sala de la sacudida", una prueba a la que son sometidos Atenas y el resto de probetas, en la que tienen que trepar por una estructura que vibra violentamente y entre otras lindezas, también da descargas. La estructura fue diseñada por Ron Cobb y según Gordon, "la secuencia era mortal y muy peligrosa, era una combinación de trabajo de especialistas y acción en vivo, con los actores haciéndolo ellos mismos. Fue una secuencia muy larga y difícil de filmar."
Una vez rodadas las escenas con los actores, tocaba el turno de las escenas de los robots. Allen decidió que era mejor rodar las batallas en el desierto de Mojave en lugar de en un estudio, como había hecho con la escena de apertura. Según él, la luz natural le daría a la cámara una gran profundidad de campo, haciendo que elementos pequeños estuvieran cerca de la cámara parecieran enormes y otros más alejados darían la impresión de ser pequeños, estando ambos siempre enfocados en el mismo plano.
Para los efectos stop-motion, los tamaños de los robots iban aproximadamente desde los 1,6 metros del más alto, a 45 centímetros del más pequeño.
Tras hacer unas pruebas de lo más satisfactorias en el techo de los estudios Empire, Allen y su equipo se desplazaron a Mojave. Pero rodar sus escenas no iba a ser tarea fácil, de hecho, de los tres meses previstos, terminaron tardando un año. Sucedió de todo, desde tormentas de arena, inundaciones, golpes de calor, roturas de cámaras o películas derretidas.
Y si los problemas no fueran suficientes, recibieron una carta de la productora Orion, que les amenazaba con demandarles si utilizaban el título de Robojox, ya que se parecía demasiado a RoboCop (1987), película que la productora acababa de estrenar. Al final decidieron modificar levemente el título, por el definitivo Robot jox.
Pero los problemas no terminaron ahí, mientras la película se encontraba aún rodando las escenas de efectos, la Empire cayó en bancarrota. "Las razones de la súbita caída de Empire fueron imprecisas," admitía Gordon. "Expansión excesiva, demasiadas producciones, y el descenso de la lira italiana." Fuera la razón que fuera, significó el fin del imperio de Charles Band y marcó el devenir de Robot jox.
La historia recuerda a Robot jox como la culpable del hundimiento de Empire, pero Gordon siempre se ha encargado de desmentirlo. "Empire tenía otras once películas en producción al mismo tiempo. De hecho, siempre creí que Robot jox era la película podría haber salvado Empire. Pero el banco, Credit Lyonnais, había demandado que la línea de crédito fuera pagada de inmediato y a Empire le fue denegado el tiempo para encontrar nuevos fondos. El banco tomó todo los activos de Empire, uno de las cuales resultó ser la película en la que llevábamos trabajando desde hacía casi tres años."
Al no pagar el préstamo de 26 millones de dólares que debía, en mayo de 1988, Empire Pictures fue embargada por Credit Lyonnais. Epic Productions, productora propiedad del mismo banco, adquirió Empire y el control de sus producciones, lo que incluía a Robot jox. La película entró en un punto muerto, pero después de seis meses de espera y tras revisar el material filmado, sus nuevos dueños decidieron terminarla. La película fue distribuida por Triumph Films, que tenía un acuerdo de distribución con Epic Productions.
Una vez filmadas las escenas restantes, la película estaba lista para su estreno (algo que conseguiría 4 años después del inicio de su desarrollo), pero durante el largo tiempo de producción, había tenido lugar la caída del muro de Berlin y la disolución de la Unión Soviética, algo que afectó a Robot jox, que trataba sobre la Guerra Fría. De pronto la película se había quedado totalmente obsoleta. Incluso la moda de los juguetes Transformers había pasado.
Tal vez todo eso explique que cuando llegó a los cines el 21 noviembre de 1990, la película fuese un rotundo fracaso comercial, recaudando en los Estados Unidos sólo 1.272.977 de dólares. Seguro que tampoco ayudó su limitada distribución, y es que la película sólo se estrenó en 333 salas.
Eso sí, la película fue un éxito en su distribución en vídeo doméstico (según Gordon la película estuvo en el top 40 durante tres meses) y con el paso de los años ha conseguido cierto estatus de culto (sobre todo desde el estreno de Pacific Rim, que guarda varias semejanzas con ella).


VALORACIÓN

Robot jox es una película realmente maltratada y está completamente olvidada, es cierto que no es ninguna maravilla, pero hay que saber reconocer sus méritos, desde su original planteamiento (fue la primera película sobre robots mecha en imagen real), sus correctos efectos visuales (las miniaturas son fantásticas para su época) y su nivel de entretenimiento (la película pasa como un suspiro y sus 80 minutos de duración son los justos y necesarios).
Además existen pequeños apuntes que quedan en un segundo plano, pero que son interesantes, como que el gran héroe Aquiles es analfabeto (sólo se le ha entrenado para la guerra, lo importante es matar y no que pueda pensar por si mismo). Esos posters de Prenatal que nos muestran como en este futuro se intenta repoblar la Tierra y se les dan una recompensa a quienes tengan más hijos ("con seis niños nos dan un piso de tres habitaciones," dice la cuñada de Aquiles). O la reminiscencias a "La Ilíada" de Homero.
Pero ahí terminan sus virtudes, creo que su principal problema es que utiliza demasiados clichés y aunque el enfoque es para todos los públicos, estos resultan demasiado tópicos (Alexander es villano de lo más unidimensional, los americanos como los buenos y los rusos los malos, el personaje de Rex con sempiterno sombrero vaquero, etc). Y todo resulta un tanto predecible, se sabe que Tex es el espía desde el principio y aunque se niegue a luchar, está claro que Aquiles terminará haciéndolo.
Otras muchas cosas chirrían, el vídeo del asesinato del Dr. Matsumoto subiéndose en automático para que todos lo vean en el momento justo, el villano pudiendo ver desde las alturas que dentro del robot está Atenas y no Aquiles, los probetas que supuestamente están mejorados genéticamente, pero no hacen nada que lo demuestre (y el personaje de Sargon sólo está ahí para resultar insoportable y recibir una paliza) y algunos diálogos y reacciones son de vergüenza ajena (como el primer encuentro de Aquiles y Tex con la profesora Laplace o las reacciones de ésta al ver como Atenas recibe una paliza). Además el reclutar a tantos malos actores no ayuda al conjunto, sobre todo cuando el mejor de todos (Jeffrey Combs) sólo tiene un cameo.
Para tener un enfoque infantil, hay cosas un poco fuera de tono, el pene motosierra del robot de Alexander, el desnudo de Atenas u otras connotaciones sexuales a lo largo de la película. Simplemente parece que no sabe a que clase de público está enfocada.
Y su planteamiento sobre la Guerra Fría no es muy sutil, más bien parece una caricatura (del todo intencionado por Gordon), está claro que el Mercado son los norteamericanos y la Confederación los soviéticos, siendo los primeros los buenos, mientras que los segundos son los villanos. Además el tratamiento no resulta fresco, cuando se estrenó ya se habían hecho muchas películas sobre la Guerra fría (de hecho, todo recuerda a Rocky IV, pero con robots casi tan grandes como Ivan Drago). Robot jox simplemente llegó demasiado tarde y una vez caído el muro de Berlín, la historia quedó anticuada.
La batalla final sorprende por lo imaginativa de la misma, desde el momento de los robots volando al espacio, el mecha de Alexander con un puño que golpea cual ametralladora (idea recuperada para el Hulkbuster de Vengadores: La era de Ultrón), la transformación que convierte al robot de Aquiles en un tanque o Aquiles disparando el puño del brazo previamente amputado del robot de Alexander. En esos momentos Robot jox sí se convierte en la película sobre mechas que todos queremos ver.
Y los efectos resultan de lo más resultones y efectivos teniendo en cuenta la época y su limitado presupuesto, del cual Gordon saca oro. Se apuesta más por las miniaturas que por los efectos stop-motion, lo cual es un acierto. No brillan de igual modo los decorados, que evidencian que estamos ante una película de serie B.
La película trata sobre el absurdo de la guerra y sobre como ambas partes de un conflicto deberían llegar a un mutuo entendimiento. Tal vez es una mirada simplista, y su final con Aquiles y Alexander haciendo hacen las paces, resulta chocante, por no decir absurdo, pero por lo menos intenta lanzar un mensaje positivo al público, aunque no esté del todo conseguido.
Y es fácil ver su influencia en Pacific Rim, que viene siendo un versión aumentada (y mejorada) de esta película. Además se adelantó a Starship Troopers al mostrar una sociedad en la que se ha perdido la identidad en los sexos, como demuestra la escena en la que Atenas se va a la ducha con el resto de probetas.
Robot jox es una entretenida serie B, orgullosa de sí misma, pero con unas aspiraciones mayores que su reducido presupuesto y el estudio donde se originó, le permitían. Es superior a la media de productos de la Empire y también está enfocada a un mayor público. Gordon demuestra una vez más su buen oficio y que sabe como crear un producto desprejuciciado y divertido. Un cómic en imagen real con robots gigantes batiéndose el cobre, que desde su estreno ha estado luchando para buscar su lugar en el cine. Aún le quedan varias batallas para conseguirlo.


CURIOSIDADES

Joe Haldeman oyó por primera vez la frase "choca y fulmina", como un saludo entre corredores de motos en un evento de Speedweek.
Estaba previsto que existiese una secuencia submarina, donde se mostraría otra transformación de los robots.
Los gritos de los espectadores siendo aplastados por el robot de Aquiles, fueron utilizados en la canción "The Becoming" de Nine Inch Nails.
Los parches militares que llevan Aquiles y Rex en sus trajes, incluyen parches reales como el de la División 101ª Aerotransportada Ejército EE.UU. y la del 18º Cuerpo Aerotransportado.
Aunque Charles Band estrenó bajo su sello Full Moon Entertainment Crash and Burn (1990) y Robot Wars (1993), películas directas a vídeo de temática similar a Robot jox, y que en algunos países se promocionaron como sus secuelas, aunque realmente no lo son.
Stuart Gordon tiene un cameo como el camarero del bar que regentan los jox.
La idea para la secuela era la lucha entre mechas y aliens.
La película se pudo por primera vez en el Festival de Cine de Sitges de 1989.

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