Thursday, February 01, 2018

Gattaca

"Jamás me reservé nada para la vuelta."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En el futuro, la humanidad es creada genéticamente. Un hombre que nació de forma natural y que es considerado inferior, sueña con ser astronauta, y para conseguirlo usurpa la identidad de otro hombre.

EL OCTAVO DÍA
Tras más de 10 años dirigiendo anuncios, el debut como director cinematográfico del neozelandés Andrew Niccol, debería haber sido El show de Truman (1998), película de la cual había escrito el guión. Pero cuando la película se presupuestó en 80 millones de dólares, la inexperiencia de Niccol provocó que el estudio buscara a un director de confianza y contrataron a Peter Weir. En aquel momento la jefa del estudio le dijo a Niccol que si fuera capaz de hacer una película que costara 20 millones sí le dejarían dirigirla, siguiendo ese consejo, el director se puso manos a la obra para escribir una producción más modesta, y así surgió Gattaca (Gattaca, 1997).
Originalmente el guión se titulaba "The Eighth Day", en referencia a los siete días de la creación según la Biblia y su epicentro era la genética, un tema que empezaba a ser candente por aquel entonces. "Estaba sorprendido que esta clase de historia no hubiera sido escrita antes y porque [la tecnología] se está acercando rápidamente," declaraba Niccol. La idea para la historia vino al director cuando se dio cuenta que el ADN podría determinar el futuro de las personas, "pensé, '¿y si decides no vivir por ese código?'," recordaba Niccol.
El director consiguió la financiación gracias a Danny DeVito y su productora Jersey Films y a la Columbia Pictures, quienes pusieron los 36 millones de dólares que terminó costando la película.
De su reparto principal, Uma Thurman fue la primera en ser contratada, lo que ayudó a que la película consiguiera financiación. El guión le llegó a través de su agente e impresionó a la actriz, y eso que su papel no era muy grande. "Fue un papel difícil por que siempre lo estaban cambiando, como hacen con las películas," recordaba la actriz. "Pero estaba impresionada con él [Niccol]. Me senté con Andrew y él vino con su maleta llena de imágenes e ideas, y pude ver que era auténtico. Era alguien especial así que quise hacer una película con él. Así fue como sucedió." La actriz cobró un cheque de 5 millones de dólares por interpretar a Irene.
Después de tener a Uma en el reparto, se unió Ethan Hawke, quien daría vida a Vincent Freeman, el protagonista de la historia. A Hawke le interesó el proyecto porque, "no es muy común hoy en día encontrar historias con metáforas, en general los guiones son literales y no van más allá de las palabras. [...] Pero Gattaca tiene muchas metáforas y da espacio a varias interpretaciones."
El papel de Jerome Eugene Morrow se le ofreció a Johnny Depp, quien lo rechazó para hacer The brave (1997). Y fue a parar al por aquel entonces ascendente Jude Law, quien realmente se entusiasmó con el proyecto. "Cuando leí el guión, tan pronto terminé la última página, comencé a leerlo de nuevo desde el principio. Es la única vez que lo he hecho," declaró el actor. Esta película supuso un punto de inflexión en su carrera, "fue la primera vez que estaba haciendo un guión en el que creía y que vi en la pantalla algo cercano a lo que yo esperaba, en lugar de ese desierto de vaga confusión de mis trabajos hasta ese punto," recordaba el actor británico. Law se metió totalmente en su personaje (sin ser un actor del método) y se mantuvo durante todo el rodaje sentado en la silla de ruedas de su personaje. Niccol no había previsto contratar a un actor británico, así que modificó el guión para adaptarlo a la nacionalidad de Law.
El resto de su impresionante reparto le dieron forma, el escritor Gore Vidal (como el Director Josef), Xander Berkeley (en el papel del Dr. Lamar), Jayne Brook y Elias Koteas (como los padres de Vincent), Blair Underwood (interpretando a un geneticista), Ernest Borgnine (dando vida a Caesar), Tony Shalhoub (en el papel de German), Alan Arkin (en la piel del detective Hugo), Loren Dean (como Anton, el hermano de Vincent) y Dean Norris (en un pequeño papel de policía).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar entre el 22 de abril de 1996 y el 16 de julio del mismo año, en diferentes localizaciones de California, como Los Angeles, San Rafael o Pomona.
El Marin County Civic Center (último edificio creado por Frank Lloyd Wright) en San Rafael, se convirtió en la sede de la Gattaca Corporation. Según Niccol, lo escogieron porque, "era de un período en el que la gente era optimista sobre el futuro. Eso ya no existe. También las curvas del edificio realmente ayudaron, así que cuando diseñamos los decorados, podríamos reflejar todas esas curvas." Para los exteriores del edificio en el que viven Vincent y Eugene se utilizó el "Edificio CLA" de la "Universidad Estatal Politécnica de California". La Presa de Sepúlveda en Los Angeles, se utilizó para la escena en el que Vincent e Irene pasean delante de unos grandes arcos. Y la escena de la planta fotovoltaica fue filmada en "Kramer Junction Solar Electric Generating Station" en Boron.
Fue un rodaje que transcurrió sin menores incidentes y donde sus tres protagonistas se llevaron de maravilla. Tanto, que Ethan Hawke y Uma Thurman se convirtieron en pareja a raíz del rodaje.
Niccol les dio una gran libertad a sus actores y durante el rodaje, "nos mantuvimos improvisando, reescribiendo escenas y eliminando cosas," comentaba Law.
Las limitaciones presupuestarias fueron una de las máximas durante la post-producción y rodaje de Gattaca, y sus consecuencias fueron entre otras, cambios en el guión. Inicialmente el personaje de German tenía un sofisticado ordenador que mostraba todos los posibles emparejamientos para Vincent partiendo de varios archivos. Como su coste era muy alto, optaron porque German portase viales con sangre con diferentes posibilidades, según los requerimientos de su cliente. Una solución más económica y "mucho más visceral," según Niccol.
Con muy poco, el diseñador de producción Jan Roelfs (Orlando) ayudó a hacer realidad el futuro imaginado por Niccol. La creación de los coche futuristas es un buen ejemplo de ello. "Es muy difícil diseñar el coche del futuro, especialmente cuando no tienes al dinero para hacerlo," recordaba Niccol. Así que a la hora de crear los coches futuristas decidieron mirar al pasado y utilizar los viejos Studebaker Avanti de 1963, ya que, "es un coche que estaba muy adelantado a su tiempo," afirmaba el director.
Y esa carencia de dinero fue la que les obligó a ingeniárselas para darle a la película el look futurista que necesitaba, algo que consiguió el director de fotografía Slawomir Idziak (Black Hawk derribado) colocando filtros en la cámara para darle un intenso color amarillo a las imágenes, algo que según Niccol, "cambió el aspecto de cualquier característica contemporánea que se perdió delante de la cámara."
Para componer la banda sonora, Niccol contrató a Michael Nyman, quien compuso una excelente partitura. Según el compositor, "Niccol fue muy preciso sobre el tipo de música que quería para Gattaca."
El estreno en Estados Unidos en 1997 de la película belga El octavo día (1996) provocó el cambio de título de, así que "The Eighth Day" se convirtió en Gattaca. El origen del nuevo título son las siglas de los nucleótidos que componen la cadena del ADN [denina (A), guanina (G), timina (T) y citosina (C)].
La película apenas fue promocionada antes de su estreno (el 24 de octubre de 1997), por una decisión del jefe del estudio, quien según Hawke, "no creía que la película fuera tan buena." Tal vez eso explique su tibia recepción en la taquilla, recaudando en los Estados Unidos sólo 12.532.777 de dólares.
A la hora de los premios no tuvo mucha más suerte. La Academia de Hollywood sólo la nominó en la categoría de mejor dirección artística (Jan Roelfs y Nancy Nye), cuando la lista de nominaciones que merecía debería haber llegado hasta Titán. Y fue nominada a los Globos de oro en la categoría de mejor banda sonora original (Michael Nyman).

ESCENAS ELIMINADAS
Fueron varias las escenas que fueron consideradas "no válidas" para el montaje original de la película, estas escenas eliminadas fueron recogidas en la ediciones de DVD y Blu-Ray, y son las siguientes:
1. Caesar se encuentra a Vincent estudiando y le aconseja que deje de hacerlo, y que acepte la vida que tiene.


2. Antes de viajar a Titán, Vincent se despide de Caesar y le deja dentro de su taquilla un telescopio.


3. Originalmente la escena del "Eight Day Center" era un poco más larga y el geneticista le ofrecía a los padres de Vincent la posibilidad de mejorar aún más el futuro de Anton, a cambio de 5.000 dólares. Pero tienen que rechazarlo al ser demasiado dinero.


4. El Director Josef realiza un informe sobre la inminente misión a Titán, pero es interrumpido por Irene quien le comunica que los investigadores quieren comenzar sus pruebas con todos los miembros de Gattaca.


5. El Detective Hugo le revela a Anton que sabe que es el hermano de Vincent.


6. Se muestra una serie de personas famosas que podrían no haber nacido si se hubiera descifrado el ADN humano antes y se indica las enfermedades o trastornos que padecían. Abraham Lincoln (síndrome de Marfan), Emily Dickinson (depresión maníaca), Vincent van Gogh (epilepsia), Albert Einstein (dislexia), John F. Kennedy (síndrome de Addison), Rita Hayworth (Alzheimer), Ray Charles (glaucoma primario), Stephen Hawking (esclerosis lateral amiotrófica) y Jackie Joyner-Kersee (asma). Y termina con la frase, "por supuesto, el otro nacimiento que pudo no haber tenido lugar es el tuyo."


VALORACIÓN
Niccol no podría haber tenido un debut mejor como director, sorprende la seguridad de su puesta en escena y la claridad de exposición de sus ideas, consiguiendo al mismo tiempo deslumbrar y emocionar con una historia tan sencilla como humana.
Y es de la humanidad de lo que nos habla el director a través de su soberbio guión, esa innata condición humana de sacar lo mejor de uno mismo. La voluntad a prueba de hierro de Vincent refleja lo mejor del hombre, de lo lejos que puede llegar uno si se esfuerza en algo, si cree en ello. Si como dice Vincent en el mejor momento de la película, uno jamás se reserva nada para la vuelta.
Gattaca también nos habla de hacer realidad los sueños por imposibles que parezcan. Vincent se niega a vivir según las reglas que le han impuesto, decide gobernar sobre su propio destino. Hará lo imposible para hacer realidad su sueño, desde cortarse las piernas, hasta cruzar una carretera a ciegas (un momento de tensión de lo más conseguido). El protagonista encuentra su lugar en el mundo, el cual está fuera de él, a millones de kilómetros. Vincent hace honor a su apellido (Freeman) y es realmente un hombre libre, tal vez el único de esta utopía futurista. Un futuro aséptico, frío, e imperfecto de tanta perfección.
La película también trata de las diferencias de clases, que aquí no se basan en el color de la piel o el dinero, si no en las condiciones genéticas. Siendo los que se consideran "no validos", lo más bajo de esta nueva sociedad, en la cual un insignificante pelo puede cambiar tu vida. Cuando Vincent se convierte en astronauta nadie lo reconoce de sus tiempos como limpiador, ya que nadie se paraba a mirarle, era alguien invisible.
Eugene lo tiene todo para triunfar, podría llegar tan lejos como quisiera, pero se boicotea a si mismo, tal vez la carga de la perfección es demasiado alta. Y por eso disfruta de ser Vincent en la escena que se tiene que hacer pasar por él ante Irene y Anton (aunque irónicamente se hace pasar por si mismo), mostrando quien podría haber sido. Ésta es de paso una de las mejores escenas de la película, con ese brutal momento en que Eugene tiene que subir por la escaleras y el impagable instante en el que consigue un beso de Irene.
Cuanto más se hace pasar por Eugene, Vincent más es él mismo, ya que ocupa el lugar que realmente se merece, más le demuestra a todos de lo que es capaz teniéndolo todo en contra. Vincent se realiza a través de Eugene, y vicerversa, es una relación simbiótica, en la que dos hombres incompletos forman un solo hombre perfecto.
Eugene se convierte en el verdadero hermano de Vincent. Anton no quiso ser su hermano de sangre cuando eran niños y en cambio Eugene le da literalmente su sangre para que pueda cumplir su sueño, primero por dinero, pero después para sentirse realizado a través de él, "me enorgullezco de ti", le llega a decir en un momento de la película. Incluso Eugene fue un consumado nadador, como también lo es Anton. De esa forma Eugene termina ocupando el lugar de Anton.
Irene y Vincent encajan porque ambos son imperfectos, sus frágiles corazones les unen. Ella le ayuda porque se demuestra a si misma que alguien que es considerado inferior puede llegar tan lejos como cualquier "válido".
Gattaca es rica en detalles, entre mi favoritos se encuentran, la desgarradora escena en la que padre de Vincent se niega a ponerle su nombre en el momento de su nacimiento, por no ser perfecto.  El de Vincent borrando su nombre del marco de la puerta después que su padre le mida a él y a su hermano, algo que realmente hace cuando es mayor, borrarse del mundo. Vincent al final de la película se encuentra a Anton sentado en su escritorio, ocupando el lugar que podría estar destinado a ser suyo, pero que Vincent a base de esfuerzo se ha ganado ocupar. Cuando Irene descubre el secreto de Vincent, tras engañar a Anton, Vincent aparece justo por detrás de Eugene, como si saliera de éste, como si formara parte de él.
Otro elemento de interés es que nunca se especifica el año en que acontece la historia, simplemente es el futuro y es un acierto, ya que la hace atemporal.
Y es que todo funciona en la película, los actores están fantásticos (sobre todo Hawke y Law), la fotografía es de lo más preciosista, el diseño de producción es elegante y atractivo en su sencillez, y la banda sonora merecería un artículo para ella sola, siendo una de las mejores partituras de Nyman, y que ya forma parte del ADN de la película.
Como Vincent, la película es perfecta en su imperfección, la suma de sus virtudes es muy superior a la de sus escasos defectos (toda la trama detectivesca se resuelve de una forma demasiado sencilla y carece de la fuerza necesaria). Gattaca es tan buena como cualquier película y mejor que la mayoría, es toda una obra maestra.

CURIOSIDADES
Primera película de Maya Rudolph.
En una votación fue nombrada por la NASA como la película de ciencia ficción más correcta jamás realizada. 
Como comentaba antes, Ethan Hawke y Uma Thurman se convirtieron en pareja a raíz del rodaje de esta película, se casaron en 1998 y se divorciaron en 2005. 
La sinuosa escalera del apartamento de Eugene tiene una estructura helicoidal como el ADN.
El coche de Vincent es un Studebaker Avanti de 1963 y el que conduce Irene es un Citroen DS Cabriolet. Los Hoovers conducen un Rover P6.
Dado que Jerome es más alto que Vincent, éste se somete a una operación para aumentar su altura, en la realidad Ethan Hawke es más alto que Jude Law. 
Cuando se estrenó la película y como parte de la campaña de marketing, se publicaron anuncios para que la gente pudiese llamar y hacer que sus hijos fueran modificados genéticamente. Miles de personas llamaron a ese teléfono. 
Hay una breve escena post-créditos, en la que unas uñas caen al suelo a cámara lenta.


La localización del Marin County Civic Center, sede de la Gattaca Corporation, fue también utilizada en la película de ciencia ficción THX 1138 (1971) de George Lucas.
La primera versión del guión no tenía título.
Los anuncios en la sede de la Gattaca Corporation están escritos en esperanto, un idioma artificial inventado a finales del siglo XIX.
El personaje de Uma Thurman se llama Irene Cassini, es una referencia a Giovanni Cassini, un astrónomo italiano del siglo XVII que descubrió cuatro satélites de Saturno (Rea, Dione, Tetis y Jápeto) y la división de los anillos de Saturno que lleva su nombre.
El personaje de Jude Law prefiere que se le llame por su segundo nombre, Eugene. Este nombre viene del griego y significa "el bien nacido", como el propio personaje. Y se crea una relación de su nombre con la eugenesia (eugenics en inglés), que es el estudio y aplicación de las leyes biológicas de la herencia orientados al perfeccionamiento de la especie humana, uno de los temas principales de la película.
Por su parte, el nombre de Vincent significa vencedor.
Ernest Borgnine cumplió 79 años durante el rodaje de la película.
A los agentes del FBI se les llama "Hoovers", pero también es una referencia a una marca de aspiradoras. A lo largo de la película se ve a los agentes aspirando para conseguir pruebas de ADN.
En la escena del restaurante en la que Vincent le habla a Eugene de Titán y llena una copa de vino con humo de un cigarrillo, la canción que suena de fondo es "Nuages" (nubes en francés).
En los escáneres, el icono de los "validos" en un símbolo de infinito, mientras que el de los "no válidos" es una daga, la cual significa extinción y que a su vez recuerda a una cruz. Los "no válidos" son llamados "hijos de Dios" en la película.

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Saturday, January 06, 2018

Repaso al 2017

2017 fue el año del no Oscar a La La Land, del atentado de ISIS en Cataluña, del (mítico) hilo de twitter creado por Manuel Bartual, del los escándalos sexuales en Hollywood, de la independencia de Cataluña, de esta entrevista de la BBC interrumpida por unos niños, de la liberación de Mosul, del "Despacito", de las pruebas nucleares de Corea del Norte, de la Nintendo Switch, de la condena de Iñaki Urdangarin (que nunca cumplirá), del vídeo de Periodista Digital de Silvia Charro y Simón Pérez, y el año en que nos dejaron entre otros Chiquito de la Calzada, Roger Moore,  Chuck Berry, Jerry Lewis y Chester Bennington. 
Hagamos un punto y aparte, y centrémonos en hablar sobre lo mejor del cine y la televisión que nos deparó el recién terminado 2017.


TOP CINE
El 2017 fue un año cinematográfico realmente bueno, tuvimos grandes blockbusters y cine de autor de lo más interesante, en definitiva, el cine del año pasado nos deparó grandes alegrías.
Mis películas preferidas del 2017 pueden resumirse en cuatro títulos, Dunkerque (Nolan nunca decepciona), La ciudad de las estrellas (una pequeña maravilla), John Wick: Pacto de sangre (la película de acción del año) y A ghost story (una joya a descubrir). Estas películas y otras que considero fueron, lo mejor del cine del año pasado, a continuación:

A ghost story (A Ghost Story)
Sólo por la escena en la que Rooney Mara escucha la canción que ha compuesto Casey Affleck ya merece la pena ver la película, que versa sobre la vida y la muerte, el amor y el odio, la pérdida y el dolor. Una pequeña maravilla.

Baby driver (Baby Driver)
Uno de los temazos del año, con mucho ritmo, música pegadiza y grandes interpretaciones de toda la banda de Edgar Wright.

Barry Seal: El traficante (American Made)
El golpe al sueño americano, una irónica mirada al mundo de los narcos y la política, con un Tom Cruise sensacional.

Batman: La LEGO película (The LEGO Batman Movie)
100 minutos de parodia sobre Batman (y el mundo del cómic), contado con absoluto conocimiento de causa. Muy disfrutable.

Brigsby Bear (Brigsby Bear)
Un canto de amor al cine y al hacer realidad los sueños por locos que parezcan.

Coco (Coco)
Cuando Pixar deja a un lado las secuelas, realmente sabe hacer bien las cosas. Una emotiva y original historia que nos habla de la importancia de la familia, del recuerdo de los que ya no están y de hacer realidad los sueños.

Crudo (Grave)
Como hablar de las dificultades de la adolescencia, las adicciones, de las relaciones entre hermanos y los pecados de los padres, de una forma literalmente cruda.

De Palma (De Palma)
De alumno aventajado de Hitchcock a maestro, un documental imprescindible para todo fan del director de Atrapado por su pasado.

Dunkerque (Dunkirk)
Un excelente relato de guerra. Todo un ejemplo de cine sensorial, tenso y emocionante. Ya es un clásico.

El fundador (The Founder)
Podría haberse convertido en un telefilm, pero la historia es tan endiabladamente interesante y Michael Keaton está tan perfecto, que consigue no ser un fast food cinematográfico.

El imperio de las sombras (The Age of Shadows)
Gran film de espías, con un Jee-woon Kim en plena forma. Una vez la acción arranca (coincidiendo con el viaje en tren de los protagonistas), ésta ya no para jamás.

It (It)
Formidable film de horror que brilla principalmente como retrato de esa terrorífica época de la vida llamada niñez. El reparto infantil flota a cada escena y sus más de 2 horas se pasan como un suspiro.

John Wick: Pacto de sangre (John Wick: Chapter 2)
Un festival de acción, disparos y coreografías como pocas veces se ha visto en el cine de acción, y que era justo lo que todos estábamos esperando. John Wick ha cumplido (sobradamente) con su nuevo encargo.

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island)
Un bestial kaiju que es puro pulp y aventuras (y 1.000 veces más divertido que Godzilla).

La ciudad de las estrellas (La La Land)
Un homenaje a los musicales clásicos y un canto de amor a la ciudad de Los Angeles. Un musical como los de antes, sobre unos soñadores en la ciudad de los sueños. Con una Emma Stone que brilla a cada escena. "City of Stars" y "Audition" sonaron en mi cabeza durante varios días después verla. Merecía ese Oscar.

La cura del bienestar (A Cure for Wellness)
Una maravilla visual de Verbinski, hipnótica y extraña. Una cura a la mediocridad cinematográfica.

La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes)
El colofón del que seguramente es el reboot más redondo de cuantos se han realizado en los últimos años. Espectacular, complejo y coherente con todo lo narrado hasta ahora. Los simios han conquistado el mundo (del cine).

Logan (Logan)
La película saca las garras a cada escena. Siempre áspera, violenta y dramática. Un digno final para el Lobezno de Jackman.

Manchester frente al mar (Manchester by the Sea)
Un drama sólido y realista sobre como seguir adelante tras una tragedia de la cual es imposible recomponerse y de las heridas que quedan para siempre. Todo el reparto está de diez.

Moonlight (Moonlight)
Este sólido (y un tanto sobrevalorado) drama contado en tres actos, nos habla de como las experiencias del pasado forjan en quien nos convertiremos. Visualmente fascinante y con algunas interpretaciones de diez. 

Spider-Man: Homecoming (Spider-Man: Homecoming)
Holland sólo ha necesitado una película para ser el mejor Spider-Man (y lo mismo podríamos decir de Marisa Tomei y su tía May). Dinámica, muy divertida y espectacular, no es la mejor película del personaje, pero tampoco le hace falta para que caigamos en sus redes.

Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi (Star Wars: Episode VIII - The Last Jedi)
Muerte a lo viejo. Le saga se renueva, y era algo inevitable. Espectacular, oscura, divertida y épica. En definitiva, puro Star Wars.

Thor: Ragnarok (Thor: Ragnarok)
Diversión a raudales, grandes escenas de acción, genial banda sonora y mucha química entre todo el reparto. Waititi cambió la épica por el cachondeo y eso le sentó de maravilla a la saga del dios del trueno.

Train to Busan (Busanhaeng)
Tal vez lo mejor que le ha pasado al cine de zombies en los últimos años.

Verónica (Verónica)
Una de las mejores películas de terror de año se situó en Vallecas. Paco Plaza crea una historia de terror cercano y cotidiano, para hablar sobre los horrores de la adolescencia.

Wonder Woman (Wonder Woman)
La película más redonda del DCEU hasta la fecha y aunque no es una absoluta maravilla, sabe manejar bien todos los elementos, la aventura, el romance, la acción y la comedia. Y Gal Gadot brilla como una perfecta Wonder Woman.

Your name (Kimi no na wa.)
Va de lo íntimo a lo épico, de lo trágico a lo divertido, con una gran facilidad. Sin duda alguna fue el anime del año.


TOP SERIES
Son tantas las series que existen ahora mismo y desde tantas plataformas, que es imposible seguir todas o por lo menos muy difícil ver todo aquello que uno quisiera ver. Así que cuesta cada vez más estar al día del panorama actual de las series, pero entre tantas series hay muchas cosas buenas de las que disfrutar.
Y las series que más disfruté en el 2017 fueron, Mindhunter (puro David Fincher), Big Little Lies (una fantástica historia coral de un gran universo femenino), Feud (narrando con brillantez una de las más jugosas y terribles historias de Hollywood) y Stranger Things (cumpliendo con unas expectativas realmente altas).
El mejor episodio del año fue esa obra maestra llamada "The Lying Detective" de Sherlock.
Y el resto de las series quedaron así. Con 24: Legacy, la serie 24 no tuvo su mejor día. GLOW fue ganando asalto a asalto. 13 Reason Why fue la serie más sobrevalorada del año. Fargo nos deparó una compleja y diferente tercera temporada, que personalmente disfruté menos que las dos anteriores. The Get Down empezó con fuerza para terminar siendo un disco rayado. Unbreakable Kimmy Schmidt sigue siendo tan loca y divertida como siempre. The Defenders no pasó de ser un mero entretenimiento y no cumplió con el hype creado por la miniserie evento. Sin hacer mucho ruido, Ozark fue una de las alegrías del año. Narcos no consiguió emular lo conseguido en sus dos primeras temporadas, pese a eso, fue de menos a más. El regreso de Twin Peaks fue uno de los eventos televisivos del año. La espera por la tercera temporada de Rick and Morty mereció (mucho) la pena. La quinta temporada de House of Cards fue la menos redonda hasta la fecha. Y Jean-Claude Van Johnson fue una grata sorpresa.
Estos son los que considero fueron los mejores episodios de la temporada 2016-2017:

13 Reason Why - 1x01 - "Tape 1, Side A"
La primera vez que escuchamos lo de "ésta es tu cinta" resultó interesante, pero cinta a cinta y episodio a episodio, la serie se fue desinflando. Aún así, el inicio fue prometedor.

American Gods - 1x05 - "Lemon Scented You"
El momento de Gillian Anderson como David Bowie fue una de las imágenes televisivas del año. Y Laura se convirtió por méritos propios en el mejor personaje de la serie.

Big Little Lies - Toda la temporada
El odio, la frustración y las mentiras detrás de un mundo perfecto lleno de imperfección y de falsa felicidad. Un universo matriarcal del que David E. Kelley saca oro. Con una gran banda sonora y una recuperada Nicole Kidman, en un personaje difícil, que borda.

Fargo - 3x10 - "Somebody to Love"
Hawley dejo lo mejor para el final, ese mundo de verdades y ficciones explota en el último episodio, que se cierra con un final abierto, que da mucho para pensar y discutir.

Feud - 1x05 - "And the Winner Is... (The Oscars of 1963)"
El culmen del odio entre Joan y Bette (y de la serie). La noches de los Oscar de 1963 era historia de Hollywood y ahora lo es de la televisión.

Feud - 1x07 - "Abandoned!"
Si creías que el rodaje ¿Que fue de Baby Jane? había sido malo, el de Canción de cuna para un cadáver fue cien veces peor.

Game of thrones - 7x04 - "The Spoils of War"
Nos regala grandes momentos de la serie, como el reencuentro de Arya con sus hermanos (primero con Sansa y después con Bran), pero sobre todo la batalla final, donde Drogón da rienda suelta a su poder. Épico es decir poco.

Game of thrones - 7x06 - "Beyond the Wall"
La temporada fue de una gran batalla a otra, y ésta entre Jon y los suyos contra los caminantes blancos fue tan trágica, tensa y espectacular como cabría esperar.

Game of thrones - 7x07 - "The Dragon and the Wolf"
Los muros caen, el de la pasión entre Jon y Daenerys, el de las mentiras de Meñique, el de la madurez de Sansa, el del amor entre Cersei y Jamie, y sobre todo, el muro del norte. Y ver por fin a todos los personajes de la serie reunidos es una gozada.

GLOW - 1x01 - "Pilot"
El primer combate de GLOW sentó a golpes las bases de la serie, humor, drama, peleas y personajes peculiares, pero entrañables.

GLOW - 1x10 - "Money's in the Chase"
Un épico final lleno de grandes combates, mucho humor, reconciliaciones padre-hija y giros inesperados. Las hermosas damas de la lucha libre dejaron lo mejor para el final.

House of Cards - 5x04 - "Chapter 56"
Un manual de como manipular unas elecciones presidenciales.

Jean-Claude Van Johnson - 1x01 - "Pilot"
"Tal vez hayas visto Timecop, es del estilo de Looper con Bruce Willis, pero mil veces mejor." Sólo con ese momento, la serie ya me había ganado. Van Damme y los spagats están de regreso, y yo que me alegro.

Love - 2x04 - "Shrooms"
Todos alucinan en este episodio, incluso los espectadores.

Love - 2x05 - "A Day"
El capítulo con más love de Love.

Mindhunter - Toda la temporada
Un viaje a la mente de los asesinos en serie, para hablar sobre el mal, y su origen. Fascinante a cada episodio.

Narcos - 3x04 - "Checkmate"
La captura de Gilberto hace que la serie recupere el pulso y tensión de las dos primeras temporadas.

Narcos - 3x09 - "Todos Los Hombres del Presidente"
Si la captura de Gilberto tenía tensión, la de Miguel la tiene elevada al cuadrado. Narcos muestra su mejor cara, con un ojo puesto en los narcotraficantes y otro en los tejemanejes políticos.

Ozark - 1x01 - "Sugarwood"
¿Podrían pasar más cosas en este episodio (blanqueo de dinero, traiciones a narcos, asesinatos, adulterios, investigaciones del FBI, ...)? Un inicio de serie brutal.

Rick and Morty - 3x02 - "Rickmancing the Stone"
Como superar un divorcio metiendo en el mismo saco una dimensión post-apocalíptica, robots, venganzas y mucha mala leche.

Rick and Morty - 3x03 - "Pickle Rick"
Rick se convierte en pepinillo y el resto del episodio mantiene el mismo nivel de locura.

Rick and Morty - 3x10 - "The Rickchurian Mortydate"
El enfrentamieno entre Rick contra Obama, fueron 20 minutos de risas aseguradas.

Sherlock - 4x02 - "The Lying Detective"
Mi cabeza explotó varias veces a lo largo del episodio. Pero la revelación final fue como una bomba nuclear... El mejor episodio del año, elemental.

Stranger Things - 2x08 - "Chapter Eight: The Mind Flayer"
Stranger Things en todo su esplendor, acción, terror, referencias a los 80 (con Aliens a la cabeza) y una aparición final de Eleven épica y llena de emoción.

Stranger Things - 2x09 - "Chapter Nine: The Gate"
El portal se cierra y con él la temporada, dando pie a un final espectacular y emotivo a partes iguales. Puro Stranger Things.

Taboo - 1x08 - "Episode #1.8"
El culmen de todas las conspiraciones y ardides de Delaney, que explotan literal y figuradamente.

The Defenders - 1x03 - "Worst Behavior"
La primera reunión de los héroes trajo el mejor episodio de la temporada. Empieza bien (la resurrección de Elektra) y termina mejor (la batalla final).

The Handmaid's Tale - 1x03 - "Late"
La trama se vuelve más oscura y dramática, y descubrimos como comenzó la distopía. Y además destacan dos momentos para el recuerdo, la masacre en la manifestación mientras suena "Heart of Glass" y la ablación de Ofglen.

The Punisher - 1x11 - "Danger Close"
Este episodio era justo lo que esperaba ver en la serie, al Castigador con toda su furia homicida, lo que resulta toda una gozada.

The Walking Dead - 7x01 - "The Day Will Come When You Won't Be"
Un capitulo tan intenso, que uno necesita un descanso después de verlo.

Twin Peaks - 3x08 - "The return: Part 8"
Tal vez sea el episodio más libre, loco y carente de prejuicios jamás realizado. Un viaje a la mente de David Lynch (muy en la línea de Cabeza borradora  o Carretera perdida) con el que el director  hace historia de la televisión.

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Friday, December 01, 2017

Jumanji

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Dos hermanos encuentran en el desván de su casa un juego de mesa mágico, del cual sale todo tipo de tipo de elementos de la selva, y la única forma de poner todo en orden, es terminar la partida.

UN JUEGO SALVAJE
En 1981, Chris Van Allsburg publicaba el libro infantil ilustrado "Jumanji", sobre un juego de mesa que cobra vida propia. Según su autor la idea le vino cuando, "era un niño y jugaba a juegos como Monopoly, parecían algo emocionantes, pero cuando terminaba el juego todo lo que tenía era dinero falso. Así que pensé que sería divertido y excitante si hubiera tal cosa como un juego de mesa donde cada vez que cayese en una casilla y dijera que algo fuera a suceder, entonces realmente sucediese."
Los productores Scott Kroopf y William Teitler vieron las posibilidades cinematográficas del libro y se hicieron con sus derechos. Al parecer fue Peter Guber, jefe de Sony, quien convenció al escritor de adaptar su obra al cine, tras una reunión. Y así nació la película Jumanji (Jumanji, 1995), la cual se desarrolló bajo el sello de TriStar Pictures (propiedad de Sony) que obró como su distribuidora, mientras que la producción corrió a cargo de Interscope Communications y Teitler Film.
El propio Van Allsburg escribió la primera versión del guión junto con los guionistas Greg Taylor (Harriet la espía) y Jim Strain (Bingo!). Sobre su labor como guionista, Allsburg declaró que, "no me pareció terriblemente intimidante. De alguna manera, llevó menos tiempo decirlo en palabras que en imágenes." En la primera versión del guión ya se había introducido el personaje de Alan Parrish. 
Y es que la película difiere de la obra de Van Allsburg en que en aquella Judy y Peter son los únicos personajes de la historia. Alan Parrish y Sarah Whittle y los demás personajes y sus subtramas son creaciones expresas para la película. Además en el libro Judy y Peter no son huérfanos. En aquel encuentran el juego de mesa en un bosque, y no en el desván de su casa como en la película. Y en el libro, de las consecuencias de caer en las casillas, se incluye la aparición de una serpiente y de un volcán en erupción, ambas omitidas en la película.
El proyecto le fue ofrecido a Joe Johnston en 1994 y le gustó porque, "vi los mismos elementos que encuentro en ¡Qué bello es vivir!, una de mis películas favoritas. Es la historia de un chico que es sacado de su mundo y se le permite ver lo que le sucedió a su familia y a su comunidad porque él se fue. Y se le permite descubrir lo que significaba para todos, a pesar de que pensaba que no valía para nada. Esa es la parte de la historia que me atrajo."
Aún así el director consideró que el guión necesitaba ser reescrito y contrataron a Jonathan Hensleigh (Jungla de cristal: La venganza), quien escribió el guión final.
Se barajaron muchos nombres para interpretar a Alan Parrish como los de Tom Hanks, Dan Aykroyd, Harrison Ford, Mel Gibson, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Kevin Kline, Bill Murray o Michael Keaton, entre otros muchos. Sony (dueña de TriStar Pictures) quería a Robin Williams, pero al actor no le gustaba el guión. Sólo cuando se reforzó la relación padre-hijo y la situación de su personaje de pez fuera del agua, tal y como él quería, fue cuando aceptó participar en la película. "Me gustó el guión y la idea de trabajar con efectos visuales porque estoy fascinado por la animación por ordenador," admitía el actor. "Y esto es lo más cerca que estaré de hacer una película de acción. Me gustó la idea de hacer algo que es una aventura, pero que es todavía para niños de seis a catorce años." Williams declaró una de las razones por las que hizo la película fueron sus hijos. Por interpretar a Alan Parrish recibió el astronómico sueldo de 15 millones de dólares.
Kirstie Alley fue considerada para interpretar a Sarah Whittle, pero debido al rodaje de Dos por el precio de una (1995), no estaba disponible. Después se tanteó a un gran número de actrices, entre otras, Jodie Foster, Jamie Lee Curtis, Demi Moore, Michelle Pfeiffer, Meg Ryan, Sharon Stone, Kelly Preston o Julia Roberts. El papel recayó finalmente en Bonnie Hunt.
Scarlett Johansson hizo una prueba para el papel de Judy Shepherd, pero el papel terminó llevándoselo Kirsten Dunst.
Para el papel de Peter, el hermano Judy, se contrató a Bradley Pierce.
Y el australiano Jonathan Hyde se encargó de realizar el doble papel de Sam Parrish (padre de Alan) y Van Pelt (el cazador enemigo de Alan).
El resto del reparto se compuso con Bebe Neuwirth (en el papel de Nora Shepherd, la tía de Judy y Peter), David Alan Grier (interpetando a Carl Bentley), Patricia Clarkson (como Carol Parrish, la madre de Alan), Adam Hann-Byrd (como el joven Alan) y Laura Bell Bundy (haciendo lo propio como la joven Sarah).

RODAJE
Partiendo de un enorme presupuesto para la época de 65 millones de dólares, la fotografía principal tuvo lugar desde el 14 de noviembre de 1994 hasta el 7 de abril del año siguiente. Para dar vida a la imaginaria ciudad de Brantford en New Hampshire, la película utilizó principalmente localizaciones de Keene (New Hampshire), aunque también su usaron otras de Swanzey (New Hampshire), North Berwick (Maine) y Kennebunk (Maine) en los Estados Unidos. Además se usaron localizaciones de Vancouver y Tsawwassen, ambas en British Columbia (Canadá).
En febrero rodaron en Vancouver intentando que pareciera Nueva Inglaterra en verano. El tiempo invernal de Canadá no ayudó al rodaje, por ejemplo, en una ocasión tuvieron que derretir toda la nieve de delante de la casa de los Parrish para poder rodar un plano de día. Lo irónico fue que más tarde tuvieron que traer nieve de las montañas cercanas, para volver a cubrir la casa para filmar un plano nocturno de la escena navideña.
En primavera, y tras rodar las escenas en Vancouver, el equipo se desplazó a Keene y North Berwick para ocuparse de rodar las últimas escenas de la película, que curiosamente eran las primeras de la misma, aquellas protagonizadas por el joven Alan Parrish.
El rodaje fue todo lo opuesto al caos que muestra la película, siendo de lo más tranquilo y donde no faltó la diversión, como no podía ser de otra forma teniendo a Robin Williams en el set. "Sabía que el guión y la historia estaban tan bien elaborados que no había mucho espacio para improvisar, pero lo utilizó entre tomas para mantener al equipo riendo," recordaba Johnston. "Bonnie Hunt lo ocupó en su ausencia"
Y el actor trajo alguna de las mejores anécdotas, como al rodar la escena en la que lucha contra un cocodrilo, en una toma Williams se dejó llevar y le golpeó con el codo en la nariz olvidando que en el interior del animal había un hombre y se escuchó una voz de dentro del cocodrilo que exclamó, "¡Ey, vamos tío!".
El único accidente real en todo el rodaje lo sufrió la coordinadora de especialistas Betty Thomas, que era la encargada de conducir el coche de policía que roban los monos y los cuales eran añadidos posteriormente digitalmente. Para rodar la escena, Betty iba escondida en el suelo del vehículo y podía conducirlo gracias a una cámara oculta y a un monitor. Tras hacer una prueba por la calle para verificar que todo estaba bien, un miembro del equipo condujo el coche hasta el punto de partida para rodar la escena, pero movió el espejo retrovisor que ocultaba la cámara, de modo que, cuando la especialista hizo la acrobacia con las cámaras rodando se fue directa contra un árbol. Thomas no sufrió daño alguno y sólo sintió una sacudida.
La complejidad de los efectos especiales fue tal que la ILM llegó a decirle a Johnston que había cosas que eran imposibles de hacer mediante CGI, como por ejemplo, el pelo o la melena del león, a lo que el director les respondió, "En ocho meses, cuando estemos rodando esta película, seréis capaces de hacerlo, ¡así que volved al trabajo!" Dicho y hecho, el estudio desarrolló un software para poder crear el pelo digital de los animales. Bajo la supervisión de Ken Ralston y Stephen L. Price, la ILM hizo posible lo imposible.
Para la escena de la estampida, no se usaron pantallas azules, su utilizó en su lugar un set preparado para reventar en pedazos. Se hizo una primera toma de los actores corriendo y después una segunda toma del set explotando. Más tarde, se añadieron digitalmente a los animales, siendo el resultado espectacular.
Los animales de la película no lucen del todo realistas, en el caso del león, "quería uno que fuera reconocible como un león, pero que fuera más aterrador, más grande, más feroz, y más controlable que un león real," admitía Johnston. "No quería usar ningún animal vivo en la producción porque no creo que sea práctico."
Amalgamated Dynamics, y bajo la supervisión de Tom Woodruff y Alec Gillis, se encargó de los efectos físicos y mecánicos, desde la lluvia monzónica, pasando por los animatronics.
Para dar vida al león se construyeron dos, uno para los primeros planos (que se combinaban con los efectos creados mediante el software Caricature de ILM, que permitía crear el movimiento de sus facciones) y otro de cuerpo entero para las escenas de acción.
Uno de los mayores retos para el equipo de animatronics fue colocar a un pelícano sobre una roca en medio de un río, ya que dificultaba que el equipo no estuviera visible, algo que se solucionó simplemente sumergiendo a todos los titiriteros bajo el agua.
Y la compañía John Thomas Special Effects Stages se encargó de construir los decorados para insertar los efectos creados por las dos anteriores compañías.
Jumanji se estrenó el 15 de diciembre de 1995 en los Estados Unidos y fue un rotundo éxito de taquilla. Sólo en su país de origen amasó 100.475.249 de dolares (séptima película más taquillera del año en EE.UU.) y la taquilla total a nivel mundial alcanzó los 262.797.249 de dólares (décima película más taquillera en todo el mundo).
Sorprendentemente fue ignorada en las nominaciones al Oscar para sus efectos visuales, siendo aquel año las únicas nominadas Babe, el cerdito valiente y Apolo 13, películas con efectos menos revolucionarios.

VALORACIÓN
Jumanji es una de las más originales y entretenidas películas juveniles de los noventa, llena del espíritu que proliferaba en el cine de los ochenta y tal vez sea la última gran película juvenil de aventuras que se haya realizado.
Y es que la producción es realmente espectacular y lo da todo en cada una de las consecuencias del juego, ya sea la aparición de leones, estampidas o monzones. Se toma el tiempo justo y necesario en colocar sus fichas sobre el tablero para presentar a sus personajes y el escenario, pero una vez empieza la partida, ya no hay marcha atrás.
Uno de los aciertos de la película es no desvelar nunca los orígenes del juego (sólo sabemos que ya existía en 1869) y que se deje a la imaginación todo lo que le ocurrió a Alan esos 26 años en la selva. Esto hace aumentar el misticismo y misterio del juego.
Si cada una de las interacciones del juego son un festival continuo para los ojos, la película posee varios gags realmente inspirados, como ese siempre asfixiado y rezagado rinoceronte de la estampida, Alan y Carl cruzándose con una moto conducida por tres monos, Peter tratando de abrir una caseta con un hacha hasta que se da cuenta de que lo que buscaba era esa misma hacha o Alan alegrándose al ver un inodoro por primera vez en 26 años.
Es cierto que tiene algunas incongruencias, como esa puerta que no deja salir el agua del interior de la casa. Que los monos sepan conducir un coche a la primera. Que a Sarah nunca se le haya ocurrido jugar al juego de nuevo para sacar un 5 ó un 8 y así liberar a Alan. Pero se le perdonan esas faltas, porque son en pos de hacer avanzar la historia y del entretenimiento.
Y vale que vista a día de hoy hay efectos que no dan del todo el pego, pero en su momento fue una auténtica revolución. Y la película nunca trata de ser realista con los animales que la pueblan, se distancia un poco de la realidad y busca la diversión por encima de todo, un buen ejemplo son esos monos robaescenas.
Siguiendo el modelo de ¡Qué bello es vivir!, Alan puede comprobar como fueron las cosas en su ciudad y a su familia en su ausencia, descubriendo lo importante que era para todos, principalmente para ese padre al que creía que no le importaba. Pese a ser una comedia de aventuras, la película tiene su corazón, es algo más que una sucesión de apabullantes efectos especiales.
Alan, al igual que Judy y Peter, es un niño que ha perdido a sus padres y el estar tantos años solo en la selva le ha hecho permanecer con la misma inocencia que tenía cuando fue engullido por el juego. Alan se ve reflejado en Peter y adopta una figura patriarcal con él, pero inicialmente lo trata tan fríamente como su padre lo hacía con él, algo que odiaba. Y es que los hijos no pueden evitar convertirse en sus padres.
Todos los personajes hacen frente a sus miedos, a los que el juego de mesa van representando con diferentes caras, ya sea la de un cazador, un murciélago o un mono. Cuando termina la película todos los personajes han cambiado, principalmente Alan, recorrer las casillas de tablero les ha hecho evolucionar, no son los mismos que eran cuando estaban en la casilla de salida. Alan deja de temer convertirse en un adulto (uno como su padre), Sarah aprende a vencer su locura, Peter a no ser tan introvertido y Judy a dejar de esconderse en mentiras (aunque la evolución de estos dos últimos personajes se eche por tierra con el giro final).
Robin Williams da vida a un niño-hombre tan bien como en otras tantas producciones de su carrera, le imprime las dosis de ternura, rareza y diversión necesarias al personaje, y es el motor de la película, haciéndola funcionar. Y es que Williams es el mejor efecto especial de Jumanji.
Y Joe Johnston realiza una de las mejores películas de su carrera y la más entretenida junto con Rocketeer. Demuestra como siempre ser un buen artesano y le imprime un buen ritmo a la historia, la cual avanza con la fuerza de una estampida.
Jumanji es toda una gozada. Un espectáculo inocente y bienintencionado, que te hará pasar una tarde de lo más entretenida, viviendo como los personajes, la mayor aventura sin salir de casa. Jugad a este juego de mesa, no os arrepentiréis. Es una aventura única y bestial.

CURIOSIDADES
Mientras filmaba esta película, Robin Williams rodó una pequeña participación en la película Nueve meses (1995).
Pese a ser el protagonista, Robin Williams no aparece hasta el minuto 28 de película.
El juego de mesa utilizado en la película se vendió en 2014 por 60.800 dólares.
Robin Williams a menudo daba respuestas falsas cuando le preguntaban que significaba jumanji.
El tablero de juego tiene 110 casillas.
Única película del actor Gary Joseph Thorup, que interpreta al matón Billy Jessup, su otro único papel fue en un episodio de Ley y orden, donde irónicamente dio vida a una víctima de bullying.
La película conoció una adaptación en forma de serie de animación de título homónimo y que se estrenó en 1996, durando tres temporadas.
El argumento de la película difiere levemente de la novela, aunque el final es el mismo con dos niños encontrando el juego. En el libro esos niños se llaman Walter y Danny, el mismo que nombre que los personajes de Zathura: Una aventura espacial (2005).
Cuando Van Pelt entra en la tienda de armas suena el himno mexicano. En su estreno en México, la canción fue eliminada debido a que existe una ley en el país que prohíbe el uso de su himno por razones comerciales o de burla.
La película ganó dos premios Saturn, uno a la mejor actriz secundaria (Bonnie Hunt) y otro a los mejores efectos especiales (Stan Parks, ILM y Amalgamated Dynamics). Siendo nominada también a la mejor película de fantasía, mejor director (Joe Johnston), mejor actor (Robin Williams) y mejor interpretación de un actor joven (Kirsten Dunst y Bradley Pierce).
Aunque supuestamente los personajes de Robin Willams y Bonnie Hunt tienen la misma edad, en la realidad, Williams era 10 años mayor que Hunt.
Y a su vez, aunque el personaje de Peter tenga 8 años y Judy tenga 12, Kirsten Dunst era sólo 6 meses mayor que Bradley Pierce.
Y más bailes de edades, pese a que Carl es mayor que Alan, David Alan Grier, quien interpreta a Carl, es realmente 4 años más joven que Robin Williams.
La canción que Alan (Robin Williams) canta en el baño mientras se afeita, es el tema principal de la serie La isla de Gilligan (1964-67).
Al estudio le preocupaba el título de la película y propusieron llamarla "The Game: Jumanji", a lo que Joe Johnston se negó.
Kirsten Dunst y Bradley Pierce volvieron a interpretar a unos hermanos en la película para televisión El asedio (1996).
Según Chris Van Allsburg, "jumanji" es una palabra zulú que significa "muchos efectos".
En la escena navideña final suena la canción "Hark the Herald Angels Sing", es un homenaje a la película ¡Qué bello es vivir! (1946), en cuyo final suena también esta canción.
Irónicamente la película se rodó y se sitúa en New Hampshire, uno de los pocos estados de Norteamérica que no tiene zoo.
En la versión original, el vendedor de la tienda de armas le pregunta a Van Pelt si es un cartero, este chiste viene porque en la época en la que se estrenó la película hubo varios casos en Estados Unidos de carteros que se volvieron locos y se liaron a tiros.

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